A partir del juevess 17 podréis disfrutar de la  exposición «MASCARADAS, DOS MIRADAS» por MIGUEL ÁNGEL CRUZ SÁNCHEZ (socio de la AFV) y ANDRÉS NÍGUEZ CARBONELL en el Centro Cívico Zona Este.

No os la perdais…

‘Peter Lindbergh: Untold Stories’ es una retrospectiva sobre el trabajo del fotógrafo polaco Peter Lindbergh con imágenes que él mismo eligió y comisarió antes de su fallecimiento. Fotografías en blanco y negro de iconos de la moda como Naomi Campbell, Kate Moss o Linda Evangelista que mostraban su lado humano e imperfecto y que cambiaron la forma de retratar el glamour.

‘Peter Lindbergh: Untold Stories’ es el título de la exposición retrospectiva que el propio Peter Lindbergh comisarió poco antes de su prematuro fallecimiento en 2019 y que todavía se puede visitar en el puesto de A Coruña, con entrada gratuita, hasta el 28 de febrero.

Lindbergh dedicó dos años a seleccionar estas 161 imágenes que componen un recorrido por las cuatro décadas de su carrera, durante las que inmortalizó a algunas de las mujeres más famosas del mundo de la moda, el cine y más allá, desde Nicole Kidman y Charlotte Rampling a Uma Thurman, pasando por muchas de las supermodelos que marcaron la década de 1990, como Linda Evangelista, Naomi Campbell o Kate Moss. 

Sin duda, un artista que ha dejado una huella imborrable tanto en la moda como en la fotografía. Las imágenes tomadas entre principios de los 80 y 2019, la exposición nos permite aproximarnos a la obra del legendario fotógrafo desde perspectivas nuevas e insólitas.

La muestra se presenta en colaboración con la Lindbergh Foundation, que dirige Benjamin Lindbergh, hijo del fotógrafo. Como complemento a la exposición la editorial Tachen ha publicado dos libros con fotografías del autor, ‘Raw Beauty’ y ‘Untold Stories’.

‘Peter Lindbergh: Untold Stories’, La exposición

La exposición reúne más de 160 fotografías cuidadosamente seleccionadas por el propio Lindbergh y organizadas en tres capítulos. Dos instalaciones a gran escala cierran la parte introductoria y ofrecen una perspectiva nueva y sorprendente sobre la obra de Lindbergh.

‘Manifest’, la monumental instalación de apertura, que incluye varias impresiones en papel blueback a gran escala, ha sido especialmente diseñada para la muestra y presenta, a través una experiencia inmersiva y sugerente, el modo en que Lindbergh entendía la fotografía de moda.

Se expone en una sala completamente negra e incluye las 24 imágenes que solían aparecer siempre que el artista tenía que hacer una selección de obras, aquellas que en su opinión mejor representaban el papel de la fotografía de moda en la cultura visual global.

Para la sección central de la exposición, en una sala blanca que contrasta con la primera instalación, Lindbergh escogió las obras que consideraba clave en su trayectoria. Experimentó con su propio material y sacó a la luz nuevas historias sin dejar de ser fiel a su lenguaje.

Tanto las obras emblemáticas como otras que nunca han sido expuestas se muestran por parejas o en grupos dando lugar interpretaciones inesperadas y sorprendentes. Aquí se encuentran algunas de sus series más icónicas, como la de Naomi Campbell retratada en Ibiza en el año 2000 o la de Milla Jovovich posando con una estética inspirada en el cabaret.

En esta sala, las fotografías de encargo, las personales y las editoriales se exponen como un todo, sin jerarquías, tal y como Peter Lindbergh las concebía. Sus recursos formales y obsesiones recurrentes surgen aquí con claridad: la atención prestada al cuerpo, las artes escénicas y las definiciones de belleza son algunos de ellos.

La exposición se cierra con la instalación cinematográfica ‘Testament’ (2013), que revela una faceta desconocida hasta la fecha de la práctica y el carácter del fotógrafo alemán. La película, rodada a través de un espejo unidireccional, muestra el intercambio silencioso entre la cámara de Lindbergh y Elmer Carroll.

El condenado a muerte de Florida pasó 30 minutos mirando atentamente su reflejo, pensativo, introspectivo y sin ninguna expresión facial significativa. Mostrada por primera vez, la instalación ‘Testament’ añade un elemento inesperado a la exposición y abre el debate sobre temas de vital importancia para Peter Lindbergh: la introspección, la empatía y la libertad.

Peter Lindbergh, el autor

Peter Lindbergh (1944-2019) es considerado uno de los fotógrafos más influyentes del panorama contemporáneo. Nació en Lissa (en la Polonia ocupada) en 1944 y pasó su infancia en Duisburg (Renania del Norte-Westfalia). Trabajó como escaparatista para unos grandes almacenes locales hasta que a principios de los 60 se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Berlín. El propio artista recordaba así aquellos años: «Prefería dedicarme a buscar las fuentes de inspiración de Van Gogh, mi ídolo, en lugar de pintar los retratos y paisajes obligatorios que se enseñaban en las escuelas de arte…».

