«El ser humano es insignificante en el amplio entorno que lo rodea aunque ese mismo entorno lo necesita para formar parte de él».
De esta manera comienza la exposición de Ángel Pérez, (Presidente de la AFV) en el Centro Cívico Canal de Castilla (Paseo del Jardín Botánico, 4).
Esperamos que sea de vuestro agrado.
Os esperamos el día 1 de octubre para su inauguración.
murió Carlos Pérez Siquier, el penúltimo genio de una generación de la que se acordaron tarde. Recibió todos los premios posibles, tiene un museo propio y fue capaz de ver la luz del Mediterráneo como nadie. En cualquier otro país sería un día de duelo nacional, aquí solo nos acordamos todos los que aprendimos de él.
El mundo ha cambiado mucho. Hace 90 años, cuando él nació en su querida Almería, todo era distinto. El mundo de la cultura y del arte vivía su edad de plata cuando todo se cortó de raíz. La guerra entre hermanos frenó en seco a la sociedad. Y su tierra se quedó todavía más aislada.
Él era un aficionado a la fotografía, algo que nunca debemos olvidar. Su fuente de ingresos era la banca, un horario de ocho a tres con chaqueta y corbata. Pero luego ese mundo gris cambiaba. Los números desaparecían y miraba directamente a la luz.
Hoy estamos todavía abandonados sin su mirar. Además no puedo ver sus libros para recordarle porque están guardados en el fondo de un trastero. Pero tenemos la memoria e internet para ver de nuevo sus trabajos, desde ‘La Chanca’ que le abrió las puertas hasta sus últimos disparos en el color que tanto le gustaron a Martin Parr.
A muchas personas, los más jóvenes del lugar, les costará entender todo lo que hicieron Carlos Pérez Siquier y José María Artero García en Almería en 1956. Solo por eso ya merecerían estar en el altar de la fotografía.
Ellos dieron forma a la revista del grupo AFAL (Asociación Fotográfica ALmeriense). La asociación se presentó en 1950, pero en el año 1955, José María Artero fue el presidente y Carlos Pérez Siquier el secretario. Él fue la parte artística y Artero la intelectual. Y todo cambió para siempre desde uno de los extremos más recónditos de la península.
Contra viento y marea, contra las modas que imperaban entonces, ellos dos buscaban, escribían y encontraban a aquellos fotógrafos que tenían algo que decir más allá del pictorialismo y el salonismo que triunfaban entonces.
Fotograma de ‘Azul Siquier’
Como escribimos con motivo de la exposición que tuvo la historia del grupo en el Reina Sofía:
Alguien conocía a alguien, conseguían su dirección postal, y le enviaban una carta que tardaba días en llegar. Si estaba conforme les enviaba fotografías para ser publicadas en la revista de una asociación de Almería… Si había algún problema o querías hacer alguna pregunta no quedaba más remedio que escribir de nuevo una carta, ir a Correos, comprar un sello y esperar a que llegara la contestación. Hoy nos parece un milagro, pero no deja de ser el germen de una red social fotográfica. Pero con una virtud. No había tiempo para tonterías y se iba directamente al grano. A la pura fotografía.
Fueron los renovadores de la fotografía y lograron reunir a los mejores fotógrafos de la época en una revista que marcó el antes y el después… Hasta llegar a aquel anuario de 1958 en el que todo tuvo que terminar por culpa del dinero. Pero la semilla estaba plantada.
La calidad del grupo les llevó a exponer fuera de nuestras fronteras. Y nunca se les ha reconocido lo suficiente todo lo que hicieron para alcanzar el nivel que tenemos hoy en día. Cuando ellos empezaron apenas había asociaciones… Hoy son incontables.
Su estilo era directo. No había compasión ni crítica alguna en sus disparos. No era un dios omnisciente, sino que fotografiaba lo que le gustaba. Así lo hizo desde el principio, en ese reportaje de ‘La Chanca’ en blanco y negro y en todos los trabajos posteriores ya en color.
Desconozco si será cierto o formará ya parte de la leyenda, pero nunca utilizó un trípode ni quería saber nada del flash. Y su mirada evolucionó desde el reportaje clásico de los humanistas hasta los encuadres cerrados en los que el color era el protagonista.
Su estilo era directo. No había compasión ni crítica alguna en sus disparos. No era un dios omnisciente, sino que fotografiaba lo que le gustaba.
Se le puede reconocer por los colores que sacaba con su cámara. Una tonalidad saturada y limpia que bebía de la luz más difícil que solo podemos encontrar en Almería. Sus imágenes de la playa, cuando España se abrió al turismo, llamaron la atención de Martin Parr en la exposición que organizó en Nueva York en 2007:
El propósito de la exposición actual es demostrar que una cultura de fotografía en color igualmente viva en Europa operaba antes y durante los años 70. Este trabajo se había pasado por alto en gran medida, ya que no fue organizado como un movimiento, ni fue promovido por instituciones de alto perfil. Los coloristas estadounidenses que se dieron a conocer en los años 70 ahora disfrutan de un renacimiento, mientras que los equivalentes pioneros europeos siguen siendo relativamente oscuros.
Podemos encontrar muchas cosas sobre él en las redes, como el documental ‘Azul Siquier’ que espero que programen esta noche… ‘Detrás del instante’ le dedicó un capítulo en la primera temporada (ojalá llegue la tercera temporada)… Pero lo mejor será abrir un libro suyo y aprender todos los secretos de la fotografía. O ir a su museo…
Era todo un personaje. Tuve la suerte de sentarme una vez a su lado y darle las gracias por existir. Nada sería igual si él no se hubiera esforzado tanto por mirar de una forma personal y sobre todo por comunicar y unir a todos los que tenían algo que decir con la cámara al hombro. Se ha ido uno de los mejores.
