Miguel Delibes «OBJETIVO FOTOGRÁFICO DE LA AFV»
JUEVES FOTOGRÁFICO «CUCEANDO ZAMORA»
Una vez más orgullosos de nuestros socios con un nuevo JUEVES FOTOGRÁFICO. En esta ocasión el AUDIOVISUAL « CUCEANDO ZAMORA ».
Jueves 22 de OCTUBRE 2020 a las 20:00 h
CENTRO CÍVICO JOSÉ LUIS MOSQUERA.
Os esperamos…
LA CIUDAD INAUDITA
FECHA: Del 24 de septiembre de 2020 al 10 de enero de 2021
LUGAR: Sala 1 y Sala 2
El trasunto de esta exposición, que reúne fotografías de una veintena de artistas, se encuentra en la excepcionalidad de lo que ha venido sucediendo desde aquellos meses tremendos de la pasada primavera que vivimos con verdadera estupefacción. El proyecto, que lleva por título “La ciudad inaudita”, nace de la lectura de los periódicos durante el confinamiento y del encuentro con las imágenes que ilustraban sus noticias. Los profesionales de la fotografía que habían trabajado en servicios esenciales se habían enfrentado a una ciudad en unas condiciones insólitas, especialmente en los días de la llamada hibernación de finales de marzo. Contaban los fotógrafos –en conversaciones que han sido fundamentales para la forja de esta exposición- que el extrañamiento con el que caminaban por la ciudad vacía era, cuando menos, turbador. La “ciudad inaudita” es, decididamente, la ciudad en la que no sabíamos que vivíamos.
La exposición está dedicada a Valladolid pues es un homenaje a la ciudad por parte de quienes trabajan de forma profesional en el campo de la fotografía. En ella conviven trabajos de fotógrafos artistas y también de fotógrafos periodistas, y sitúa bajo una misma luz y en un mismo espacio imágenes realizadas desde una perspectiva estética y otras tomadas con ánimo informativo.
La relación que se trenza entre los trabajos de los gráficos y de los artistas, entre los que no establecemos en la exposición distinción alguna, ha arrojado luz sobre cuestiones de enorme interés, muchas de ellas imprevistas, y ha favorecido la aparición de un conjunto de reflexiones en torno a la imagen contemporánea que se ha situado, tal vez de forma insospechada, en el centro de nuestro discurso. ¿Cómo y a qué ritmo circulan las imágenes en los medios de comunicación? ¿Cuál es la vida de una imagen en función de su contexto, impreso o digital, o de si va acompañada por un texto? ¿Cómo funciona el ojo subconsciente de un fotógrafo? Son cuestiones que asaltan al visitante en su encuentro con unas fotografías que pretenden cuestionar el estatus contemporáneo de la imagen.
Desde la perspectiva de la imagen fotográfica, la pandemia ha obligado a fotógrafas y fotógrafos a hacerse preguntas ligadas a la ética periodística o, para ser más precisos, a la mitigación del posible dolor que puedan desprender las imágenes que afloran en torno al trauma, de acuerdo a un pacto tácito para no ofender a determinadas sensibilidades que no ha hecho sino alejarnos de lo real. Un sentir unánime entre los gráficos que han cubierto la ciudad en tiempos de pandemia, sobre todo en las semanas de confinamiento, ha sido la frustración por no haber podido acercarse al corazón del problema. En vez de imágenes, los medios de comunicación han inundado sus espacios de contenido estadístico que lejos de acercarnos al problema han enturbiado la verdad de los hechos. Muchas veces indescifrables, dichas estadísticas, que muestran evoluciones e involuciones de curvas y complejas nubes de datos, han sido nuestra única ventana a la realidad de este virus inclemente, hurtándosenos también el siempre apreciado aura de la fotografía.
La exposición se articula en torno a los temas que con mayor frecuencia han aparecido entre los cientos de fotografías que hemos visionado. La ciudad desierta, las nuevas interacciones sociales, el concepto de limite, las actividades profesionales de carácter esencial, el triunfo de la naturaleza sobre lo urbano, la dicotomía entre el adentro y el afuera y entre la luz y la sombra, una dualidad, ésta última, que tiene especial relevancia como metáfora del lenguaje fotográfico. Muchos de ellos aparecen entreverados. Asomémonos, por ejemplo, al concepto de límite. De un lado alude a un interés mostrado por la representación de las lindes de la ciudad, la fina línea que separa lo urbano de lo natural, y, de otro, remite a esos otros limites, más o menos tangibles, que han afectado a la ciudadanía, con espacios precintados o restricciones horarias. La relación entre el interior y el exterior, tan marcada durante el confinamiento, abre la puerta a otro conjunto de motivos iconográficos, así las nuevas interacciones sociales o el que tal vez ha sido el más recurrente en nuestro imaginario colectivo: las ciudades desiertas. De nuestras calles vacías se deriva también otro de los temas centrales, las actividades esenciales, de las que han participado también muchos de los artistas que participan en esta exposición.
“La ciudad inaudita” es una exposición de fotografía producida íntegramente por el Museo Patio Herreriano gracias al apoyo de la Fundación Municipal de Cultura y quiere ser una contribución al tejido cultural de la ciudad. En la vocación de nuestra institución de pulsar la realidad de nuestro presente, no podíamos dejar de enfrentarnos a la crisis más acuciante de las últimas décadas. Nos servimos para ello de la fotografía, presuntamente considerada como el medio más eficaz para capturar verdades objetivas, para acercarnos a esta realidad, y en nuestro camino encontramos fallas y contradicciones que amplían y enriquecen su sintaxis.
EL INSTANTE MASATS
Exposición virtual
Hace 13 años inaugurábamos por estas fechas nuestra primera exposición, “Ramón Masats. Color”. En espera de recuperar la actividad habitual de la galería, hemos querido rendir un homenaje a Masats, uno de nuestros autores más queridos, dando a conocer una colección de fotografías, la mayoría inéditas, encontradas recientemente en su estudio. Entre las más de un centenar de imágenes descubiertas, existen negativos y copias vintage, muchos de ellos descartados en la rigurosa edición que el autor realizaba al presentar sus trabajos de encargo en las redacciones editoriales con las que colaboraba en los años sesenta, década a la que pertenecen casi todas estas fotografías.