Inspirado por la obra de Van Gogh, pasó casi un año en Arlés para luego embarcarse en un viaje en autoestop por España y el Norte de África. Más tarde, estudió pintura libre en la Escuela de Artes de Krefeld. Joseph Kosuth y el movimiento conceptual fueron grandes influencias para él, que antes incluso de graduarse ya fue invitado a presentar su obra en la célebre y vanguardista Galerie Denise René – Hans Mayer en 1969.

Tras mudarse a Düsseldorf en 1971, empezó a prestarle más atención a la fotografía y trabajó durante dos años como asistente del fotógrafo Hans Lux, antes de abrir su propio estudio en 1973. Lindbergh empezaba a ser bastante conocido en su país cuando se unió a la familia de la revista Stern, junto con leyendas de la fotografía como Helmut Newton, Guy Bourdin y Hans Feurer, y en 1978 se instaló en París para seguir con su carrera.

Considerado un pionero de la fotografía, introdujo una forma de nuevo realismo mediante la redefinición de los estándares de belleza con imágenes atemporales. Su enfoque humanista y su idealización de la mujer lo distinguen de otros fotógrafos, ya que siempre privilegió el alma y la personalidad en su obra.

Lindbergh creía que había algo en cada persona que la hacía interesante, más allá de su edad, y por ello revolucionó los estándares de la fotografía de moda en épocas en las que se abusaba del retoque. En sus propias palabras: «Los fotógrafos de hoy en día tienen la responsabilidad de liberar a la mujer, y en definitiva a cualquier persona, del terror de la juventud y la perfección».

Fue el primer fotógrafo que incluyó una narrativa en sus series de moda, que a su vez abrió la puerta a una nueva visión del arte y la fotografía de moda. Con el paso de los años, Lindbergh ha ido creando imágenes con una perspectiva minimalista de la fotografía posmoderna que han marcado la historia de la fotografía de moda.

En 1988, Lindbergh se ganó el reconocimiento internacional por mostrar a una nueva generación de modelos vestidas con camisas blancas. Las había descubierto recientemente y sería el encargado de lanzar sus carreras.

Un año más tarde, las jóvenes promesas de la moda Linda Evangelista, Naomi Campbell, Cindy Crawford, Christy Turlington y Tatjana Patitz, posaron para él en la que sería la legendaria portada de Vogue Reino Unido de enero de 1990.

La estrella del pop George Michael, origen del movimiento de las «supermodelos» que luego continuaría Gianni Versace, se inspiró en las fotografías de Lindbergh para Vogue para crear el icónico videoclip de su canción ‘Freedom 90’, que marcó el inicio de una era de modelos celebrities que supuso la redefinición de la imagen de la mujer moderna.

Famosa por sus series narrativas de moda, la obra de Lindbergh destaca fundamentalmente por sus retratos sencillos y reveladores, sus naturalezas muertas y sus fuertes influencias del primer cine expresionista alemán y del entorno industrial de su infancia, la danza y los cabarets, además de los paisajes y el espacio exterior.

Desde finales de los 70, Lindbergh trabajó con las marcas y revistas de moda más prestigiosas, entre las que se incluyen ediciones internacionales de Vogue, The New Yorker, Rolling Stone, Vanity Fair, Harper’s Bazar USA, Wall Street Journal Magazine, The Face, Visionaire, Interview y W.

Su obra forma parte de las colecciones permanentes de un gran número de museos de arte de todo el mundo y también se ha expuesto en los más prestigiosos museos y galerías: el Victoria & Albert Museum (Londres), el Centro Pompidou (París) y la exposición ‘A Different Vision on Fashion Photography’ en el Rem Koolhaas’ Kunsthal en Rotterdam (septiembre de 2016), así como exposiciones individuales en el Hamburger Bahnhof (Berlín), el Bunkamura Museum of Art (Tokio) y el Museo Pushkin (Moscú).

Lindbergh también dirigió películas y documentales aclamados por la crítica: ‘Models, The Film’ (1991); ‘Inner Voices’ (1999), que ganó el premio al Mejor Documental en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) en 2000; ‘Pina Bausch, Der Fensterputzer’ (2001) y ‘Everywhere at Once’ (2007), que contó con la narración de Jeanne Moreau y se presentó en los festivales de Cannes y Tribeca.

Peter Lindbergh falleció el 3 de septiembre de 2019. Dejó esposa, Petra Sedlaczek, y cuatro hijos.

Esta información ha sido realizada gracias al extenso dosier de prensa facilitado por la organización de la exposición.

‘Alternative Processes: Other Ways of Seeing‘ es una exposición que se puede visitar actualmente en Nueva York y que muestra la vigencia que tienen las antiguas técnicas fotográficas para expresar la diversidad del mundo actual y las maneras en las que este puede ser visto. Una crónica Andrés Senra.

Estos días en Culture Lab LIC en Long Island City, uno de los barrios más creativos de la ciudad de Nueva York en el que varias generaciones de artistas decidieron crear sus estudios, vivir y organizarse para mostrar su trabajo, se presenta hasta el 6 de febrero la exposición ‘Alternative Processes: Other Ways of Seeing’ (Procesos alternativos: otras maneras de mirar), comisariada por Orestes González y Pierre-Yves Linot, en la que se propone una mirada a la multitud de procesos técnicos que permiten crear ese objeto entre la química, la imagen, la pintura y el dibujo con luz que es la fotografía.