Chema Madoz ha abierto la temporada fotográfica del Círculo de Bellas Artes de Madrid con su exposición ‘Crueldad’, una nueva revisión de su trabajo alejado de la poética a la que nos tenía acostumbrado. Es la misma obra, pero desde una perspectiva distinta que parece volverle más interesante.
Dentro de la fotografía española actual, Chema Madoz es uno de los pesos pesados. Además su estilo es totalmente reconocible e imposible de imitar. Fue capaz de encontrar una forma de mirar única e inimitable.
Es verdad que bebe de varias fuentes que hay que buscar, desde el surrealismo hasta Ramón Gómez de la Serna, pero ha formado un universo del que nunca ha salido. Si te gusta, sígueme; si no, no hay problema alguno. Es lo que parece decir con sus fotografías que vemos una y otra vez.
© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021
Ya no hay nada nuevo en su trabajo. A muchos ya no nos sorprende, pero seguimos mirando con la boca abierta las greguerías visuales que nos propone, aunque ya formen parte del paisaje cotidiano.
Por este motivo puede resultar muy interesante la nueva exposición del Círculo de Bellas Artes de Madrid, en la que los comisarios Juan Barja y Patxi Lanceros han sido capaces de ofrecer una nueva lectura de los disparos que ya no tienen la atención del primer encuentro.
UN VISTAZO A…
El reto parecía difícil. Chema Madoz siempre ha estado relacionado con la poesía visual, con la insinuación y las cosas sin sentido aparente. Para él un objeto siempre tenía otra respuesta, otra utilidad distinta a la que conocemos. Un poema visual.
© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021
Pero esta vez han logrado hacer desaparecer ese aire inocente, cándido y directo de sus fotografías y lo han llevado al lado opuesto. A un punto oscuro del que el propio autor era consciente, pero que no veía que nadie se atreviera a insinuar.
Es verdad que han tenido que recurrir, a veces, a las palabras propias de autores conceptualistas que no tienen nada que decir con la fotografía:
La fijeza ejemplar de lo que vemos en cada una de esas pro-yecciones, construcciones, montajes objetivos –el agudo rigor de sus matices, de las sombras y luces de los cuerpos que ahí se hacen presentes, que se muestran ya ‘de cuerpo presente’ a la mirada– induce reacciones en cadena: la creación como cre-acción, en la cual se empareja lo distinto y se disuelve, en cambio, lo que era unitario y común –lo parecía…–. O lo mismo leído de otro modo: la sucesión de sus analogías –la semejanza en lo desemejante– hace explotar el núcleo de la imagen que se articula en / por las diferencias que re-velan / des-velan lo que era, aun oculto, concreto, perceptible.
© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021
Han conseguido que miremos sus fotografías desde el otro lado. Y este nuevo prisma enriquece, y mucho, la obra de Chema Madoz. Ya no es el fotógrafo sonriente y educado al que estamos acostumbrados a ver. Tiene un lado oscuro maravilloso y tentador. Su inocencia es ironía y sus poemas son golpes en el estómago.Ya no es el fotógrafo sonriente y educado al que estamos acostumbrados a ver. Tiene un lado oscuro maravilloso y tentador. Su inocencia es ironía y sus poemas son golpes en el estómago.
En total son setenta y tres fotografías en la exposición y ciento dos en el catálogo que será un éxito de ventas. Con muy pocas imágenes inéditas. Blancos y negros perfectos, impolutos, realizados con luz natural de su estudio que no parece de fotógrafo, sino de escultor.
© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021
Y han añadido, para ‘abrir posibilidades de sentidos a partir de cada obra’, textos de autores famosos a cada una de las fotografías a través de un código QR. Aquel que no sepa sacar la información se lo perderá. Y es una buena idea, pero creo que complica enormemente un trabajo tan abierto a las interpretaciones como el de Chema Madoz.
Sus fotografías no necesitan explicación, solo una interpretación personal. Meter a autores tan diversos como Dante, Cesar Vallejo, Federico García Lorca, Samuel Beckett, G. W. F. Hegel, solo intelectualiza unas imágenes que eran de todos y que lo único que necesitan es que las miremos.
Hay que ir a ver la exposición. Si queremos podemos evitar los textos contaminantes, así podremos ver todas las fotografías sin límites (buena idea al fin y al cabo el código QR) pero siempre bajo el nuevo prisma de la crueldad. Y os aseguro que se disfrutan de nuevo. Ya nos contaréis…
Que la cámara que usemos es lo de menos es un hecho pero, reconozcámoslo, a todos nos pica la curiosidad de saber con qué se ha hecho una fotografía que nos llama la atención. Si encima hablamos de fotos icónicas, de esas que son superconocidas y que han trascendido generaciones, realizadas por algunos de los grandes maestros de este arte, no me digáis que no os gustaría saber con qué cámara hicieron aquellas fotos.
Por supuesto aquí no se trata tanto de hablar del equipo usado, en sus diferentes marcas y formatos, ya que sin duda la importancia de la cámara se desvanece viendo las fotos que realizaron y la influencia que han tenido. Se trata más bien de rendir un homenaje a los fotógrafos y a su herramienta de trabajo: la cámara de fotos.
‘Edward Weston’ en la galería de Ur Cameras
Resulta curioso cómo antes un fotógrafo podía utilizar el mismo equipo durante muchos años. Hoy día tenemos una gran variedad de dispositivos que se actualizan prácticamente todos los años, y resulta triste ver como la gente se preocupa más de tener lo último en tecnología en vez de hacerlo por intentar sacar el mayor partido a lo que tiene. ¿A quién le importa si las cámaras que vamos a ver eran las mejores de aquel momento cuando fueron capaces de captar fotos míticas?
Foto de Sshjs930 compartida en Wikimedia
Comenzamos con una cámara que curiosamente está de actualidad gracias a que Nikon ha resucitado su espíritu a través de la Nikon Z fc. La Nikon FM2 original, la de carrete, fue la cámara con la que el famoso Steve McCurry capturó a una joven agfana. Una foto mítica que se publicó en 1985 en la portada de National Geographic y pasa por ser uno de los retratos más icónicos de la historia.
