Los virados fotográficos, esos baños químicos que servían para aumentar la durabilidad de las copias en la época de los cuartos oscuros, no tienen sentido hoy en día. Pero no se puede olvidar el color que daban a nuestras fotografías de blanco y negro; era una maravilla. Así que vamos a ver una técnica para igualar el efecto del color del virado en nuestras fotografías digitales.

El virado químico en el laboratorio marcaba las diferencias en el laboratorio fotográfico. Si querías culminar el revelado sabías que el último baño, cuando la copia estaba perfectamente limpia, era el del virado. Tenías varios para elegir. Yo apostaba siempre por el Kodak Selenium Rapid Toner a 1+9, es decir, una parte de químico más nueve de agua.

Si lo dejabas poco tiempo en el agua solo servía para la conservación. Y si te pasabas de tiempo daba esa tonalidad tan característica. Además decías a los demás que sabías trabajar. Si no habías hecho bien todo el proceso del revelado y virabas la copia, aparecían manchas delatoras en el papel por culpa de un mal procesado.Fotografía sin virar

La conservación era el motivo más importante para hacer este último baño. Uno de mis profesores siempre decía que una copia bien virada duraba más que tú en el mundo. Había muchos tipos: selenio, sepia, sulfuro, oro, platino… incluso hubo un tiempo en el que se puso de moda virar al café o al té.

Si dejabas el papel el tiempo suficiente, o con una dilución muy concentrada, podías tintar la plata acumulada en el papel y conseguir esas tonalidades que muchos espectadores relacionan con las fotografías antiguas. En realidad era casi una especialización dentro del mundo del laboratorio.

Como hacer un virado digital realista con Adobe Photoshop

Algo muy importante que parecen haber olvidado a la hora de crear los virados digitales en la mayoría de los programas y herramientas es que este efecto debe ser más notable en las zonas de las sombras que en las zonas iluminadas por un simple motivo: hay más plata en las sombras que en las luces, donde se ha diluido por efecto de la luz. No podemos olvidar que estamos trabajando con un positivo.

Por este motivo, los sistemas que se repiten una y otra vez, en muchos artículos, no son válidos. Realmente lo que hacen es colorear la fotografía. Dan un color determinado a toda la imagen como si le tiráramos encima un bote de pintura. Así que, después de buscar soluciones que fueran válidas hace mucho tiempo, descubrí la técnica de Tony Parkinson.

Fotografía mal virada. Todos los tonos afectados

La página es tan antigua (Phoenix Imaging) que ya no está activa. Allí publicó una tabla, que muchos hemos compartido, con los distintos valores que hay que introducir en las curvas para conseguir los mismos colores de los virados. Y sobre todo cómo conseguir que las sombras se vean más afectadas que las luces. Así que vamos a verlo para conseguir un virado al platino en esta ocasión:Revelamos la fotografía en blanco y negro como estemos acostumbrados. Para poder virar la fotografía es imprescindible que esté en modo RGB para poder darle información de color.

Acoplamos todas las capas y creamos una nueva capa de ajuste de Curvas en Capa>Nueva capa de ajuste>Curvas.

En la nueva curva seleccionamos el canal Rojo (alt+3) y marcamos tres puntos aleatorios en las sombras, medios tonos y luces. Es decir, hacemos clic en la parte inferior, media y superior de la curva para crear tres puntos.

Cada uno de los puntos tiene un valor de Entrada y de Salida.

Hacemos exactamente lo mismo -marcar los puntos- en la Curva del canal Verde y en la del canal Azul.

En cada uno de esos puntos de Entrada y Salida tenemos que poner los siguientes valores:

La curva debe quedar como veis en la ilustración. El problema es que si terminamos aquí nuestro virado lo único que estamos haciendo es lo que hacen los demás métodos. Así que vamos a seguir:La curva del virado al platino

Desactivamos la capa de ajuste de Curvas, haciendo clic en el ojo de la ventana Capas.

La fotografía ya no se verá coloreada. Y activamos la capa original.