La contundente mirada de Ramón Masats nos convierte en testigos de una realidad ya pasada, fotografiada con el lenguaje libre, intuitivo y carente de artificios con el que este gran maestro nos ha deleitado en las distintas épocas que han marcado su trayectoria artística. Masats vuelve a sorprendernos con una selecta colección de instantes decisivos en los que nos muestra, una vez más, la gran maestría que siempre ha caracterizado su labor fotográfica, transgresores encuadres que nos sitúan frente a una voluntad discursiva certera y provista de un enorme sentido del humor que nos enfrenta al complejo movimiento de la vida. VER FESTIVAL PHE VIRTUAL
Blanca Berlín — Calle Limón, 28, 28015 Madrid T +34 915 429 313
http://www.blancaberlingaleria.com
‘Entre el arte y la moda’, una muestra inédita en España con maestros como Richard Avedon, Daido Moriyama, Helmut Newton y Man Ray
Hasta 174 obras de 90 fotógrafos internacionales componen ‘Entre el arte y la moda’, una exposición que se nutre de la colección personal de Carla Sozzani. Una editora italiana considerada figura clave de la moda, el arte y el diseño y que posee una de las colecciones más importantes de ese país. Una parte importante la podremos disfrutar, desde el 23 de septiembre al 10 de enero de 2021 en el madrileño CentroCentro y dentro de la programación de PhotoEspaña 2020.
Blumenfeld, Erwin. Le Décolleté, Victoria von Hagen, for Vogue, New York, October 15th 1952
Entre los grandes autores que forman parte de esta muestra tenemos a figuras históricas como Richard Avedon, Daido Moriyama, Moholy-Nagy, Helmut Newton, Man Ray, Alfred Stieglitz y Francesca Woodman; todo ellos nos invitan (según la organización) «a pasear por su experiencia de vida, su relación con grandes fotógrafos de todo el mundo, su carrera en el mundo de la moda y su visión personal del mundo, lo femenino y la belleza.»
De Biasi Mario. Gli Italiani si voltano (Italians turn around), 1954
Resultado de «40 años de encuentros y descubrimientos«, la colección se presenta como una impecable selección de imágenes «que componen la visión personal de la coleccionista sobre el mundo, lo femenino y la belleza«. Por ello, esta exposición no tiene un concepto cerrado ya que «la propia coleccionista ha preferido invitar al público a pasear por su experiencia de vida, unida a su relación con grandes fotógrafos de todo el mundo y su desarrollo profesional en el mundo de la moda. Las imágenes reflejan cómo se relaciona con este universo y cómo ve el arte«.
Lindbergh Peter. Le Touquet, Linda Spiering and Tatjana Patitz
Y es que Carla Sozzani tiene, siempre según la nota de prensa, «un gran conocimiento sobre el pasado del arte y un instinto nato para las tendencias«; de hecho, se dio a conocer a principios de la década de los 70 «por su ojo audaz no solo para la moda, sino también para la fotografía«. Fue directora de especiales de la edición italiana de Vogue y más tarde directora de Elle Italia. Posteriormente abrió su propia galería, creó una editorial e «inventó un nuevo concepto con la apertura de 10 Corso Como en Milán en 1991, que concibió como ‘una revista viviente’.»
Bassman Lillian. Dorian Leigh, for Harper’s Bazaar, April 1948
‘Entre el arte y la moda’
Del 23 de septiembre de 2020 al 10 de enero de 2021
Entrada gratuita
CentroCentro Cibeles
Plaza de Cibeles, 1,
28014 – Madrid – España
‘Tomar menos fotos y mirar más’: Tino Soriano nos habla de su último libro ‘Fotografía con una sonrisa’
En este año marcado por la pandemia, en el que tanto nos ha cambiado la vida, Tino Soriano presentó ‘Fotografía con una sonrisa’, una nueva apuesta de Anaya Photoclub para ayudar a todos los fotógrafos a aprender que la fotografía no es solo dominar los programas de edición, sino pensar y sobre todo disfrutar el momento del disparo.
En el mercado editorial abundan los libros técnicos de fotografía… Cómo hacer esto con Capture One, cómo hacerlo con Photoshop o con Lightroom, aprende a hacer fotos con el móvil cada año… La técnica es imprescindible y hay obras imperecederas en el mercado (otras se olvidan fácilmente).
En los últimos años están publicando libros que se olvidan de los aspectos técnicos y nos ayudan a pensar en fotografía. Hay grandes clásicos, como los escritos por Susan Sontag o Roland Barthes. Es verdad que no son lecturas fáciles pero alumbran mucho a quien las lee.
Portada del libro
Tino Soriano lleva 40 años enseñando fotografía. Ha publicado libros sobre la fotografía de viajes que muchos conservamos en nuestra biblioteca. Y en 2019 presentó ‘¡Ayúdame a mirar La biblia del reportaje gráfico’, un manual que enseguida se convirtió en un clásico. Y un año más tarde tenemos entre manos ‘Fotografía con una sonrisa’, un libro que nos permite pensar en la imagen de una forma más relajada.
‘Fotografía con una sonrisa’, un buen libro para los malos tiempos
Este nuevo libro de Tino Soriano, de 240 páginas y lleno de fotografías del autor deja claro desde el principio, desde la primera línea, que la fotografía no es solo estética, sino también emoción. algo que se olvida por muchos empeñados en demostrar más su destreza con los programas informáticos que con la propia cámara.
Tino Soriano
A lo largo de 11 capítulos, con títulos que resumen lo que van a contar – ‘Fotografía a tu amadísima familia’, ‘Utiliza los grafismos’ o ‘Atentos a lo inesperado’-, el fotógrafo escritor va desgranando las claves para disfrutar con una cámara entre las manos. Esta es la función de este libro: ser feliz con la cámara.
-Fotografía con una sonrisa recomienda tomarse la fotografía de otra forma. En estos tiempos que nos ha tocado vivir ¿qué puede aportar la fotografía para ser más feliz?
Es una evasión psicológica natural. Muchos aficionados a la fotografía han aprendido con la pandemia que el mundo que les rodea, sin necesidad de viajar miles de kilómetros, también puede ser interesante. De repente han descubierto los rostros de sus seres queridos, de sus mascotas, la fotogenia de los rincones de su propia vivienda, o de su calle o de su pueblo. Y a través de la fotografía se han acercado a ellos de una manera diferente a como lo habían hecho hasta ahora. La felicidad está en reconocer las cosas buenas que te rodean y, en este aspecto, la fotografía es a la vez una inspiración y una constatación.
La felicidad está en reconocer las cosas buenas que te rodean y, en este aspecto, la fotografía es a la vez una inspiración y una constatación.
Tino Soriano ha viajado por todo el mundo y ha publicado en gran cantidad de medios. Siempre ha sido un fotógrafo cercano, en todos los sentidos. Es verdad que ha estado a los pies del Everest pero nunca ha dejado de retratar su hogar, su querido lago Banyoles.
‘Fotografía con una sonrisa’ es para todos los fotógrafos, para los aficionados y para los que empiezan a disfrutar. Así como el libro anterior se puede llegar a considerar un libro de texto, un ensayo, este es más cercano y más adecuado para los que quieren conseguir buenos recuerdos y si las sensaciones le acompañan, llegar a ser fotógrafo.