Esta cámara fue utilizada por numerosos fotoperiodistas gracias a su fiabilidad en la era analógica y aún hoy día tiene muchos adeptos (y no se encuentra barata).
Foto de Kameraprojekt Graz 2015 compartida en Wikimedia Commons
Históricamente conocido como uno de los fotógrafos más influyentes de nuestro tiempo, Henri Cartier-Bresson elevó la práctica de la fotografía a la categoría de arte. Pues bien, os interesará saber que para él los aspectos técnicos de la fotografía carecían de importancia.
Esta icónica imagen (y muchas otras de las suyas) fueron realizadas con una «sencilla» Leica II, un modelo efectivo y muy discreto que le permitía «perderse» discretamente por las calles y pasar desapercibido mientras realizaba fotografías que hoy nos parecen asombrosas.
Foto de Hustvedt compartida en Wikimedia
El fotoperiodista Alfred Eisenstaedt se encontraba deambulando por la calle con una Leica IIIa al cuello en busca de una imagen significativa de las celebraciones de la victoria sobre Japón en en la Segunda Guerra Mundial (el 14 de agosto de 1945) cuando se topó con un instante mítico.
Tal y como contamos, vio como un marinero agarraba a una enfermera en Times Square, la inclinaba hacia atrás y la besaba apasionadamente. Todo sucedió de forma rápida y espontánea por lo que el fotógrafo tuvo que ser muy rápido en disparar. Su pericia, y el conocimiento de la cámara que utilizaba, le valieron para capturar una de las imágenes más icónicas del siglo XX que fue portada la la revista Time.
Foto de Christophe Frot compartida en Flickr
Otra imagen mítica que se convirtió en un símbolo de las dificultades que sufrió gran parte de la población estadounidense durante la Gran Depresión. Dorothea Lange, también conocida como «la fotógrafa del pueblo», fue una de las encargadas por la Farm Security Administration para documentar las migraciones que tuvieron lugar en aquellos años.
La cámara que utilizó para retratar a Florence Owens era una enorme Graflex Super D, un híbrido entre una cámara de campo y una de estudio. Precisamente, Dorothea fue una de las precursoras de que la fotografía saltara desde los estudios a la calle.
Imagen de Sputniktilt compartida en Wikimedia
Diane Arbus estaba obsesionada por fotografiar a sujetos extraños, inusuales, excéntricos y extraordinarios. Esta predilección le llevó a retratar a una amplia gama de personas y lograr fotos muy llamativas, entre las que destacó esta de dos gemelas idénticas.
Para realizarla, Arbus usó una de esas míticas cámaras con doble objetivo y visor superior que permite evitar el contacto visual directo con el sujeto. En concreto esta toma se hizo con una Rolleiflex TLR con película de 120 y formato 6×6; un modelo similar al que usaban otras famosas fotógrafas como Gerda Taro y Vivian Maier.
Imagen de Jonathan Mauer compartida en Wikimedia
Conocida por sus numerosos imágenes de políticos, artistas, deportistas y personalidades de todo tipo, una de las fotos más conocidas de Annie Leibovitz es este retrato de un duo mítico para la cultura popular. La imagen fue portada de la revista Rolling Stone en enero de 1981 y se realizó sólo unas horas antes de que John Lennon fuera asesinado.
Curiosamente, como prueba de que la cámara es lo de menos cuando la imagen tiene fuerza, fue realizada con una simple cámara instantánea, el tipo que solía usar la fotógrafa. No está claro cuál fue el modelo concreto pero, por la fecha, bien podría ser una Polaroid SX-70 o una Polaroid 600SE.
Imagen de Shane Lin publicada en Flickr
Otra imagen icónica de la historia, base de una silueta que hemos visto en miles de camisetas por todo el planeta. La foto del carismático revolucionario Ernesto “Che” Guevara fue tomada por Alberto Korda con una Leica M2 durante un acto conmemorativo y se convirtió en un símbolo.
Las Leica fueron una de las cámaras más populares entre los fotoreporteros por su calidad y portabilidad, y ésta en concreto sirvió a Korda para realizar este primer plano de la figura del popular guerrillero gracias al uso de un objetivo de 90 mm.
Foto de Chia Ying Yang compartida en Wikimedia
Al regresar de un viaje a Rumania en 1968, Josef Koudelka llegó a Praga justo un día antes de que la Unión Soviética invadiera el país para retornarlo a la disciplina comunista. Durante una semana el gran fotógrafo checo documentó sin descanso los hechos que sucedieron en la ciudad con su Exakta Varex, una réflex de 35mm que se fabricó en la Alemania del Este entre 1951 y 1956.
El fruto de aquel trabajo son un montón de imágenes icónicas, una de las más populares ‘Hand and wristwatch‘, en la que vemos un reloj de pulsera sostenido como si el usuario estuviera mirando la hora; al fondo hay una calle tranquila y vacía, pero el reloj muestra la hora exacta en que comenzó la invasión soviética.
Con esto hemos acabado de repasar las cámaras con las que se hicieron algunas fotos icónicas de la historia. Como decíamos al principio, esto no pretende ser nada más que un homenaje a las herramientas utilizadas para crearlas y, de paso, demostrar, que hacer buenas fotografías va mucho más allá del equipo que se utiliza.
Fuente | Light Stalking
‘Perro semihundido’ de Francisco de Goya es uno de los cuadros más analizados del mundo. Ha marcado a muchas generaciones de artistas y espectadores del museo del Prado, donde se encuentra. La pregunta siempre está en el aire ¿Qué es lo que vemos? Las respuestas son infinitas, pero gracias a una fotografía que hizo Jean Laurent de la obra en su espacio original en 1874, la solución es muy sencilla. Hay veces que nos gusta complicarnos la vida.