Mediante una convocatoria internacional, en la que participaron más de 200 artistas, se recibieron obras en las que se experimenta con procesos tan diversos como el ferrotipo, el cianotipo, los quimigramas y bromóleos, el collage o las impresiones a la sal, uno de los primeros procesos fotográficos de la historia de la fotografía. Es decir, todos, o la mayoría, menos la fotografía analógica y digital, la habitual en cualquier exposición de fotografía.

Esta muestra es una excelente oportunidad para conocer las posibilidades de la fotografía como laboratorio experimental en el que las técnicas tradicionales y las más contemporáneas de procesar una imagen y materializarla en un soporte físico nos permite recrearnos en unas estéticas que aparentemente resultan minoritarias o que ha pasado a la historia por su desuso, pero que siguen estando muy vivas.

En palabras de los comisarios: “Con esta exposición, nuestra meta no solo era crear una colección variada e impactante visualmente, sino también educar al público en todos los métodos de reproducción fotográfica disponibles en el mercado actual. Así podemos inspirar a artistas que quizás no conocen estos procesos y a la vez promover estos métodos (algunos antiguos y otros más recientes ), los cuales tienen el peligro de perderse si no se practican o promueven”.

Pero no solo la técnica empleada ha sido determinante para participar en esta muestra. De esos 200 artistas, 70 fueron elegidos tanto por el peso conceptual como por el riesgo formal de sus trabajos.

Entre el extenso repertorio de piezas seleccionadas, Ivana Larrosa presenta ‘My body‘, un quimigrama en el que combina fluidos corporales, el sudor, la sangre, la saliva y las lágrimas con cinta y pegamento para fijar las emociones en material fotosensible, creando composiciones abstractas cargadas de dolor, rabia y deseo que queda impreso en papel.

Rosee Camafreita sitúa una caja de luz en el suelo en la oscuridad y explora las posibilidades formales del color manipulando plásticos y objetos reflectantes con la mano izquierda, de tal manera que cuando consigue la combinación de color y trazos de luz que le interesan, toma la fotografía con la mano derecha, obteniendo como resultado unas bellas imágenes pictóricas abstractas.

Mary Evangeline Guadalupe Rubi usa el cianotipo para imprimir imágenes en tela que posteriormente tiñe con taninos, dándoles una coloración azul construyendo un storyboard en colchas que remiten a la tradición conmemorativa de recordatorio personal y de denuncia del quilt activista americano.

Su obra propone una reflexión sobre la idea de hogar, vindicando a su vez el uso de la costura como tradición artesanal y artística de género. Cada pieza cosida en la colcha habla de su viaje personal en busca de una reconciliación con su identidad euro-indígena.

Maite Mérida trabaja con el cianotipo para denunciar las políticas y violencias sexistas contra las cuerpas disidentes y las mujeres. Los gestos, los afectos y el activismo feminista que ha sido impreso en octavillas y carteles de denuncia se presentan como objetos materiales que recogen la huella de las luchas sociales silenciadas en Valparaiso, Chile, durante 2019. Las imágenes tratadas por Mérida son testimonio de esas luchas que permanecerán así en el tiempo y la memoria.

Connie Stewart en ‘Fuel to Fire‘, 2021, realiza obras en las que la costura sobre la imagen remite a la cicatrización de las heridas de su pasado, el hilo une lo cortado dejando una cicatriz que es la huella sanada del trauma.

Jackie Neale propone un cianotipo sobre una bandera americana invertida para hablar de los procesos de inmigración y asimilación en Estados Unidos. La obra es parte de un work in progress en el que las banderas invertidas incorporan símbolos de patriotismo para señalar su relación con la violencia.

Jennifer Liseo se inspira en una fotografía en blanco y negro de Betty, la abuela de su esposa, en los años 40. En ese momento, la imagen suponía un cuestionamiento y desafío a las expectativas sociales de género y de los roles asignados tradicionalmente a las mujeres, percibiéndose como un ejercicio de empoderamiento.

Desde la mirada actual, Liseo se pregunta por cómo podemos leer esa imagen tras el debate político y social que en los últimos años se ha producido en la sociedad norteamericana con respecto al derecho al uso de armas. La imagen es así un lugar en el que confluye la vindicación feminista, el empoderamiento y la rabia, sin olvidar a su vez la violencia y el drama ocasionado por las armas en Estados Unidos

Pierre-Yves Linot lleva tiempo desarrollando el proyecto ‘4stones’, una obra en la que usa papel para acuarela como soporte de sus cianotipos. Su proceso de trabajo se abre a la participación de las personas que encuentra en sus viajes por el mundo a las que les propone que coloquen cuatro piedras con el objeto de crear una imagen que reflexiona sobre la idea de libertad y la necesidad de abolir las fronteras.

La disposición de las piedras de la pieza que presenta en esta exposición fue realizada por Aziz, un pescador de Esauira, Marruecos.