-Has publicado muchos libros de fotografía, pero en los últimos años te has volcado en tu actividad docente y has presentado ‘Ayúdame a mirar’ y ‘Fotografía con una sonrisa’ ¿Cómo ha sido escribir estos libros?
Tino Soriano
Ahora que estoy en el otoño de mi carrera, en aquella fase que todo el mundo te llama maestro pero casi nadie te encarga nada, me apetecía compartir lo que he aprendido después de cuatro décadas ejerciendo la fotografía. Tengo previsto preparar una serie de libros docentes que profundicen en lo que han sido mis grandes temas.
Así ‘Los secretos de la Fotografía de Viajes’ es un canto a la ética y a priorizar las experiencias por encima de las fotos tópicas de las vacaciones, `Ayúdame a mirar´, que ha recibido el Premio Nacional al mejor libro de Fotografía publicado en 2020 por la CEF y lleva 5 ediciones en quince meses, lo he escrito durante un cuarto de siglo para responder a las cuestiones más debatidas del fotoperiodismo.
En cambio `Fotografía con una sonrisa´ es un canto a las imágenes que puede hacer cualquiera sin viajar lejos, siempre que tenga algo que compartir. Y para el año que viene saldrá un nuevo libro sobre el que he estado meditando toda mi vida profesional: el uso del color y las emociones en el momento de la toma.
En una entrevista que hice este verano a través de El club de fotografía, empezó con toda una declaración de intenciones que habla muy bien de la realidad de los fotógrafos profesionales en la actualidad. Por este motivo no hace falta obsesionarse por hacer la mejor foto. Tan solo tenemos que contar las mejores historias.https://www.youtube.com/embed/r4dr4HQou5w?enablejsapi=1&origin=https://www.xatakafoto.com
-Una de las cosas que más me gusta de tu último libro es la tipología de los fotógrafos que desarrollas… ¿Es posible cambiar? ¿Cómo recomendarías cambiar?
Bueno, estas tipologías están pensadas para que la gente se reconozca y así sepa de qué pie cojea. Ya se sabe que vemos antes los defectos de los demás; algo parecido a lo que sucede con la edición gráfica: reconocemos a la primera las fotos de otro que están mal, pero somos bastante miopes con las nuestras.
Tino Soriano
Y, desde luego, libros como ‘Fotografía con una sonrisa’ están escritos para aportar soluciones prácticas y fáciles que nos conviertan en mejores fotógrafos. No certifico que después de leer mis libros ganes el World Press Photo, pero sí que serás mejor fotógrafo. Por lo menos si consideras lo que te cuenta alguien que lleva cuarenta años ejerciendo este oficio.
-¿Cuál es la mejor actitud para convertirse en fotógrafo?
Tomar menos fotos y mirar más. No se trata de practicar la pesca de arrastre y luego comprobar si entre los animales capturados hay uno valioso, sino de dedicar la jornada a pescar este ejemplar único, con la ventaja de que una foto, en lugar de privarle la vida, le proporciona una cierta inmortalidad… el secreto es ser perseverante, observador, paciente y un poco pillo.
EN XATAKA FOTOCuatro libros de fotografía para leer de una vez por todas
Es un libro que a muchos nos ha venido bien tener al lado durante estos meses, para pensar y disfrutar (más) de la fotografía. Es una buena ocasión para reirte y reflexionar. Tenemos que estar atentos a todo, porque todo lo podemos rellenar con este diario en imágenes que es la fotografía. Y ‘Fotografía con una sonrisa’ nos lo recuerda sin falta.’Fotografía con una sonrisa’
Autor: Tino Soriano
Nº de páginas: 240
Formato: 18,50 x 24,00 cm
P.V.P.: 24,95 €
La soledad para conseguir ser mejor fotógrafo ???
En el mundo de la fotografía se puede trabajar de muchas formas. En soledad es una de las mejores formas de hacerlo. Evitas distracciones, estás pendiente de todo lo que te rodea y tienes la posibilidad de encontrar la foto que estamos buscando desde que la vimos en nuestra cabeza. Salir solo a hacer fotos puede que no sea lo más divertido pero mejoraremos como fotógrafos.
La fotografía cada vez es más popular. Nunca se han hecho tantas fotos por segundo ni tantas personas tenían una cámara para expresarse. Todo el mundo se autorretrata, muestra la felicidad de estar junto a los amigos, la familia o la pareja.
Esos disparos son perfectos. Normalmente la fotografía es como el pensamiento. Al final quedan los recuerdos felices. Y normalmente es cuando estamos acompañados. Pero los buenos fotógrafos, esos que aparecen en las enciclopedias o que se recuerdan constantemente en los artículos de internet, trabajan solos. Cámara al hombro y a recorrer kilómetros en su barrio, su ciudad, su país o el mundo entero.
Normalmente la fotografía es como el pensamiento. Al final solo quedan los recuerdos felices. Y normalmente es cuando estamos acompañados. Pero los buenos fotógrafos, esos que aparecen en las enciclopedias o que se recuerdan constantemente en los artículos de internet, trabajan solos.
La concentración es básica para fotografiar. Es un trabajo al que hay que dedicarle tantas o más horas que cualquier otro. Es lo que la gente que empieza no suele entender. Los que piensan que hacer fotografías es fácil y que no tienes más que dar un botón. Que es un mero acto mecánico.
Hacer fotos es bastante más. El disparo es solo un gesto al final. Para llegar a él hemos tenido que aprender, pensar y trabajar mucho. Y todo esto es un recorrido solitario con toda la ayuda que hayamos podido reunir en el camino.
Pero llegará el momento en el que tendremos que andar solos para conseguir lo que queremos. Ahí nos daremos cuenta de si servimos para este mundo o debemos buscar otras formas de expresión.
Hacer fotos hoy en día
Seguro que muchos de vosotros estáis deseando las vacaciones (aquí hay uno que está soñando con ellas). Pero llega la realidad: la familia, los niños, los amigos, el calor, el me aburro, el vamos a tomar algo que esto es un rollo, el ni loco me voy a esas horas a dar una vuelta por el monte… Las vacaciones como las entienden muchos.
Y tampoco puedes convertir a tus acompañantes en las víctimas de tu mundo perverso, donde puedes esperar horas a que el sol esté en la posición adecuada… Así no hay forma de hacer nada realmente bueno. Si acaso bellas postales para contentar nuestro ego.
Es el síndrome del fotógrafo actual. Como no tengo tiempo y quiero hacer cosas buenas, busco las coordenadas de otros fotógrafos para hacer la fotografía de postal. Es otra forma de trabajar.
Es el síndrome del fotógrafo actual. Como no tengo tiempo y quiero hacer cosas buenas, busco las coordenadas de otros fotógrafos para hacer la fotografía de postal. Es otra forma de trabajar.