Las ‘Pinturas negras’ de Goya adornaban su casa de campo conocida como la Quinta del Sordo. Estaba cerca del río Manzanares, por la zona del puente de Segovia, cerca de la sala La Riviera. Era una finca que compró y en la que residió antes de su exilio. En los muros de aquella casa pintó los famosos cuadros que ahora reciben miles de visitas en el Museo del Prado.
Estaban pintadas directamente sobre el yeso seco, sin ningún tipo de preparación. Algunos especialistas afirman que no fueron pintadas para perdurar… Los herederos del pintor vendieron la quinta y un aristócrata francés la compró. Pero antes de derribar el edificio decidió salvar las pinturas.
La técnica elegida para hacer el traslado a lienzo desde el muro se llama strappo, y resultó muy dañina para las pinturas. Algunos cuadros perdieron materia pictórica y esto originó el mito imposible del genial ‘Perro semihundido’.
Fotografía original de Jean Laurent (Wikimedia Commons)
Las fotografías que hizo Jean Laurent en la casa, en 1874, han servido para descubrir cómo eran realmente. Y puede decirse que son un hito en la historia de la fotografía porque es de las primeras veces que se utilizó luz artificial para iluminar una fotografía.UN VISTAZO A…Así fue la primera memoria USB de la historia
La técnica strappo es muy agresiva y siempre provoca pérdida de información. Y en el caso de ‘Perro semihundido’, el resultado hizo que los expertos teorizaran mil y una veces sobre el genial cuadro.
Que si era una metáfora sobre la situación política de entonces, que si estábamos ante la representación de la soledad del pintor o un ejemplo freudiano, kantiano… de la enfermedad mental…
Ya en 1996, José Manuel Arnaiz escribió en su libro ‘Las pinturas negras de Goya’ que la fotografía de Laurent desvelaba todo el misterio.
Detalle (Wikimedia Commons)
Si nos fijamos en la fotografía que hizo Jean Laurent antes del levantamiento de la pintura observamos que el perro simplemente está mirando el revoloteo de dos pájaros. Es una escena campestre pintada de forma sensacional.Así que no hay que darle más vueltas. Solo vemos a un perro en el campo mirando dos pájaros.
Goya, si contemplamos sus cuadros, amaba profundamente a los perros y odiaba a los gatos. Los cánidos siempre son amables y los felinos salen siempre ariscos… Así que no hay que darle más vueltas. Solo vemos a un perro en el campo mirando dos pájaros.
Y todo es tan sencillo gracias a la fotografía. Por cierto, 15 fotografías (de los 14 cuadros) que supusieron un reto técnico de enormes dimensiones según podemos leer en el estudio de Raquel Esteban Vega. Las fotografías se hicieron en agosto de 1874.
En dicho estudio, descubrimos que para hacer estas fotografías Jean Laurent utilizó un complejo sistema de luz artificial para registrar las famosas pinturas.
Ilustración del estudio de Raquel Esteban Vega ‘Las fotografías de J. Laurent de las Pinturas negras’
No sabemos si el trabajo se lo encargó Salvador Martínez Cubells, el restaurador del entonces Museo Nacional de Pintura y Escultura, o el barón d’Erlanger, dueño de la finca, que quería venderlas en Francia (afortunadamente nadie las quiso comprar y las donó al Prado).
Los negativos de cristal de 27×36 cm son de colodión húmedo, un proceso que exigía preparar la superficie sensible in situ y revelarla antes de que se secara. Y como estaban en las paredes, no podía sacarlas para iluminarlas correctamente.
Así que utilizó un sistema que ya había probado años atrás el mismo Nadar en Francia y que él estaba experimentando desde hace tiempo, las lámparas de arco voltaico y pila tipo Bunsen:
El funcionamiento del sistema partía de la energía generada por pilas de
Bunsen que transmitían la corriente a lámparas de arco voltaico, también llamadas de carbón, cuya intensidad lumínica era constante gracias a la acción de un regulador que mantenía invariable la distancia entre los dos bornes de la lámpara según estos se iban consumiendo.
‘Perro semihundido’ (Wikimedia Commons)
Era evidentemente luz continua, necesaria para compensar la oscuridad de las pinturas y del espacio donde se encontraban, además de la poca sensibilidad del colodión húmedo.
Muchas veces la historia del arte toma un camino u otro por diversos motivos ajenos al arte… Todo depende de la interpretación de un autor reconocido o un hecho ajeno a la valoración artística, como el robo que convirtió a la Gioconda en el cuadro más famoso.
En este caso todas las divagaciones no hubieran sido necesarias si alguien se hubiera fijado antes en unas fotografías perfectas que tomó un autor francés que vivía en España y que registró casi todo nuestro patrimonio artístico. Gracias a él sabemos que no estamos viendo la decadencia o el horror, solo a un perro feliz.
Continua divulgándose nuestra gran exposición «Delibes en el Objetivo«, en esta ocasión en una localidad y también una pedanía del municipio de Baltanás, del que dista 9 km. Está situada en la comarca del Cerrato (Palencia), en la comunidad autónoma de Castilla y León (España), y pertenece al partido judicial de Palencia, Valdecañas de Cerrato.
La AFV quieres agradecer de manera muy especial al Ayto de Valdecañas y a sus máximos responsables por la oportunidad que se nos brinda.
Valdecañas acogió hace 25 años el rodaje de algunas escenas de “Las ratas” dirigida por Antonio Giménez Rico y basada en la novela del escritor vallisoletano. Fueron tan solo unos días, pero nuestro pueblo disfrutó de lo lindo con el acontecimiento. Valdecañas regresó a la posguerra, al hambre de los años 40 y 50, a la Castilla profunda sumida en costumbres, tradiciones y ritos, a esos pueblos de miseria donde se mataba por llevarse a la boca un pedazo de rata.