Keliy Anderson-Staley, una de las artistas de la técnica de ferrotipo más reconocida en Estados Unidos cuyos retratos cuelgan en la terminal Delta en el Aeropuerto Internaciontal de Houston, presenta en ‘Alternative Processes‘ una serie de retratos realizados en esta técnica tan artesanal que requiere sentarse un buen rato frente a la fotógrafa mientras ella realiza su alquimia y te fotografía con su cámara de madera clásica y lentes de latón. Las antípodas de la fotografía digital actual. Cada retrato, como el que encabeza este artículo, se realiza con una placa de colodión húmedo hecho a mano.

En definitiva, la exposición en su conjunto nos abre a esas prácticas de la fotografía experimental y sus materialidades que aparentemente habían quedado en desuso con el empuje de las nuevas técnicas, la posfotografía y la imagen digital, haciendo hincapié en el papel de fotógrafo-artista como alquímico de la luz y desplegando un repertorio de imágenes evocadoras, retratos intimistas, experimentos con el cuerpo y vindicaciones políticas.

• ‘Alternative Processes: Other Ways of Seeing’ de varios artistas
• Fecha: del 6 de enero al 6 de febrero
• Localización: Culture Lab LIC en The Plaxall Gallery. 5-25 46th Ave, Queens, Nueva York.
• Horario: jueves y viernes, de 17 a 21 h. Sábado, de 14 a 21 h. Domingos, de 14 a 20 h-.
• Entrada: gratuita.

Inaugurada en Madrid la exposición ‘Stanley Kubrick. The Exhibition’ en la que podemos conocer a fondo la figura del genial director y además descubrir la faceta fotográfica de uno de los mejores directores de cine de la historia. Era consciente de que la imagen era fundamental para acercarse al espectador.

Por fin ha llegado a Madrid una de las exposiciones más esperadas de la temporada: ‘Stanley Kubrick. The Exhibition’. ‘2001. Una odisea en el espacio’, ‘El resplandor’, ‘La naranja mecánica’, ‘Barry Lyndon’… en todas sus películas la fotografía es impresionante. Y aunque esta exposición que ya ha recorrido medio mundo cuentan y enseñan todo lo relacionado con uno de los vecinos ilustres del Bronx, la fotografía es claramente uno de sus pilares.

“2001: Una odisea del espacio”, dirigida por Stanley Kubrick (1965–68; GB/US). Stanley Kubrick en el set durante la filmación. © Warner Bros. Entertainment Inc

Hay más de 600 objetos que harán las delicias de todos los que amamos el cine con mayúsculas. Esta exposición muestra el riguroso trabajo de documentación que seguía Stanley Kubrick antes de empezar a rodar una película. Y nos enseña que la mirada de un fotógrafo es esencial para llegar a ser un gran director de cine.

La vida de Stanley Kubrick

Toda su vida, todas sus experiencias, están volcadas en sus películas. Desde las que hizo con el respaldo de los estudios hasta sus últimos filmes más personales. Ahí están el orden mental que le dio el ajedrez y la forma de mirar de su afición a la fotografía, que fue su primer trabajo.

En la exposición podemos ver sus primeros trabajos en la prestigiosa revista Look, en la que empieza a colaborar con 17 años. Estará en plantilla hasta 1951. Así que durante más de cuatro años curte su mirada hasta límites insospechados. Tenemos a un gran cineasta, pero perdimos a un gran fotógrafo.

Su vida profesional derivó al mundo del documental dedicado al mundo del boxeo. Y el ascenso fue imparable. Es la época de su cine negro que culmina con ‘Atraco perfecto’ (1956). Pronto le llega la gran oportunidad con ‘Senderos de gloria’ (1957) una película de marcado carácter antibelicista que le llevará a ‘Espartaco’ (1960).

Fotografia de Viktor Kolev

‘Kubrick creó algo más que películas. Nos dio experiencias ambientales completas que se volvían más intensas cuanto más las veías’. Steven Spielberg

Y pronto llegará su independencia de los grandes estudios y la posibilidad de rodar manteniendo todo el control. Una libertad de la que pudo disfrutar hasta que murió en 1999, 6 días después de presentar a su productora ‘Eyes wide shut’ (1999).

La fotografía en las películas de Stanley Kubrick

Y en todas sus películas, aunque contaba con grandes directores de fotografía, él siempre controlaba hasta el último rayo de luz. Emociona ver, en uno de los múltiples vídeos que nos acompañan durante la exposición, cómo decide la exposición perfecta en una de las escenas de ‘La chaqueta metálica’.

Nosotros los fotógrafos debemos estar pendientes en todas las salas. Desde el vídeo que nos abre los ojos hasta el final, donde incluso podemos imaginarnos en medio de la orgía de su última película.