Pero cuando el fotógrafo se hace es cuando deja todo el lastre y se lanza en soledad por los caminos que le marque el destino o la planificación de su proyecto. En ese momento puede sacar todo lo que tiene dentro. Es cuando se ve obligado a descubrirse como hacedor de imágenes.
Es dueño de su tiempo. No tiene que dar explicaciones y puede esperar todas las horas que necesite. O incluso darse el gusto de no hacer uno solo disparo porque se ha limitado a mirar, una cosa que deberíamos hacer más y que actualmente está mal visto por considerarse algo poco productivo.
En estos tiempos en los que el arte, la literatura o la poesía, o el simple placer de aburrirse está mal visto, no se concibe un fotógrafo solitario. Por eso triunfan hoy en día las mismas fotos de los mismos sitios desde los mismos puntos de vista. Para demostrar que hemos aprovechado el tiempo.
Se repite ese karma del triunfo por encima de todas las cosas, de los cientos de likes en las redes sociales, de la aprobación de los desconocidos que valoran más la nitidez que el mensaje. Se ha llegado al punto de negar el poder de la fotografía de trasmitir historias…
La soledad del fotógrafo
Así que si queremos mejorar como fotógrafos tenemos la pista de miles de autores que han demostrado cómo hay que trabajar y los sacrificios que hay que hacer por una buena imagen.
Ahí está Eugene Atget que nunca dejó de hacer fotos del París que desaparecía. O los miembros de la agencia Magnum cuando eran pocos y se repartían el mundo para contarlo. O Bill Cunningham que no dejaba de estar solo en la Gran Manzana a pesar de estar rodeado de la flor y nata de la sociedad.
También podemos recordar las travesías por Cuenca del bueno de Navia en las que terminaba durmiendo en hoteles perdidos. O la solitaria vida de Cristina García Rodero para encontrar esa España oculta…
Ser buen fotógrafo es duro. Hay que saber estar solo para hacer lo que uno quiere realmente. Y como muchos de vosotros no queréis llegar a tanto (ni falta que hace) siempre podéis salir por la mañana pronto y volver con el desayuno. O si hace mal tiempo escapar con un impermeable a la calle. O no dejarse llevar por la siesta.
Es en esos momentos cuando podremos hacer mejor nuestra función. Pendientes de todo lo que nos rodea, valorando la luz, las miradas de los que nos rodean e incluso la posible conversación con aquellas personas que llaman nuestra atención y que nos pueden brindar la fotografía de nuestra vida. Porque aunque la vida del fotógrafo es solitaria no quiere decir que no encontremos gente interesante en cada esquina a la que mirar a través del visor.
¿Tienes un mal día? Prueba con las divertidísimas finalistas de los Comedy Wildlife Photography Awards
La fotografía de vida salvaje usualmente está asociada a aquellos momentos en los que podemos ver la majestuosidad de la naturaleza en su máxima expresión. Sin embargo, la fauna que habita este planeta no es solo seriedad, migración, depredadores y supervivencia. También está acompañada de ternura y risas, como nos lo muestran los finalistas de los ‘Comedy Wildlife Photography Awards’ para 2020.
Para este tercer año de competencia, el certamen premia los momentos divertidos que la madre naturaleza nos trae a través de nuestra herramienta fotográfica. 44 imágenes fueron seleccionadas para competir por el premio mayor de presumir el título de ‘Ganador de competencia’, además de un safari en Kenya, una cámara Nikon y un trofeo de metal realizado artesanalmente en Tanzania.
© Jagdeep Rajput – «Peekaboo» / Comedy Wildlife Photo Awards 2020.
Sobre todo, este premio está hecho para que el lado alegre y llamativo de las imágenes nos ayuden a crear conciencia alrededor de la naturaleza, el medio ambiente y los seres que nos acompañan en el globo terrestre. Los organizadores aprovechan para recordarnos la importancia de realizar más acciones que ayuden a disminuir nuestro impacto sobre la contaminación y el calentamiento global; nos presentan iniciativas como la de la organización de liberación de animales en cautiverio, Born Free; y también nos invitan a pequeñas acciones como utilizar menos agua en casa, tener plantas (así sean algunas pequeñas en nuestros balcones) y comprar responsablemente.
Los ganadores serán anunciados el próximo 22 de octubre. Además de ver el listado completo, podemos visitar la página oficial del certamen para votar por nuestra imagen favorita.
Los dejamos con 15 de las imágenes más llamativas de este año:
© Arthur Telle Thiemann – «Smiley» / Comedy Wildlife Photo Awards 2020
© Krisztina Scheeff – «Seriously Would You Share Some» / Comedy Wildlife Photo Awards 2020
© Christina Holfelder – «I Could Puke» / Comedy Wildlife Photo Awards 2020
© Yevhen Samuchenko – «The Race» / Comedy Wildlife Photo Awards 2020
© Thomas Vijayan- «Fun For All Ages» / Comedy Wildlife Photo Awards 2020
© Wei Ping Peng – «So Hot» / Comedy Wildlife Photo Awards 2020
© Sally Lloyd Jones – «Its A Mocking Bird» / Comedy Wildlife Photo Awards 2020
© Petr Sochman – «Social Distance Please» / Comedy Wildlife Photo Awards 2020
© Mark Fitzpatrick / Comedy Wildlife Photo Awards 2020
© Jacques Poulard – «Lamentation» / Comedy Wildlife Photo Awards 2020
© Kay Kotzian – «I Think This Tires Gonna Be Flat» / Comedy Wildlife Photo Awards 2020
© Max Teo – «It’s The Last Day Of School Holidays» / Comedy Wildlife Photo Awards 2020
© Esa Ringbom – «Doggo» / Comedy Wildlife Photo Awards 2020
© Eric Fisher- «Hi Yall» / Comedy Wildlife Photo Awards 2020
© Luis Burgueno – «I Had To Stay Late At Work» / Comedy Wildlife Photo Awards 2020
NADIA LEE COHEN. «Not a retrospective «
La Sala de La Pasión expone la obra de Nadia Lee Cohen por primera vez en Valladolid. Cerca de medio centenar de retratos realizados por la fotógrafa británica pueden verse hasta el 8 de noviembre en La Pasión.
La Sala Municipal de Exposiciones de La Pasión presenta la exposición ‘Not a retrospective’, la primera gran retrospectiva de la aplaudida fotógrafa británica Nadia Lee Cohen, reconocida por la crítica desde que con solo 22 años ganara el Premio de Fotografía Taylor Wessing y mostrara su trabajo en la National Portrait Gallery de Londres.
Es la primera vez que puede verse obra de Nadia Lee Cohen en Valladolid, gracias a la iniciativa de la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid. Con propuestas como esta, la Fundación quiere ser escaparate de nuevas generaciones de creadores, de los discursos más frescos y vanguardistas del momento.