Ahora seleccionamos la fotografía en Selección>Todo (Ctrl+A).

Copiamos la selección en Edición>Copiar (Ctrl+C).

En este momento activamos de nuevo la visión de la capa de ajuste de Curvas y hacemos Alt+clic en su máscara de capa. El archivo se verá blanco.

Pegamos lo que hemos copiado con Edición>Pegar (Ctrl+V).

Para que todo sea perfecto solo tenemos que invertir la máscara de capa en Imagen>Ajustes>Invertir (Ctrl+I).

Fotografía bien virada

Y ya está. Hemos conseguido que el virado afecte más a las sombras que a las luces. Además podemos bajar la Opacidad de la capa de ajuste para tener un control mayor del efecto.

Seguro que has oído nombrarla en muchas ocasiones pero quizá no tengas muy claro qué es a pesar de ser un concepto básico de técnica fotográfica, fundamental para hacer buenas fotos en modo manual. De hecho la Ley de Reciprocidad está directamente relacionada con el triángulo de exposición y de los pasos de luz, conceptos que tenemos que asimilar para entenderla.

Por eso os recomendamos encarecidamente repasar ambos artículos para entender la Ley de la Reciprocidad, aunque por supuesto vamos a repasarlos. La cuestión es que para hacer una foto es necesario exponer a la luz el sensor (o carrete) de nuestra cámara. Esta exposición tiene que realizarse de una forma determinada, dependiendo de la situación concreta, que se determina a través de tres parámetros básicos que determinan cómo de grande es la abertura por la que entra la luz, cuánto tiempo ocurre esto, y cómo de sensible a la luz es nuestro sensor (o película).

Hablamos, claro está, de la apertura de diafragma, la velocidad de obturación y la sensibilidad ISO. Parámetros que, en una toma determinada y de acuerdo a las circunstancias y la luz reinante, será necesario ajustar eligiendo una combinación de valores de los tres. Sin embargo, esta combinación es muy flexible así que tenemos la posibilidad de variarlos de una forma bastante libre gracias a una estrecha relación entre ellos.

Es por esa relación entre ellos a la hora de hacer una foto por la que suelen representarse como un triángulo. Esta figura geométrica hace referencia a que si cambiamos uno de los valores afectará al resto. Y ahí entra en juego la Ley de la Reciprocidad que dice que si modificamos un valor tenemos que compensarlo de forma proporcional variando uno, o los dos, parámetros restantes.

Normalmente estos cambios se realizan en pasos de luz (f-stops o paradas) que es una medida que se emplea en fotografía para establecer la relación entre los componentes del triángulo. Así, cada vez que hablamos de bajar (o subir) un paso de luz nos estamos refiriendo a permitir que llegue la mitad (o el doble de luz) al sensor. Esta “unidad de medida” se estableció para unificar los tres parámetros y permite no liarnos con los distintos valores numéricos que se usan para designar el diafragma, la velocidad y el ISO.

Gracias a ello, es fácil entender que al variar un parámetro, por ejemplo subiendo la velocidad un paso de luz, hay que compensar ese paso (siempre hablando de obtener la exposición correcta) bajándolo en otro parámetro. Esto se puede hacer en cualquiera de los otros dos, que en este ejemplo serían diafragma o ISO, o en ambos al tiempo. En ese caso se trataría de dividir la compensación en cada apartado con medios pasos o tercios de paso (porque los pasos se pueden dividir) hasta sumar uno.

En la práctica

Sabemos que la teoría puede ser algo liosa para los menos duchos, pero a la hora de aplicarlo es bastante más sencillo de lo que puede parecer. Entre otras cosas porque contamos con el exposímetro de la cámara que nos irá guiando en el proceso y nos lo mostrará de forma muy gráfica.

Como sabréis, este gráfico muestra los valores de exposición desde valores negativos (subexposición) hasta positivos (sobreexposición), con un cero en el centro que representa la exposición correcta. Cada uno de las rayitas más gruesas, que van acompañadas de un número, representa un paso de luz y las intermedias sus fracciones porque, como ya hemos dicho, los pasos no tienen porqué ser completos.