Pero al principio, nada más entrar, encontramos muchos de los objetivos que utilizó en sus películas. Y como un tesoro escondido, vemos el Zeiss que adaptó para rodar las escenas a la luz de las velas y la luna con la ayuda de John Alcott. Y su cámara Speed Graphic, y su cámara de mano favorita…

Miremos donde miremos veremos fotografía. En la primera sala encontramos una selección de sus fotografías de ‘Look’; o si vamos al espacio de ‘¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú’ (1964) veremos el trabajo de Weegee. Era uno de los mejores fotógrafos de prensa, al que Kubrick admiraba tanto que terminó contratando para la foto fija de la película.

Si pasamos por ‘Barry Lyndon’ (1975) nos sumergiremos en la luz de las velas y en uno de los trabajos más grandiosos de la dirección de fotografía de la historia del cine… Para rodarla se preguntó cómo sería la luz del siglo XVIII… Y no se parecía a nada de lo que habíamos visto hasta entonces…

Fotografía de Viktor Kolev

Si subimos a la siguiente sala, entraremos en los mundos de sus últimas películas. Y en ‘El resplandor’ (1980) veremos los trajes de las niñas gemelas inspiradas en una de las fotografías de su amiga Diane Arbus; o la foto final del hotel Overlook, uno de los fotomontajes más intrigantes de la historia.

La pasión desmedida de la comisaria de la exposición, Isabel Sánchez, más el trabajo de los arquitectos y todo el personal que han ayudado a montarla, nos trasladan al universo de un director que sabía mejor que nadie que saber mirar es una de las mejores formas de contar historias.

• STANLEY KUBRICK. The Exhibition. Hasta el 8 de mayo de 2022.
• Círculo de Bellas Artes C. de Alcalá, 42 28014 Madrid
• Horarios: De martes a domingo de 10:00 a 21:00h. Lunes cerrado excepto festivos.
• Precios: Entrada general (+13 años): 14?. Entrada Niño (4 a 12 años): 6?. Entrada Niño (0 a 3 años): gratuita

Nuestro socio Juan Jimeno Morales expone una muestra de su trabajo «Instantes del Mundo» en la Casa del Parque ( Cervera de Pisuerga. Palencia).

Nuestra más sincera enhorabuena.

Fecha de inicio: 16/09/2021 – 12:00

Fecha de fin: 07/11/2021 – 21:00

Lugar Celebración: Casa de la India. C/Puente Colgante, 13. 47007 Valladolid.

La exposición “The Beatles And India” detalla la relación de los Beatles con la cultura y filosofía de la India y, en particular, el histórico viaje que hicieron The Beatles a la India en 1968 y la influencia que causó la India en su música, un viaje no solo físico sino también espiritual, que marcará un antes y un después en el cuarteto de Liverpool. La exposición se estructura a lo largo de tres partes: la primera, el eje principal, se centra en el viaje que la banda realizó a un ashram en Rishikesh para introducirse en la meditación trascendental a través del famoso gurú Maharishi Mahesh Yogi. En esta sección se muestran imágenes, documentación y una instalación inmersiva. La segunda parte se centra en la figura de George Harrison y su relación con el sitarista Ravi Shankar, figura clave para comprender el interés del Beatle con la cultura india, una fascinación que contagió al resto de los Fab Four (“los cuatro fabulosos”). Dentro de este apartado se ofrece también una introducción a la música india y se muestran algunos de sus principales instrumentos. Finalmente, en la última parte se dedica un pequeño apartado a un hito en el diálogo que se produjo en los setenta entre la música india y la occidental: el Concierto por Bangladesh, que tuvo lugar en la ciudad de Nueva York en 1971 y que fue promovido por Harrison y Shankar como primer concierto benéfico de la historia musical internacional.

La exposición “The Beatles And India” incluye material cedido por diferentes entidades, coleccionistas y prestamistas privados procedente de numerosos países, inclusive personalidades como Pattie Boyd, la primera esposa de George Harrison. Contiene fotografías originales y reproducciones; manuscritos y cartas originales; el disco de oro a George Harrison por The Concert for Bangladesh; audiovisuales; letras de canciones compuestas en la India; un sitar original de Ravi Shankar; e instrumentos de la India; entre otros materiales.

La muestra, que acoge la Casa de la India y ha sido producida por esta entidad, cuenta con el apoyo de la concejalía de Cultura y Turismo y Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid y la Sociedad Mixta para la promoción del Turismo de Valladolid, en colaboración con la Embajada de la India, el ICCR (Consejo Indio de Relaciones Culturales), la Universidad de Valladolid, Ravi Shankar Foundation, Silva Screen Records, además de otras entidades, y se organiza en el marco de la SEMINCI (Semana Internacional de Cine de Valladolid).

La exposición está comisariada por Blanca de la Torre, con una larga trayectoria como comisaria de arte y especializada en proyectos interculturales e internacionales, con experiencia y conocimiento de la cultura de la India.  

Fechas: Del 16 de septiembre al 7 de noviembre. De martes a domingo, de 12 a 14 h y de 18 a 21 h.