Participaron de extras en el rodaje unos cuantos vecinos de Valdecañas. Todos recibieron su correspondiente ropa, «pantalones de pana, faldas roídas y viejas, velos, lo típico de aquella época».
Los escenarios elegidos para el rodaje fueron las panorámicas de las cuatro estaciones vistas desde el punto donde se encuentra el Km 28,5 de la carretera P-131 en dirección a Tabanera y una tormenta de verano.
Valdecañas quedó así ligada de alguna forma a la Castilla que esculpió con su pluma Miguel Delibes, a la de las guerras de ratas, la dependencia del cielo, el apego a la tierra, la caza, la filosofía socarrona, los apodos, la picaresca, la hospitalidad…
Y como colofón de esta celebración del día del libro, reconociendo a Valdecañas como un escenario digno de Delibes , desde el Ayuntamiento queremos anunciaros uno de los proyectos en los que estamos trabajando :
“El mirador de Delibes”
Se ubicará en ese km 28,5 de la P- 131 desde donde se rodaron las panorámicas de las cuatro estaciones.
La panorámica que veremos desde el mirador es la siguiente:
¡No puede ser más bonita!
Publicado por Ayuntamiento de Valdecañas de Cerrato
Ha terminado ya la segunda temporada de ‘Detrás del instante’, la serie documental de Xavier Baig y Jordi Rovira, producida por RTVE en colaboración con REC Produccions, sobre la vida y obra de los fotógrafos españoles. A lo largo de 13 capítulos nos han descubierto qué es realmente la fotografía. Una buena noticia sería que anunciaran ya la tercera…
‘Detrás del instante’ se está convirtiendo en una de las mejores series documentales en español sobre el arte que nos apasiona a todos los que escribimos y leemos Xataka Foto.
La fotografía no consiste solo en máquinas y técnicas digitales; tampoco vive exclusivamente de imágenes virales que se olvidan al instante, en cuanto aparece otra más impactante… La fotografía es una trabajo y una pasión. Y ellos lo han dejado claro.
El capítulo de Tino Soriano
En los últimos tiempos cada vez es más frecuente encontrar en las redes grupos de fotógrafos que atacan a los demás por no pensar como ellos o por escribir en medios ajenos, simplemente por ‘crear polémica’ (como nos dijeron textualmente)… ‘Detrás del instante’ demuestra que la pura fotografía es trabajo, trabajo y más trabajo y pensar en el bien común.
Tino Soriano, Isabel Muñoz, Estela de Castro, Marisa Flórez, Gonzalo Azumendi… son algunos de los autores que nos han contado la historia de una de sus fotografías más representativas y luego hemos descubierto su trayectoria personal y profesional. Y como ocurre con las buenas películas, nos quedamos con ganas de más.
Uno de los tesoros más grandes que tengo en mi videoteca personal son algunos de los documentales de fotografía que he ido consiguiendo a lo largo de mi vida por distintos medios. Muchos los he comprado, como todos los dedicados a Henri Cartier Bresson, otros los grabé en VHS y algunos me los han pasado los propios autores.
El capítulo de Kim Manresa
Ahí tengo la maravillosa serie de Momeñe que siempre digo que hay que recuperar para todo el mundo, o cualquiera de las series de la BBC (la referencia en este campo) en las que muchos descubrimos aspectos desconocidos de la historia de la fotografía.
Dentro de mi colección tengo ya (espero que no desaparezca Rtve A la carta) las dos temporadas de ‘Detrás del instante’. Es una serie accesible para todos los públicos, no solo los aficionados a este mundo.
El capítulo de Isabel Muñoz
Cualquiera puede entender que el trabajo de los personajes entrevistados es fruto del esfuerzo, de la búsqueda y sobre todo de las ganas de trasmitir y cambiar la forma de ver las cosas. Todos tienen un estilo propio. Y no lo han conseguido después de estar tres meses en una academia televisada 24 horas ni por ser alguien en las redes sociales.
En esta serie documental cuenta que nada es gratis, que el esfuerzo y el trabajo son los mejores caminos para conseguir ser reconocido. Isabel Muñoz es incansable, Tino Soriano empezó a trabajar en otras cosas para conseguir su sueño de viajar, Victor Lax se reinventó para salir de la crisis económica que le dejó sin ingresos…
Algunos capítulos los pondría en los institutos donde algunos creen que el éxito solo depende de los seguidores que tengas. Parezco un abuelo cebolleta pero es así. Además tenemos desde autores consagrados como Fontcuberta, con todo su discurso detrás hasta Estela de Castro, una de las autoras más prometedoras del panorama.
El capítulo de Estela de Castro
Y rezuma por todos lados un amor infinito a la fotografía: la búsqueda de las historias, del material fotográfico, las anécdotas, la forma de grabar a pesar de todos los problemas de la pandemia… En cada uno de los documentales encontramos a los compañeros de trabajo del entrevistado que nos ayudan a comprender la forma de mirar del protagonista.
En definitiva, estamos ante una serie documental que debería tener más temporadas. Hay cientos de fotógrafos que no conocemos, escuelas y corrientes de los que se sabe poco…
A algunos de los fotógrafos que han salido esta temporada los conozco personalmente y me he quedado con ganas de conocer a Fontcuberta, a Kim Manresa y a ese torbellino que es Gonzalo Azumendi… Y a juzgar por lo que hemos leído a nuestros lectores, muchos habéis terminado con la misma sensación… La serie ha sido un éxito.
¿Os imagináis que además de las biografías de autores recientes nos cuentan de la misma forma la historia de Alfonso, de Catalá Roca, de la escuela de Madrid o
la inolvidable AFAL…? ¿O qué simplemente nos descubren a más autores y su forma de trabajar?
Ojalá podamos volver a ver nuevo material la temporada que viene.