De hecho, a la hora de exponer hay que tener en cuenta esto y también que muchas cámaras pueden variar la exposición por pasos completos, por medios o incluso por tercios. Es decir, que cada vez que accionemos la rueda (o botón) correspondiente para modificar uno de los tres parámetros básicos, el cambio hará que estemos subiendo o bajando un paso de luz o bien una fracción. En principio os recomendaríamos ajustarla, si es posible, para trabajar con pasos completos a fin de evitar equivocaciones, pero lo más importante es saber cómo estamos variando los pasos.

El caso es que, cuando modifiquemos un valor de diafragma, velocidad o ISO, esta rayita se moverá hacia derecha o izquierda para indicarnos el aumento o disminución de la luz. Así, será momento de variar alguno de los otros parámetros para que el indicador vuelva al centro. Hablamos, eso sí, de exponer en manual, porque si estamos en modo automático o semiautomático la propia cámara se encargará de que la indicación esté en el punto medio (salvo que lo modifiquemos con la compensación de exposición).

EN XATAKA FOTOModos de medición de la luz: Qué son y cómo utilizarlos adecuadamente

Un ejemplo gráfico

De todos modos, hemos pensado también mostrarlo a través de un ejemplo para que lo veáis aún más claro. La foto que habéis visto en portada se hizo con una exposición de 1/320 segundos a ƒ4 y 1.600 ISO. Pues bien, de acuerdo a lo que vinimos diciendo, eso no significa que esos sean los únicos valores que podemos usar.

Así por ejemplo, podríamos haber empleado una exposición de 1/640 seg, ƒ2.8 y 1.600 ISO o una de 1/160 segundos a ƒ4 y 800 ISO (siempre que cámara y lentes lo permitan) y el resultado hubiese sido el mismo en términos de luminosidad. Hay que recalcar esto porque, como muchos ya sabréis, esta variación de los parámetros sí tiene otras consecuencias en la foto. Básicamente, usar una velocidad diferente afecta a cómo reproducimos el movimiento, abrir más o menos el diafragma determina la profundidad de campo, y elegir un ISO u otro implica que pueda haber ruido en la imagen final.

En este caso no notaríamos muchos cambios en este sentido ya que la variación de un único paso es poca, pero si fuese mayor o en otras circunstancias (escenas con movimiento, distintos planos de imagen…) sí que se notaría bastante. En cualquier caso, nos tiene que quedar claro que podemos conseguir una misma exposición utilizado valores distintos. Y eso se logra aplicando la Ley de Reciprocidad, de manera que compensamos la variación en uno de los parámetros de manera proporcional con alguno de los otros.

Claro que también podríamos haber variado uno de los parámetros sin tocar el resto, el resultado hubiera sido una imagen subexpuesta o sobreexpuesta en el número de pasos que hayamos modificado el valor, quedando la cosa como en la imagen que tenéis arriba suponiendo que nos hubiésemos movido en el entorno de dos pasos arriba/abajo.

Como siempre esperamos que haya quedado suficientemente claro qué es la Ley de la Reciprocidad y cómo se aplica en las fotografías, pero si no es así, no dudéis en hacérnosolo saber a través de los comentarios.

Retomamos en Xataka Foto el curso de iniciación para hacer fotografía con flash. En la primera parte vimos el material que teníamos que comprar. En esta ocasión vamos a ver la importancia de separar el flash de la cámara y cómo influye la distancia del flash al sujeto.

Muchos fotógrafos que empiezan no utilizan el flash porque no les gusta lo que consiguen. Lo colocan encima de la cámara y lo que ven no les gusta. Lo primero que tenemos que saber es que es básico separar el flash de la cámara. No queda más remedio si queremos obtener buenos resultados.

Así controlaremos el primer punto básico de la iluminación con flash: la distancia respecto al objeto. La cámara, con el flash separado, puede moverse donde quiera. Y ahí empezamos a crear con la luz artificial.