CRÉDITOS DE LA EXPOSICIÓN

PRODUCE

Casa de la India

CON EL APOYO DE

Ayuntamiento de Valladolid

Fundación Municipal de Cultura

Sociedad Mixta para la Promoción del Turismo de Valladolid

SEMINCI (Semana Internacional de Cine de Valladolid)

COLABORA

Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa

Embajada de la India

Consejo Indio de Relaciones Culturales (ICCR)

Universidad de Valladolid

Ravi Shankar Foundation

Silva Screen Records

COMISARIA

Blanca de la Torre

COORDINACIÓN

Shamina Rasiwala

DISEÑO

Fernando Muñoz / Smart&Green Design; Inés Vila

MONTAJE

Grupo Hache

EDICIÓN DE AUDIOVISUALES

Alán Carrasco

Álvaro Mascarell

PRESTAMISTAS

Associate Press Photo / Gtresonline; Avico Ltd; Casa de la India; Clive Arrowsmith / Luminata; Getty Images; Hard Rock International; Javier Angulo; Pattie Boyd; Piet Schreuders; Ram Panjabi/Nicholas Nugent; Ravi Shankar Foundation, Delhi; Ravi Shankar Foundation, East Meets West Music; Rikhi Ram; Shamina Rasiwala; Silva Screen Records; Archivo General del Consejo de Mallorca.

ASESORAMIENTO MÚSICA INDIA

Enrique Cámara de Landa

AGRADECIMIENTOS

Ajoy Bose, Cat Celebrezze, Cristina Carrillo de Albornoz, Jeeva Maria Joy, Oliver Craske, Pattie Boyd, Pete Compton, Reynold D’Silva, Shukti Karmakar, Sukanya Shankar, Ignacio Marín, Eduardo Pedruelo (Archivo Municipal de Valladolid), Ángeles Moreno (Archivo de la Universidad de Valladolid), Alejandro Antoraz, Asociación de Escultores de Valladolid, María Martínez, Francisco Cotallo y Daniel Sancha.

Chema Madoz ha abierto la temporada fotográfica del Círculo de Bellas Artes de Madrid con su exposición ‘Crueldad’, una nueva revisión de su trabajo alejado de la poética a la que nos tenía acostumbrado. Es la misma obra, pero desde una perspectiva distinta que parece volverle más interesante.

Dentro de la fotografía española actual, Chema Madoz es uno de los pesos pesados. Además su estilo es totalmente reconocible e imposible de imitar. Fue capaz de encontrar una forma de mirar única e inimitable.

Es verdad que bebe de varias fuentes que hay que buscar, desde el surrealismo hasta Ramón Gómez de la Serna, pero ha formado un universo del que nunca ha salido. Si te gusta, sígueme; si no, no hay problema alguno. Es lo que parece decir con sus fotografías que vemos una y otra vez.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Ya no hay nada nuevo en su trabajo. A muchos ya no nos sorprende, pero seguimos mirando con la boca abierta las greguerías visuales que nos propone, aunque ya formen parte del paisaje cotidiano.

Por este motivo puede resultar muy interesante la nueva exposición del Círculo de Bellas Artes de Madrid, en la que los comisarios Juan Barja y Patxi Lanceros han sido capaces de ofrecer una nueva lectura de los disparos que ya no tienen la atención del primer encuentro.

UN VISTAZO A…

La crueldad de Chema Madoz

El reto parecía difícil. Chema Madoz siempre ha estado relacionado con la poesía visual, con la insinuación y las cosas sin sentido aparente. Para él un objeto siempre tenía otra respuesta, otra utilidad distinta a la que conocemos. Un poema visual.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Pero esta vez han logrado hacer desaparecer ese aire inocente, cándido y directo de sus fotografías y lo han llevado al lado opuesto. A un punto oscuro del que el propio autor era consciente, pero que no veía que nadie se atreviera a insinuar.

Es verdad que han tenido que recurrir, a veces, a las palabras propias de autores conceptualistas que no tienen nada que decir con la fotografía:

La fijeza ejemplar de lo que vemos en cada una de esas pro-yecciones, construcciones, montajes objetivos –el agudo rigor de sus matices, de las sombras y luces de los cuerpos que ahí se hacen presentes, que se muestran ya ‘de cuerpo presente’ a la mirada– induce reacciones en cadena: la creación como cre-acción, en la cual se empareja lo distinto y se disuelve, en cambio, lo que era unitario y común –lo parecía…–. O lo mismo leído de otro modo: la sucesión de sus analogías –la semejanza en lo desemejante– hace explotar el núcleo de la imagen que se articula en / por las diferencias que re-velan / des-velan lo que era, aun oculto, concreto, perceptible.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Han conseguido que miremos sus fotografías desde el otro lado. Y este nuevo prisma enriquece, y mucho, la obra de Chema Madoz. Ya no es el fotógrafo sonriente y educado al que estamos acostumbrados a ver. Tiene un lado oscuro maravilloso y tentador. Su inocencia es ironía y sus poemas son golpes en el estómago.Ya no es el fotógrafo sonriente y educado al que estamos acostumbrados a ver. Tiene un lado oscuro maravilloso y tentador. Su inocencia es ironía y sus poemas son golpes en el estómago.