En los últimos nueve años he viajado por todo el mundo para capturar monumentos por la noche. Principalmente en países de la ex Yugoslavia, la ex Unión Soviética y Europa del Este. Muchos de ellos hoy en día han sido abandonados y descuidados… Así comienza Xiao Yang su descripción sobre ‘Eternal Monuments In The Dark’, un curioso proyecto que muestra lugares abandonados que cobran un nuevo aspecto en sus fotos gracias, sobre todo, al light painting.
«Mi viaje comenzó en 2012 cuando visité el monumento comunista Buzludzha en Bulgaria. Desde entonces he explorado más de 40 países del mundo, centrándome en fotografiar lugares abandonados, monumentos, arquitectura brutalista y modernista soviética […] Quiero capturar y recrear su eterna belleza. Crear surrealismo a partir de la realidad es un juego fascinante que siempre me motiva a seguir explorando«.
Čačak (Чачак) Nombre: Mausoleo de lucha y victoria Ubicación: Čačak, Serbia Año de finalización: 1980 Diseñador: Bogdan
El monumento que menciona Xiao es el que habéis visto en la foto de portada, y que parece un platillo volante de hormigón armado que ha aterrizado en lo alto de una montaña. Un claro ejemplo de arquitectura soviética que ahora se encuentra abandonado a su suerte, como muchos otros lugares que aparecen en las fotos, y que fueron capturados en Croacia, Serbia, Bosnia y Herzegovina, Macedonia, Montenegro, Bulgaria, Rumania, Armenia, Letonia, Lituania, Albania, Ucrania y Alemania.
Kruševo (Крушево) Nombre: Ilinden Memorial (Споменик „Илинден“) o ‘Makedonium’ (Македониум) Ubicación: Gumenja Hill en Kruševo, Macedonia Año de finalización: 1974 Diseñador s: Jordan Grabul, Iskra Grabul
«Me fascina el entorno creado por el hombre —continúa Xiao— Hay algunos temas que me interesan especialmente, como los lugares abandonados, la arquitectura brutalista, los monumentos de hormigón masivo, las torres, búnkeres, túneles subterráneos y ese tipo de estructuras urbanas. Son lugares que están vacíos y misteriosamente silenciosos por la noche y en la oscuridad […] Aunque en realidad hablan por sí mismos, esperando que descubramos y escuchemos sus historias«.
Tjentište (Тјентиште) Nombre: Complejo de monumentos conmemorativos de la batalla de Sutjeska en el Valle de los Héroes Ubicación: Tjentište, República de Srpska, Bosnia y Herzegovina Año de construcción: 1971 Diseñadores : Miodrag Živković, Ranko Radović
La fotógrafa, que se describe a sí misma como una exploradora urbana, viajera, diseñadora y fotógrafa de arquitectura y light painting, confiesa que nunca conoció esos lugares cuando estaban habitados, ni tampoco sabe cuál será su futuro, «así que lo único que puedo hacer es apreciar el momento en que los visito y ser testigo del estado actual de su círculo vital. Documentar esos lugares sin más no es mi pretensión. Controlando la luz y el tiempo a través de la fotografía de pintura con luz, quiero recrearlos y construir una conexión entre nosotros. En mis fotos se transforman y generan escenas únicas que me pertenecen sólo a mí«.
Buzludzha (Бузлуджа) Nombre: Buzludzha Ubicación: Stara Zagora Province, Bulgaria Año de construcción: 1971-1981 Diseñador : Georgi Vladimirov Stoilov
El proyecto, como podéis ver, es una mezcla de fotografía de lugares abandonados (conocida como Urbex) con la técnica de la pintura de luz. Y el resultado unas llamativas imágenes conseguidas a base de pintar con luz en estos lugares normalmente solitarios, sobre todo porque en su mayoría son escenas nocturnas.
Oteševo (Отешево) Nombre: Monumento a la Conferencia del Partido de Prespa (Споменик за Преспанското советување) Ubicación: Oteševo, Macedonia Año de finalización: 1973 Diseñadores: Jordan Grabul, Boro Josifovski
Dependiendo de la toma, la artista mezcla pequeñas luces con las que crea estelas de diferentes tipos, con una iluminación más general que afecta a zonas más amplias que tiñe de color. En muchos casos también se añade un cielo espectacular, con llamativas luces de colores o rastros de estrellas, incluido algún cielo con rastros circumpolares.
Tjentište (Тјентиште) Nombre: Complejo de monumentos conmemorativos de la batalla de Sutjeska en el Valle de los Héroes Ubicación: Tjentište, República de Srpska, Bosnia y Herzegovina Año de construcción: 1971 Diseñadores : Miodrag Živković, Ranko Radović
Además, esa figura humana que aparece en casi todas las fotos sugiere esa conexión entre el edificio abandonado y el hombre que Xiao pretende crear de alguna forma en sus imágenes.
Podgarić Nombre: Monumento a la Revolución del Pueblo de Moslavina (Spomenik Revolucije Naroda Moslavine) Ubicación: Podgarić, Croacia Año de finalización: 1967 Diseñadores : Dušan Džamonja, Vladimir Veličković
Curiosamente os interesará saber que Xiao es originaria de China pero vive en España (concretamente en Mataró) desde 2018. Nosotros sólo podemos alegrarnos de ello, felicitarle por sus fotografías y agradecerle que nos haya dejado compartirlas con todos vosotros.