Separar el flash de la cámara

Esta es la clave y con lo que todo toma sentido. Hay muchas formas de hacerlo. Por apenas unos euros o por una cantidad desorbitada si somos meros aficionados. La cuestión es elegir el sistema que mejor se adapte a nuestras necesidades.

• La más sencilla es con un cable de sincronización que algunos llaman PC sync. Nadie se acuerda ya de los viejos tiempos en los que no teníamos más remedio que disparar así. Era un engorro, pero no fallábamos ni un tiro. El problema es que ahora la mayoría de las cámaras y los flashes se han olvidado de la conexión. Pero siempre podemos comprar un adaptador. Es incómodo y nos limita la distancia a la que podemos disparar pero es lo más barato que podemos encontrar.

La pesadilla del flash frontal

• La segunda opción es más versátil. Y también más cara que el cable. Se trata de los triggers, o el emisor y el receptor. Son dos pequeños dispositivos; el emisor se conecta a la zapata de la cámara y el receptor al flash. Los trigger más económicos son aquellos que solo sirven para trabajar en Manual. Y los más caros permiten disparar en TTL y a una distancia de 500 m. ¿Pero qué es lo que realmente les diferencia? Simplemente la fiabilidad, los más económicos fallan de vez en cuando y los más caros responden el 100% de los disparos.
• Esta es la tendencia actual. Los flashes llevan incorporado el receptor en su interior y el fotógrafo solo tiene que comprar un emisor compatible para su cámara. Es el caso de Profoto con el Connect o de Godox con el X2T.

Lo más importante es encontrar un sistema que sea compatible con tu equipo. No tiene sentido comprar un emisor TTL si tu flash es solo Manual, por ejemplo.

La distancia del flash al sujeto

Aquí tenemos una de las claves más importantes de la iluminación con flash. Si lo entendemos e interiorizamos tendremos la mitad de la fotografía con flash resuelta. Se insiste muy poco en el tema pero os aseguramos que es uno de los fallos más comunes entre los fotógrafos que empiezan.

Quiero insistir en que estamos en un curso de iniciación de fotografía con flash. Esto quiere decir que no vamos a entrar en matices. Queremos que aquellos que tengáis miedo a empezar lo perdáis y empecéis a ver resultados en vuestros archivos.Flash cerca del sujeto

Todo viene de una de las grandes pesadillas de los fotógrafos que íbamos a la escuela en los tiempos químicos y no podíamos ni pensar en hacer unos cuántos disparos para ver qué pasaba realmente. Cada flashazo costaba mucho dinero y no podíamos recordar cuál era cuál cuando los revelábamos.Flash a media distancia

Me refiero a la ley inversa del cuadrado. Es un concepto físico que explica que al doblarse la distancia de la luz al objeto, la intensidad se reduce a su cuadrado. Pero su amplitud se amplia al cuadrado. El resultado es que ilumina cuatro veces más pero llega con menor intensidad.Flash lejos del sujeto

Todos nos quedábamos a cuadros, como decíamos antes. La forma más sencilla de entenderlo es comprender que cuando acercamos el flash al sujeto estará bien iluminado, pero el fondo se irá a negro. Y si queremos iluminar el fondo también, hacerlo blanco, simplemente alejamos el flash del sujeto.

Lo único que tendremos que cambiar es la potencia del flash. Cuanto más lejos más potente, solo para que llegue con la misma intensidad al muñeco, como podemos ver en los ejemplos que ilustran el artículo.

He visto muchas veces cómo los alumnos ( y cualquiera de nosotros cuando empezamos), si les pides el fondo luminoso con un solo flash, lo acercan al fondo, o suben el ISO o empiezan a jugar con el diafragma o la velocidad de obturación. Seguro que a partir de ahora vosotros no tendréis este error.

Ya se encuentra a vuestra disposición la última edición de la Posición T  DICIEMBRE  2018.

Ya se encuentra a vuestra disposición la última edición de la Posición T  OCTUBRE 2018.

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                                                                                   PosT_jul2018