En total son setenta y tres fotografías en la exposición y ciento dos en el catálogo que será un éxito de ventas. Con muy pocas imágenes inéditas. Blancos y negros perfectos, impolutos, realizados con luz natural de su estudio que no parece de fotógrafo, sino de escultor.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Y han añadido, para ‘abrir posibilidades de sentidos a partir de cada obra’, textos de autores famosos a cada una de las fotografías a través de un código QR. Aquel que no sepa sacar la información se lo perderá. Y es una buena idea, pero creo que complica enormemente un trabajo tan abierto a las interpretaciones como el de Chema Madoz.

Sus fotografías no necesitan explicación, solo una interpretación personal. Meter a autores tan diversos como Dante, Cesar Vallejo, Federico García Lorca, Samuel Beckett, G. W. F. Hegel, solo intelectualiza unas imágenes que eran de todos y que lo único que necesitan es que las miremos.

Hay que ir a ver la exposición. Si queremos podemos evitar los textos contaminantes, así podremos ver todas las fotografías sin límites (buena idea al fin y al cabo el código QR) pero siempre bajo el nuevo prisma de la crueldad. Y os aseguro que se disfrutan de nuevo. Ya nos contaréis…

• Chema Madoz ‘Crueldad’
• Sala Picasso Círculo de Bellas Artes de Madrid
• 16.09.2021 > 21.11.2021
• Entrada general 5€

ÓSCAR CONDÉS@hoskarxataka

En los últimos nueve años he viajado por todo el mundo para capturar monumentos por la noche. Principalmente en países de la ex Yugoslavia, la ex Unión Soviética y Europa del Este. Muchos de ellos hoy en día han sido abandonados y descuidados… Así comienza Xiao Yang su descripción sobre ‘Eternal Monuments In The Dark’, un curioso proyecto que muestra lugares abandonados que cobran un nuevo aspecto en sus fotos gracias, sobre todo, al light painting.

«Mi viaje comenzó en 2012 cuando visité el monumento comunista Buzludzha en Bulgaria. Desde entonces he explorado más de 40 países del mundo, centrándome en fotografiar lugares abandonados, monumentos, arquitectura brutalista y modernista soviética […] Quiero capturar y recrear su eterna belleza. Crear surrealismo a partir de la realidad es un juego fascinante que siempre me motiva a seguir explorando«.

Čačak (Чачак) Nombre: Mausoleo de lucha y victoria Ubicación: Čačak, Serbia Año de finalización: 1980 Diseñador: Bogdan

El monumento que menciona Xiao es el que habéis visto en la foto de portada, y que parece un platillo volante de hormigón armado que ha aterrizado en lo alto de una montaña. Un claro ejemplo de arquitectura soviética que ahora se encuentra abandonado a su suerte, como muchos otros lugares que aparecen en las fotos, y que fueron capturados en Croacia, Serbia, Bosnia y Herzegovina, Macedonia, Montenegro, Bulgaria, Rumania, Armenia, Letonia, Lituania, Albania, Ucrania y Alemania.

Kruševo (Крушево) Nombre: Ilinden Memorial (Споменик „Илинден“) o ‘Makedonium’ (Македониум) Ubicación: Gumenja Hill en Kruševo, Macedonia Año de finalización: 1974 Diseñador s: Jordan Grabul, Iskra Grabul

«Me fascina el entorno creado por el hombre —continúa Xiao— Hay algunos temas que me interesan especialmente, como los lugares abandonados, la arquitectura brutalista, los monumentos de hormigón masivo, las torres, búnkeres, túneles subterráneos y ese tipo de estructuras urbanas. Son lugares que están vacíos y misteriosamente silenciosos por la noche y en la oscuridad […] Aunque en realidad hablan por sí mismos, esperando que descubramos y escuchemos sus historias«.

Tjentište (Тјентиште) Nombre: Complejo de monumentos conmemorativos de la batalla de Sutjeska en el Valle de los Héroes Ubicación: Tjentište, República de Srpska, Bosnia y Herzegovina Año de construcción: 1971 Diseñadores : Miodrag Živković, Ranko Radović

La fotógrafa, que se describe a sí misma como una exploradora urbana, viajera, diseñadora y fotógrafa de arquitectura y light painting, confiesa que nunca conoció esos lugares cuando estaban habitados, ni tampoco sabe cuál será su futuro, «así que lo único que puedo hacer es apreciar el momento en que los visito y ser testigo del estado actual de su círculo vital. Documentar esos lugares sin más no es mi pretensión. Controlando la luz y el tiempo a través de la fotografía de pintura con luz, quiero recrearlos y construir una conexión entre nosotros. En mis fotos se transforman y generan escenas únicas que me pertenecen sólo a mí«.

Buzludzha (Бузлуджа) Nombre: Buzludzha Ubicación: Stara Zagora Province, Bulgaria Año de construcción: 1971-1981 Diseñador : Georgi Vladimirov Stoilov

El proyecto, como podéis ver, es una mezcla de fotografía de lugares abandonados (conocida como Urbex) con la técnica de la pintura de luz. Y el resultado unas llamativas imágenes conseguidas a base de pintar con luz en estos lugares normalmente solitarios, sobre todo porque en su mayoría son escenas nocturnas.