Nombre: Monumento a las Víctimas del Fascismo (‘Noveno Fuerte y Monumento’) Ubicación: Kaunas, Lithuania Año de finalización: 1984 Diseñador: Alfonsas Vincentas Ambraziūna s
Popina (Попина) Nombre: Popina Monument Park (‘Mausoleo de los insurgentes caídos’; ‘El francotirador’) Ubicación: Štulac, Serbia Año de finalización: 1981 Diseñador : Bogdan Bogdanović
Kosmaj (Космај) Nombre: Monumento a los soldados caídos del destacamento de Kosmaj (Споменик борцима Космајског одреда) Ubicación: Kosmaj Mountain Park, Serbia Año de finalización: 1971 Diseñadores : Vojin Stojić, Gradimir Medaković
Gyumri Nombre: Fuente de hierro Gyumri Ubicación: Gyumri, Armenia Año de finalización: 1982 Diseñador : Artur Tarkhanyan
Landmarke Lausitzer Seenland Nombre: Landmarke Lausitzer Seenland Ubicación: Senftenberg, Germany Año de construcción: 2008 Diseñador: Architektur & Landschaft Stefan Giers
Petrova Gora Nombre: Monumento al levantamiento del pueblo de Kordun y Banija Ubicación: Petrova Gora National Park, Vojnić, Croatia Año de finalización: 1981 Diseñador: Vojin Bakić
Barutana (Барутана) Nombre: Monumento a los caídos de la región de Lješanska Nahija Ubicación: Barutana, Montenegro Año de finalización: 1980 Diseñador: Svetlana Kana Radević
Sisak Nombre: Monumento al Destacamento en el Bosque de Brezovica Ubicación: Novo Selo Palanječko, Croacia Año de finalización: 1981 Diseñador : Želimir Janeš
Corazón de Jesús Nombre: Corazón de Jesús Ubicación: Gordon Hill en el condado de Harghita, Transylvania, Romania Año de finalización: 2011 Diseñador : Walter Zawaczky
Gevgelija (Гевгелија) Nombre: Monumento a la Libertad o ‘La Flor de la Libertad’ (Цветот на слободата) Ubicación: Mrzenski Hill en Gevgelija, Macedonia Año de finalización: 1969 Diseñadores: Jordan Grabul , Blagoj Kolev
Crematorio de Kiev Nombre: Crematorio de Kiev Ubicación: Kyiv, Ucrania Año de finalización: 1982 Diseñador: A. Miletski
Parque Treptower Nombre: Soviet War Memorial (Treptower Park) Ubicación: Berlín, Alemania Año de finalización: 1949 Diseñador: Yakov Belopolsky
Monumento de la estrella Nombre: Monumento a la estrella Qukës-Pishkash Ubicación: Librazhd – Përrenjas, Albania Año de finalización: 1978 Diseñador: Perikli Çuli
Aparan Nombre: Monumento a la batalla de Bash-Aparan Ubicación: Aparan, Armenia Año de finalización: 1979 Diseñador : Rafael Israelyan
Kruševo (Крушево) Nombre: Ilinden Memorial (Споменик „Илинден“) o ‘Makedonium’ (Македониум) Ubicación: Gumenja Hill en Kruševo, Macedonia Año de finalización: 1974 Diseñador s: Jordan Grabul, Iskra Grabul
Xiao Yang | Página web | Instagram | Facebook
Foto de portada | Buzludzha (Бузлуджа) Nombre: Buzludzha; Ubicación: Stara Zagora Province, Bulgaria; Año de construcción: 1971-1981; Diseñador : Georgi Vladimirov Stoilov.
Todas las fotografías de Xiao Yang reproducidas con permiso de la autora para este artículo
INVIERNO: ENERO Y FEBRERO CERRADO
Del 17 de Septiembre al 29 de Junio
Sábados, Domingos y festivos de 11:00 a 14 y de 17:00 a 20:00 h.
VERANO: Del 30 de Junio al 15 de Septiembre
De Miércoles a Domingo de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 19:00 h.
Como cada año, el Real Observatorio de Greenwich, en colaboración con la revista BBC Sky at Night, convoca su concurso ‘Astronomy Photographer of the Year‘ en busca de las mejores fotos astronómicas, esas que nos muestran el cielo y lo que hay más allá. Pues bien, el que es probablemente el certamen más prestigioso de esta disciplina ha desvelado un adelanto de los finalistas de su decimotercera edición.
Hace unos meses que os enseñamos las fotos ganadoras de la última edición y ahora podemos ver algunas de las que aspiran a llevarse el premio de este año. Desde una puesta de sol capturada por el Rover Curiosity que la NASA llevó a Marte, hasta una instantánea del paso del cometa Neowise sobre Stonehenge, pasando por fascinantes auroras boreales o una foto de la trayectoria de la Luna sobre los tejados de París tomada durante el confinamiento.
The Star Observer © Antoni Cladera Barceló. Finalista en el concurso Astronomy Photographer of the Year 2021.
También tomas en las que la Vía Láctea es protagonista, como ‘The Star Observer‘ obra del español Antoni Cladera Barceló y que es una de las finalistas que optarán al premio principal de diez mil libras esterlinas. En total, y a pesar de ser un año complicado, la organización dice haber recibido más de 4.500 entradas de fotógrafos aficionados y profesionales de 75 países de todo el mundo.