‘Not a retrospective’ reúne cerca de medio centenar de instantáneas, muestra de todas las series que la artista ha realizado en su meteórica carrera. La muestra, que puede verse en Valladolid hasta el ocho de noviembre, permite al visitante descubrir el personal estilo de la joven fotógrafa, influenciado por los editoriales de moda y el cine de Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick y los hermanos Cohen.
Nadia Lee Cohen (Reino Unido, 1990) es fotógrafa, cineasta y artista de autorretrato inglesa que reside en Los Angeles (Estados Unidos). Desde su primer viaje a la ciudad californiana en 2014, la artista ha confesado sentirse “magnéticamente atraída por América”. “Es el único sitio que me estimula y me repele al mismo tiempo de la manera más encantadora”, asegura Lee Cohen.
Esta fascinación por el estilo de vida estadounidense, el conformismo de las zonas residenciales y la idea de perfección que reflejan son transgredidos por la fotógrafa para mostrar su lado más oscuro: desde personajes femeninos que combaten el sofocante conformismo con el escapismo sexual hasta los luminosos rótulos que ensalzan la cultura del consumismo.
A primera vista, las imágenes resultan llamativas y glamurosas, pero una mirada profunda deja asomar elementos que perturban la escena y que difuminan la frontera entre fantasía y realidad.
«Las imágenes son como fotogramas de una película. Se ve que hay una historia detrás, parece que algo está a punto de suceder», asegura el comisario de la muestra, Mario Martín Pareja. «Ella, tan joven, sabe cómo retener la atención del espectador. Introduce elementos de distorsión que hacen que el visitante recuerde cada imagen», ha explicado.
Pese a proceder del mundo de la moda -estudió en la Fashion College School de Londres-, Nadia «reniega de los cánones de belleza establecidos», lo que le permite, a juicio del comisario, » conectar con el público y ejercer, en cierto modo, de activista».
Colores saturados, toques surrealistas y una atmósfera en la que se cuelan elementos que rozan lo inquietante son el reconocible sello de Nadia Lee Cohen. Un estilo, con la mujer como indiscutible protagonista, que ha llevado también a su producción publicitaria para marcas como MAC Cosmetics, Adidas o Miu Miu, y al audiovisual en trabajos con artistas como Sofia Loren, Pamela Anderson o
Katy Perry, entre otros. ‘Not a retrospective’, comisariada por Mario Martín Pareja y organizada por la Fundación Muncipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid y Contemporánea, permanecerá en la Sala Municipal de Exposiciones del Museo de la Pasión hasta el próximo ocho de noviembre.
La muestra puede visitarse de forma gratuita de martes a domingo y festivos, en horario de 12 a 14 y de 18.30 a 21.30 horas.
Nadia Lee Cohen (Reino Unido, 1990) es una fotógrafa, cineasta y artista de autorretrato inglesa que reside en Los Angeles (EEUU). En 2011, Lee Cohen asiste al London College of Fashion y comienza a estudiar fotografía. En 2012 es incluída en el prestigioso premio Taylor Wessing Portrait y expone su obra en la National Portrait Gallery de Londres. Además de su trabajo artístico personal ha realizado trabajos publicitarios (Miu Miu, Adidas, MAC Cosmetics…) y videoclips musicales y cortometrajes con celebridades como Pamela Anderson, Katy Perry, Danny Trejo, A$AP Rocky, Tyler the Creator o Bootsy Collins, entre otros. Sus fotografías han sido publicadas en revistas como New York Magazine, Vogue Magazine, Marie Claire, Interview magazine, Paper magazine y The Sunday Times, y en numerosas revistas digitales especializadas.
Cómo virar una fotografía en blanco y negro con PHOTOSHOP para que parezca igual que en los tiempos químicos.
Los virados fotográficos, esos baños químicos que servían para aumentar la durabilidad de las copias en la época de los cuartos oscuros, no tienen sentido hoy en día. Pero no se puede olvidar el color que daban a nuestras fotografías de blanco y negro; era una maravilla. Así que vamos a ver una técnica para igualar el efecto del color del virado en nuestras fotografías digitales.
El virado químico en el laboratorio marcaba las diferencias en el laboratorio fotográfico. Si querías culminar el revelado sabías que el último baño, cuando la copia estaba perfectamente limpia, era el del virado. Tenías varios para elegir. Yo apostaba siempre por el Kodak Selenium Rapid Toner a 1+9, es decir, una parte de químico más nueve de agua.
Si lo dejabas poco tiempo en el agua solo servía para la conservación. Y si te pasabas de tiempo daba esa tonalidad tan característica. Además decías a los demás que sabías trabajar. Si no habías hecho bien todo el proceso del revelado y virabas la copia, aparecían manchas delatoras en el papel por culpa de un mal procesado.
Fotografía sin virar
La conservación era el motivo más importante para hacer este último baño. Uno de mis profesores siempre decía que una copia bien virada duraba más que tú en el mundo. Había muchos tipos: selenio, sepia, sulfuro, oro, platino… incluso hubo un tiempo en el que se puso de moda virar al café o al té.
Si dejabas el papel el tiempo suficiente, o con una dilución muy concentrada, podías tintar la plata acumulada en el papel y conseguir esas tonalidades que muchos espectadores relacionan con las fotografías antiguas. En realidad era casi una especialización dentro del mundo del laboratorio.
Como hacer un virado digital realista con Adobe Photoshop
Algo muy importante que parecen haber olvidado a la hora de crear los virados digitales en la mayoría de los programas y herramientas es que este efecto debe ser más notable en las zonas de las sombras que en las zonas iluminadas por un simple motivo: hay más plata en las sombras que en las luces, donde se ha diluido por efecto de la luz. No podemos olvidar que estamos trabajando con un positivo.
Por este motivo, los sistemas que se repiten una y otra vez, en muchos artículos, no son válidos. Realmente lo que hacen es colorear la fotografía. Dan un color determinado a toda la imagen como si le tiráramos encima un bote de pintura. Así que, después de buscar soluciones que fueran válidas hace mucho tiempo, descubrí la técnica de Tony Parkinson.
Fotografía mal virada. Todos los tonos afectados
La página es tan antigua (Phoenix Imaging) que ya no está activa. Allí publicó una tabla, que muchos hemos compartido, con los distintos valores que hay que introducir en las curvas para conseguir los mismos colores de los virados. Y sobre todo cómo conseguir que las sombras se vean más afectadas que las luces. Así que vamos a verlo para conseguir un virado al platino en esta ocasión:Revelamos la fotografía en blanco y negro como estemos acostumbrados. Para poder virar la fotografía es imprescindible que esté en modo RGB para poder darle información de color.
Acoplamos todas las capas y creamos una nueva capa de ajuste de Curvas en Capa>Nueva capa de ajuste>Curvas.