Oteševo ​​(Отешево) Nombre: Monumento a la Conferencia del Partido de Prespa (Споменик за Преспанското советување) Ubicación: Oteševo, Macedonia Año de finalización: 1973 Diseñadores: Jordan Grabul, Boro Josifovski

Dependiendo de la toma, la artista mezcla pequeñas luces con las que crea estelas de diferentes tipos, con una iluminación más general que afecta a zonas más amplias que tiñe de color. En muchos casos también se añade un cielo espectacular, con llamativas luces de colores o rastros de estrellas, incluido algún cielo con rastros circumpolares.

Tjentište (Тјентиште) Nombre: Complejo de monumentos conmemorativos de la batalla de Sutjeska en el Valle de los Héroes Ubicación: Tjentište, República de Srpska, Bosnia y Herzegovina Año de construcción: 1971 Diseñadores : Miodrag Živković, Ranko Radović

Además, esa figura humana que aparece en casi todas las fotos sugiere esa conexión entre el edificio abandonado y el hombre que Xiao pretende crear de alguna forma en sus imágenes.

Podgarić Nombre: Monumento a la Revolución del Pueblo de Moslavina (Spomenik Revolucije Naroda Moslavine) Ubicación: Podgarić, Croacia Año de finalización: 1967 Diseñadores : Dušan Džamonja, Vladimir Veličković

Curiosamente os interesará saber que Xiao es originaria de China pero vive en España (concretamente en Mataró) desde 2018. Nosotros sólo podemos alegrarnos de ello, felicitarle por sus fotografías y agradecerle que nos haya dejado compartirlas con todos vosotros.

Nombre: Monumento a las Víctimas del Fascismo (‘Noveno Fuerte y Monumento’) Ubicación: Kaunas, Lithuania Año de finalización: 1984 Diseñador: Alfonsas Vincentas Ambraziūna s

Popina (Попина) Nombre: Popina Monument Park (‘Mausoleo de los insurgentes caídos’; ‘El francotirador’) Ubicación: Štulac, Serbia Año de finalización: 1981 Diseñador : Bogdan Bogdanović

Kosmaj (Космај) Nombre: Monumento a los soldados caídos del destacamento de Kosmaj (Споменик борцима Космајског одреда) Ubicación: Kosmaj Mountain Park, Serbia Año de finalización: 1971 Diseñadores : Vojin Stojić, Gradimir Medaković

Gyumri Nombre: Fuente de hierro Gyumri Ubicación: Gyumri, Armenia Año de finalización: 1982 Diseñador : Artur Tarkhanyan

Landmarke Lausitzer Seenland Nombre: Landmarke Lausitzer Seenland Ubicación: Senftenberg, Germany Año de construcción: 2008 Diseñador: Architektur & Landschaft Stefan Giers

Petrova Gora Nombre: Monumento al levantamiento del pueblo de Kordun y Banija Ubicación: Petrova Gora National Park, Vojnić, Croatia Año de finalización: 1981 Diseñador: Vojin Bakić

Barutana (Барутана) Nombre: Monumento a los caídos de la región de Lješanska Nahija Ubicación: Barutana, Montenegro Año de finalización: 1980 Diseñador: Svetlana Kana Radević

Sisak Nombre: Monumento al Destacamento en el Bosque de Brezovica Ubicación: Novo Selo Palanječko, Croacia Año de finalización: 1981 Diseñador : Želimir Janeš

Corazón de Jesús Nombre: Corazón de Jesús Ubicación: Gordon Hill en el condado de Harghita, Transylvania, Romania Año de finalización: 2011 Diseñador : Walter Zawaczky

Gevgelija (Гевгелија) Nombre: Monumento a la Libertad o ‘La Flor de la Libertad’ (Цветот на слободата) Ubicación: Mrzenski Hill en Gevgelija, Macedonia Año de finalización: 1969 Diseñadores: Jordan Grabul , Blagoj Kolev

Crematorio de Kiev Nombre: Crematorio de Kiev Ubicación: Kyiv, Ucrania Año de finalización: 1982 Diseñador: A. Miletski

Parque Treptower Nombre: Soviet War Memorial (Treptower Park) Ubicación: Berlín, Alemania Año de finalización: 1949 Diseñador: Yakov Belopolsky

Monumento de la estrella Nombre: Monumento a la estrella Qukës-Pishkash Ubicación: Librazhd – Përrenjas, Albania Año de finalización: 1978 Diseñador: Perikli Çuli

Aparan Nombre: Monumento a la batalla de Bash-Aparan Ubicación: Aparan, Armenia Año de finalización: 1979 Diseñador : Rafael Israelyan

Kruševo (Крушево) Nombre: Ilinden Memorial (Споменик „Илинден“) o ‘Makedonium’ (Македониум) Ubicación: Gumenja Hill en Kruševo, Macedonia Año de finalización: 1974 Diseñador s: Jordan Grabul, Iskra Grabul

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Foto de portada | Buzludzha (Бузлуджа) Nombre: Buzludzha; Ubicación: Stara Zagora Province, Bulgaria; Año de construcción: 1971-1981; Diseñador : Georgi Vladimirov Stoilov.

Todas las fotografías de Xiao Yang reproducidas con permiso de la autora para este artículo