En la nueva curva seleccionamos el canal Rojo (alt+3) y marcamos tres puntos aleatorios en las sombras, medios tonos y luces. Es decir, hacemos clic en la parte inferior, media y superior de la curva para crear tres puntos.
Cada uno de los puntos tiene un valor de Entrada y de Salida.
Hacemos exactamente lo mismo -marcar los puntos- en la Curva del canal Verde y en la del canal Azul.
En cada uno de esos puntos de Entrada y Salida tenemos que poner los siguientes valores:
| ROJOENTRADA/SALIDA | VERDEENTRADA/SALIDA | AZULENTRADA/SALIDA | |||||||
|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
| SOMBRAS | 63/74 | 63/63 | 63/50 | ||||||
| MEDIOS TONOS | 127/127 | 127/127 | 127/112 | ||||||
| LUCES | 191/191 | 191/191 | 191/175 |
La curva debe quedar como veis en la ilustración. El problema es que si terminamos aquí nuestro virado lo único que estamos haciendo es lo que hacen los demás métodos. Así que vamos a seguir:
La curva del virado al platino
Desactivamos la capa de ajuste de Curvas, haciendo clic en el ojo de la ventana Capas.
La fotografía ya no se verá coloreada. Y activamos la capa original.
Ahora seleccionamos la fotografía en Selección>Todo (Ctrl+A).
Copiamos la selección en Edición>Copiar (Ctrl+C).
En este momento activamos de nuevo la visión de la capa de ajuste de Curvas y hacemos Alt+clic en su máscara de capa. El archivo se verá blanco.
Pegamos lo que hemos copiado con Edición>Pegar (Ctrl+V).
Para que todo sea perfecto solo tenemos que invertir la máscara de capa en Imagen>Ajustes>Invertir (Ctrl+I).
Fotografía bien virada
Y ya está. Hemos conseguido que el virado afecte más a las sombras que a las luces. Además podemos bajar la Opacidad de la capa de ajuste para tener un control mayor del efecto.
Día Mundial de la Fotografía.
El 19 de agosto de 1839 Louis Daguerre presentó ante la Academia de Ciencias de Francia su último inventó: el daguerrotipo, que permitía capturar una imagen a través de un proceso químico. Pero el Día Mundial de la Fotografía es una iniciativa del fotógrafo australiano Korske Ara que ha ido aumentando su difusión e importancia, de forma que ahora se celebra en todo el mundo.
Este día no sólo fotógrafos de todo el mundo manifiestan el amor por la profesión, también personas que no se dedican profesionalmente a la fotografía dan muestras de su pasión por esta disciplina que refleja la realidad de una forma muy personal.
Con el surgimiento de las cámaras digitales y sobre todo con la popularización de la fotografía a través de los teléfonos móviles, cualquier persona puede ser testigo de un instante, captarlo y trasladarlo a los demás a través de una foto. Desde luego, la fotografía ha cambiado mucho con las nuevas tecnologías, pero el trasfondo permanece invariable. Se trata de que la fotografía tiene el poder de contar historias, inspirar al espectador y lo que es más importante, el poder de cambiar el mundo.
En el día Mundial de la Fotografía la Asociación Fotográfica Vallisoletana se complace de mostrar un pequeño audiovisual con imágenes de sus socios. Esperamos que sean de su agrado.
La Ley de Reciprocidad. Qué es y cómo la aplicamos al hacer fotografías.
Seguro que has oído nombrarla en muchas ocasiones pero quizá no tengas muy claro qué es a pesar de ser un concepto básico de técnica fotográfica, fundamental para hacer buenas fotos en modo manual. De hecho la Ley de Reciprocidad está directamente relacionada con el triángulo de exposición y de los pasos de luz, conceptos que tenemos que asimilar para entenderla.
Por eso os recomendamos encarecidamente repasar ambos artículos para entender la Ley de la Reciprocidad, aunque por supuesto vamos a repasarlos. La cuestión es que para hacer una foto es necesario exponer a la luz el sensor (o carrete) de nuestra cámara. Esta exposición tiene que realizarse de una forma determinada, dependiendo de la situación concreta, que se determina a través de tres parámetros básicos que determinan cómo de grande es la abertura por la que entra la luz, cuánto tiempo ocurre esto, y cómo de sensible a la luz es nuestro sensor (o película).
Hablamos, claro está, de la apertura de diafragma, la velocidad de obturación y la sensibilidad ISO. Parámetros que, en una toma determinada y de acuerdo a las circunstancias y la luz reinante, será necesario ajustar eligiendo una combinación de valores de los tres. Sin embargo, esta combinación es muy flexible así que tenemos la posibilidad de variarlos de una forma bastante libre gracias a una estrecha relación entre ellos.
Es por esa relación entre ellos a la hora de hacer una foto por la que suelen representarse como un triángulo. Esta figura geométrica hace referencia a que si cambiamos uno de los valores afectará al resto. Y ahí entra en juego la Ley de la Reciprocidad que dice que si modificamos un valor tenemos que compensarlo de forma proporcional variando uno, o los dos, parámetros restantes.
Normalmente estos cambios se realizan en pasos de luz (f-stops o paradas) que es una medida que se emplea en fotografía para establecer la relación entre los componentes del triángulo. Así, cada vez que hablamos de bajar (o subir) un paso de luz nos estamos refiriendo a permitir que llegue la mitad (o el doble de luz) al sensor. Esta “unidad de medida” se estableció para unificar los tres parámetros y permite no liarnos con los distintos valores numéricos que se usan para designar el diafragma, la velocidad y el ISO.
Gracias a ello, es fácil entender que al variar un parámetro, por ejemplo subiendo la velocidad un paso de luz, hay que compensar ese paso (siempre hablando de obtener la exposición correcta) bajándolo en otro parámetro. Esto se puede hacer en cualquiera de los otros dos, que en este ejemplo serían diafragma o ISO, o en ambos al tiempo. En ese caso se trataría de dividir la compensación en cada apartado con medios pasos o tercios de paso (porque los pasos se pueden dividir) hasta sumar uno.
En la práctica
Sabemos que la teoría puede ser algo liosa para los menos duchos, pero a la hora de aplicarlo es bastante más sencillo de lo que puede parecer. Entre otras cosas porque contamos con el exposímetro de la cámara que nos irá guiando en el proceso y nos lo mostrará de forma muy gráfica.
Como sabréis, este gráfico muestra los valores de exposición desde valores negativos (subexposición) hasta positivos (sobreexposición), con un cero en el centro que representa la exposición correcta. Cada uno de las rayitas más gruesas, que van acompañadas de un número, representa un paso de luz y las intermedias sus fracciones porque, como ya hemos dicho, los pasos no tienen porqué ser completos.
De hecho, a la hora de exponer hay que tener en cuenta esto y también que muchas cámaras pueden variar la exposición por pasos completos, por medios o incluso por tercios. Es decir, que cada vez que accionemos la rueda (o botón) correspondiente para modificar uno de los tres parámetros básicos, el cambio hará que estemos subiendo o bajando un paso de luz o bien una fracción. En principio os recomendaríamos ajustarla, si es posible, para trabajar con pasos completos a fin de evitar equivocaciones, pero lo más importante es saber cómo estamos variando los pasos.
El caso es que, cuando modifiquemos un valor de diafragma, velocidad o ISO, esta rayita se moverá hacia derecha o izquierda para indicarnos el aumento o disminución de la luz. Así, será momento de variar alguno de los otros parámetros para que el indicador vuelva al centro. Hablamos, eso sí, de exponer en manual, porque si estamos en modo automático o semiautomático la propia cámara se encargará de que la indicación esté en el punto medio (salvo que lo modifiquemos con la compensación de exposición).
EN XATAKA FOTOModos de medición de la luz: Qué son y cómo utilizarlos adecuadamente
Un ejemplo gráfico
De todos modos, hemos pensado también mostrarlo a través de un ejemplo para que lo veáis aún más claro. La foto que habéis visto en portada se hizo con una exposición de 1/320 segundos a ƒ4 y 1.600 ISO. Pues bien, de acuerdo a lo que vinimos diciendo, eso no significa que esos sean los únicos valores que podemos usar.
Así por ejemplo, podríamos haber empleado una exposición de 1/640 seg, ƒ2.8 y 1.600 ISO o una de 1/160 segundos a ƒ4 y 800 ISO (siempre que cámara y lentes lo permitan) y el resultado hubiese sido el mismo en términos de luminosidad. Hay que recalcar esto porque, como muchos ya sabréis, esta variación de los parámetros sí tiene otras consecuencias en la foto. Básicamente, usar una velocidad diferente afecta a cómo reproducimos el movimiento, abrir más o menos el diafragma determina la profundidad de campo, y elegir un ISO u otro implica que pueda haber ruido en la imagen final.
En este caso no notaríamos muchos cambios en este sentido ya que la variación de un único paso es poca, pero si fuese mayor o en otras circunstancias (escenas con movimiento, distintos planos de imagen…) sí que se notaría bastante. En cualquier caso, nos tiene que quedar claro que podemos conseguir una misma exposición utilizado valores distintos. Y eso se logra aplicando la Ley de Reciprocidad, de manera que compensamos la variación en uno de los parámetros de manera proporcional con alguno de los otros.
Claro que también podríamos haber variado uno de los parámetros sin tocar el resto, el resultado hubiera sido una imagen subexpuesta o sobreexpuesta en el número de pasos que hayamos modificado el valor, quedando la cosa como en la imagen que tenéis arriba suponiendo que nos hubiésemos movido en el entorno de dos pasos arriba/abajo.
Como siempre esperamos que haya quedado suficientemente claro qué es la Ley de la Reciprocidad y cómo se aplica en las fotografías, pero si no es así, no dudéis en hacérnosolo saber a través de los comentarios.
El Museo Oakland de California abre un nuevo archivo digital dedicado al trabajo de DOROTHEA LANGE, la fotógrafa del pueblo
Con la evolución de la pandemia, varios museos e instituciones han migrado al mundo digital para seguir promoviendo sus colecciones. Este es el caso de uno de los archivos fotográficos del Museo Oakland de California, quienes presentan su nuevo portal con el archivo digital del trabajo de Dorothea Lange.
Dorothea Lange, Shipyard Worker, Richmond California, circa 1943. © The Dorothea Lange Collection, the Oakland Museum of California, City of Oakland. Gift of Paul S. Taylor.
El archivo fotográfico de Dorothea Lange fue donado al museo en 1965. Gracias a una donación de la fundación Henry Luce, se desarrolló la curaduría y el montaje de esta colección digital que incluye fotografías, citas de la fotógrafa y el contexto histórico que rodea la obra del trabajo documental de Lange.
Como reporta DPReview, el archivo digital nos muestra alrededor de 600 ítems de una colección de 40,000 negativos, 6,000 imágenes ampliadas y elementos y notas de su trabajo. Está dividida para mostrar su famoso trabajo de la Gran Depresión Estadounidense capturada a inicios del siglo 20, enfocada en el estilo de vida alrededor del país norteamericano. La vida durante la Segunda Guerra Mundial, donde destaca la fuerte crítica a los campos de detención de japoneses americanos. La vida postguerra. Y, finalmente, su trabajo de retrato.
Dorothea Lange, A Sign of the Times – Depression – Mended Stockings – Stenographer, c. 1934. © The Dorothea Lange Collection, the Oakland Museum of California, City of Oakland. Gift of Paul S. Taylor.
Lange, además de ser una de las mujeres más importantes en la historia de la fotografía, es un ejemplo de filosofía del arte fotográfico. Su vida se dedicó a acercarse a las personas, a mostrar cómo retratar con respeto, potenciando la dignidad que cada persona merece (una práctica que muchos retratistas urbanos, documentales y por el estilo han perdido).
Si bien en una época se creía que sus imágenes eran una muestra de verdad total, el análisis de sus imágenes ha mostrado su acercamiento, cómo guía la pose, cómo guía las pruebas, e incluso cómo retocaba para eliminar elementos que molestaran la composición de sus imágenes. Si bien algunos puristas se alteran y alarman por conocer la verdad de que Photoshop existe desde la ampliadora, lo que podemos apreciar todos es que la fotógrafa logró llevar adelante su mensaje a través de la imagen.
Dorothea Lange, Drought Refugees – “Ruby” from Arkansas, c. 1935. © The Dorothea Lange Collection, the Oakland Museum of California, City of Oakland. Gift of Paul S. Taylor
Por ahora, solo queda apreciar el gran trabajo de la fotógrafa en el portal dedicado de Dorothea Lange del museo. Una gran colección en la cual pueden pasar horas (sino días) analizando el trabajo de esta gran fotógrafa. _____ Imagen de portada | Dorothea Lange, Dorothea Lange in Texas on the Plains, c. 1935. © The Dorothea Lange Collection, the Oakland Museum of California, City of Oakland. Gift of Paul S. Taylor.
La historia de POLAROID, el documental que cuenta el nacimiento y muerte de la película instantánea.
La cultura es uno de los grandes dones de la humanidad… La literatura, el cine, el teatro y la fotografía están ahí para enseñar y entretener. Esos dos pilares, la enseñanza y el entretenimiento es lo que nos propone el documental ‘La historia de Polaroid’ que podemos ver en la plataforma Filmin para deleite de todos los que amamos y recordamos nuestras viejas fotos instantáneas cuadradas.
La existencia de Polaroid se debe a la visión de la hija del inventor. Quería ver las fotos inmediatamente después de hacerlas en 1943. Y Edwin H. Land empezó a darle vueltas a la petición hasta que presentó la cámara que permitía ver las fotos en 60 segundos en 1947. El mundo de la imagen cambió para siempre.
Este documental se suma a otros que podemos encontrar sobre la historia de Polaroid, una marca de fotografía, que tuvo su edad dorada hasta que apareció un invento que hacía lo mismo pero mucho más rápido, el sensor digital.
Fotograma del documental
El documental está dirigido por Peter Volkart, un documentalista con obra premiada en varios festivales de cine fantástico. El documental cuenta con una cantidad de material sumamente llamativo y vuelve a llamar la atención que aparezca la figura de Florian Kaps, el director de la empresa The impossible project que tanto ha dado que hablar.
‘La historia de Polaroid’, el ascenso y la caída de una forma de entender la fotografía
El documental de Peter Volkart cuenta, con la ayuda y abuso de la infografía, la historia de Polaroid a través de la vida de su inventor, Edwin H. Land. Desde la primera demostración que dejó a todo el mundo con la boca abierta hasta la aparición de la fabulosa SX-70, la cámara que cambió todo de nuevo en el universo Polaroid.https://www.youtube.com/embed/eOYpjxI-epw?enablejsapi=1&origin=https://www.xatakafoto.com
A lo largo de los 77 minutos del documental aparecen varios artistas que en algún momento han utilizado la Polaroid para crear sus obras. Vemos varios anuncios de la época que llaman mucho la atención. Una de los momentos más interesantes es descubrir cómo recomendaban vender las cámaras a los clientes estadounidenses y la importancia de no soltar la fotografía que hacían sin tener la seguridad de la venta.
Publicidad de Polaroid
Nos explican el origen del nombre de la empresa que tiene que ver con el primer invento de Edwin H. Land, el polarizador. Cuando era un estudiante dejó la universidad frustrado por lo que allí le enseñaban. Se encerró en la biblioteca de Nueva York e inventó los cristales polarizados. Gracias a él tenemos hoy la fortuna de ver películas en 3D, por poner el ejemplo más llamativo.
El gran problema de Polaroid fue por supuesto la aparición de la fotografía digital. No tiene nada que hacer contra ella. Es más inmediata, seguro… pero lo que descubrimos a lo largo del documental es que el proceso de la Polaroid es más natural. Uno de los fotógrafos defiende que capta exactamente la misma luz que absorbe la escena. Y pienso que no está muy desencaminado.
Todo termina hasta que aparece la figura de Florian Kaps, el director de la empresa The impossible project. A raíz del éxito del movimiento lomográfico se les ocurrió apostar por la resurrección del concepto.
Fotograma del documental
No deja de ser una buena idea. Consiguió toda la maquinaria abandonada por un precio irrisorio pero no logró la fórmula química. Por este motivo los resultados de la película The impossible project fueron un absoluto fracaso. Además eran conscientes de la mala calidad de los productos, pero aún así lo vendían al doble para intentar repetir la fórmula Lomo.
Una pena que una historia como la de Polaroid haya acabado así, de semejante forma. Y dejan un dato curioso para la reflexión… El éxito de estas cámaras fue debido a la posibilidad de fotografiarse desnudo sin que nadie más lo viera. ¿Tienen razón?
Así que si queréis verla podéis acudir a Filmin o buscarla por cualquier otra plataforma para los que recordamos los buenos viejos tiempos. No es un gran documental pero al menos disfrutaremos aprendiendo de lo que más nos gusta.
Google Arts&Culture.
| La Fundación inaugura un espacio en Google Arts & Culture |
| Con el objetivo de difundir virtualmente el mundo del tren, presenta una colección de imágenes, dos exposiciones y una visita virtual al Museo del Ferrocarril de Madrid. Google Arts & Culture permite multiplicar la difusión en Internet de las colecciones que custodia la Fundación. La Fundación de los Ferrocarriles Españoles es una de las primeras instituciones relacionadas con el mundo del tren que forma parte de Google Arts & Culture, iniciativa que permite acceder a la cultura gratuitamente a través de internet. Esta plataforma online cuenta en la actualidad con información de más de 1.500 instituciones culturales de setenta países, permitiendo a los usuarios de internet explorar el arte, la historia y las maravillas del mundo. La exposición online de la Fundación en Google Arts & Culture acerca a los navegantes de la red el universo del tren desde tres ámbitos de contenidos, que se irán ampliando progresivamente para mantener vivo este espacio: Colección de más de 200 imágenes, tanto fotografías como documentos, históricas y contemporáneas, que son una pequeña selección de los fondos que conserva la Fundación de los Ferrocarriles Españoles. Visita virtual de distintos espacios del Museo del Ferrocarril de Madrid, gracias a la tecnología de StreetView que nos permitirá conocer tanto las salas como gran parte del material que se conserva en la decimonónica estación de Delicias, donde tiene su sede desde 1984. Exposiciones virtuales: “El ferrocarril a través de sus mapas: desarrollo y evolución de la cartografía ferroviaria en los siglos XIX y XX (1855-2006)”, permite ampliar el conocimiento sobre la historia del ferrocarril en España a través de una selección de 25 mapas, elegidos entre los más representativos de la Biblioteca Ferroviaria, memoria viva del conocimiento del ferrocarril y abierta a todos aquellos que quieran saber más sobre el mundo del tren. “25 años de alta velocidad en España: cultura y alta velocidad española, una exposición para los amantes del tren y la fotografías (1992-2016)”, presenta una serie de imágenes premiadas y seleccionadas en el reconocido certamen “Caminos de Hierro”, que desde hace más de 30 años une a la fotografía y el ferrocarril. Este proyecto, fruto de un acuerdo entre Google y la Fundación de los Ferrocarriles Españoles, tiene el objetivo de ir ampliando los contenidos para dar a conocer los importantes fondos que abarcan todos los aspectos del amplio mundo que rodea al ferrocarril, un medio de transporte que nos ha acompañado desde hace más de 170 años y con un futuro prometedor gracias a su sostenibilidad. La Fundación en Google Arts & Culture: artsandculture.google.com/partner/fundacion-de-los-ferrocarriles-espanoles Google Arts & Culture pone más de mil museos al alcance de tu mano. Es una forma inmersiva de explorar el arte, la historia y las maravillas del mundo, desde los cuadros de habitaciones de Van Gogh a la celda donde estuvo encarcelado Mandela. La app de Google Arts & Culture es gratuita y se encuentra disponible en Internet, en iOS y en Android. Los esfuerzos de Google para hacer la cultura accesible en Internet comenzaron en 2011 con un equipo partner en innovación para las instituciones culturales, que trabaja en tecnologías que ayudan a mantener y compartir la cultura y que permiten a los organizadores crear unas exposiciones atractivas en Internet, además de las de dentro de los museos. |