El próximo 16 de septiembre se anunciarán los ganadores definitivos, incluyendo los de las distintas categorías, los especiales y el premio principal al «Fotógrafo astronómico del año». De momento, os dejamos con los finalistas ahora desvelados:
The Milky Way on the Ancient Village © Zhang Xiao
Star trails over the Lujiazui City Skyline © Daning Kai
The Full Moon in Moscow © Anna Kaunis
The Eyes of Clavius © Thea Hutchinson
The Exceptionally Active Ion Tail of Comet 2020F8 SWAN © Gerald Rhemann
Glory of Damavand and Milky Way © Masoud Ghadiri
The Magnetic Field of our Active Sun © Andrew McCarthy
Moonrise over Jodrell Bank © Matt Naylor
The Rose © Josep Drudis
Bicolour Veil Nebula © Péter Feltóti
The Soul of Space (Close-up of the Soul Nebula) © Kush Chandaria
Star Fall © Wang Zheng
The Tumult of the Sun © Hassan Hatami
Aurora in Murmansk © Vitaliy Novikov
Waterfall © Anna Dobrovolskaya-Mints
Saturn at its Best © Damian Peach
A Daytime Transit © Andrew McCarthy
Proximity © Péter Feltóti
Comet Neowise over Stonehenge © James Rushforth
Château de Chambord © Benjamin Barakat
Dolphin Head Nebula © Yovin Yahathugoda
Dugi Otok – Variant A © Ivan Vucetic
Milky Way rising over Durdle Door © Anthony SullivanGlory of Damavand and Milky Way © Masoud Ghadiri
NGC 3981 © Bernard Miller
Harmony © Stefan Liebermann
Path of the Full Moon above the Sleeping City © Rémi Leblanc-Messager
Luna Park © Ed Hurst copia
Pleiades Sisters © Jashanpreet Singh Dingra
Martian Sunset © John White
Star Watcher © Yang Sutie
Moonrise over Jodrell Bank © Matt Naylor
Más información | The Royal Observatory Greenwich
Foto de portada | ‘Iceland Vortex’ de Larryn Rae. Finalista del Astronomy Photographer of the Year 2021
Una vez más la AFV se complace en invitarles a un nuevo JUEVES FOTOGRÁFICO. En esta ocasión el audiovisual:
«Sicilia…todo ARTE» cuyo autor es nuestro socio Ángel Barbero Cubas
Jueves 17 de Junio de 2021 a las 20:00 h
CENTRO CÍVICO JOSÉ LUIS MOSQUERA. C/ PÍO DEL RÍO ORTEGA 13. VALLADOLID
Os esperamos…
Exposición retrospectiva del fotoperiodista Enrique Cano, en la que se recogen 30 años de su trayectoria profesional (de 1977 a 2007), que le llevó a trabajar para medios como Diario 16, El Independiente o la Agencias Cover.
Enrique Cano (Madrid, 1957) es uno de los miembros más destacados de una brillante generación de reporteros gráficos que llegó al oficio pocos años antes de la muerte de Franco en 1975, y protagonizó el periodo que va desde los primeros años de la Transición hasta la victoria del PSOE en 1982, renovando por completo el panorama del fotoperiodismo.
Más allá del acontecimiento mediático puntual, a Enrique Cano siempre le han interesado otros aspectos de la realidad cotidiana, algo vinculado a su compromiso profesional y sociocultural. Esto se refleja en las imágenes de la exposición, que muestran desde manifestaciones políticas de la época, a sucesos destacados e impactantes como el accidente de los niños del Colegio Vista Alegre de Vigo en el puente sobre el Órbigo de Santa Cristina de la Polvorosa al comienzo de la Semana Santa de 1979, o diferentes momentos de la movida madrileña.
La exposición también recoge una amplia muestra del Enrique Cano retratista, que ante todo persigue la naturalidad de aquellos a los que fotografiaba. Entre los retratados es posible ver imágenes de políticos como Adolfo Suárez, Alfonso Guerra o Enrique Tierno Galván, gente de la cultura como Rafael Alberti, Antonio Gala o Pedro Almodóvar, e incluso personajes conocidos a nivel mundial, como el Pape Juan Pablo II o Mick Jagger.
Las 75 imágenes, todas ellas publicadas en distintos medios de comunicación, buscan reflejar una trayectoria profesional que se inició a mediados de los años 70 del pasado siglo y se ha prolongado hasta los primeros años del siglo XXI, así como mostrar una manera muy personal de entender el fotoperiodismo.
Esta colección fotográfica ha sido donada por el propio Enrique Cano al Centro Documental de la Memoria Hístórica.
Enrique Cano llegó a la fotografía por casualidad, pues quería ser director de cine. Con la falta de escuelas pensó que la fotografía le permitiría aproximarse al cine, pero el destino ha querido que su larga trayectoria fuera en el fotoperiodismo y la fotografía documental.
En 1976 fundó la agencia Minor con un grupo de fotógrafos, con la intención de cubrir los cambios sociales y políticos de la Transición. Un año más tarde fundó la agencia Delta, con el mismo propósito pero con un objetivo más profesional. De 1994 a 1995 creó y dirigió Kappa Press en Buenos Aires, regresando a España para entrar como director en la desaparecida agencia Cover, donde se inició en la fotografía digital. Fundó y dirigió igualmente Digital Press (1996-2000), digitalizando los archivos de fotógrafos como Ramón Masats y Nicolás Muller.
Fue fotógrafo de los periódicos Libre (1978), Diario 16 (1978-86) y El Independiente (del que fue editor gráfico y jefe de fotografía de 1986 a 1991), así como de El País Semanal, el Magazine de El Mundo y las revistas Paisajes y Tiempo. Desde 1977 es miembro de la Asociación Nacional de Informadores Gráficos de Prensa.
De 1991 a 1992 desarrolló el proyecto fotográfico Razas caninas, un retrato de distintos tipos de perros clasificados según su carácter, por medio del cual buscó la esencia de cada animal. Para la revista Tiempo, realizó un amplio trabajo en Cuba sobre la vida y el trabajo de los habitantes de la isla. De 2010 a 2011 centró su actividad en el retrato de los 60 fotógrafos más influyentes de su generación; y en 2012, en los países de Oceanía y el Sudeste Asiático.
En el año 2000 participó en la exposición colectiva ’25 años después. Memoria gráfica de una Transición’ (Fundación Telefónica, Madrid); en 2008 presentó Personalmente (Fundación Diario Madrid), un resumen de sus 30 años de carrera como fotógrafo de prensa.
Entrada gratuita.
REAL CHANCILLERÍA
Calle Chancillería, 4
Horario:
Lunes Martes Miércoles Jueves Viernes Sábado Domingo
De 11:00 a 14:00
De 17:00 a 19:00
Durante todo el mes de Junio podéis visitar la exposición de doble temática: “Fotografía Nocturna» y “Retratos de Etiopía”.
En esta ocasión, además de mis fotografías, podréis contemplar algunos objetos que me acompañaron en mi regreso de este sorprendente país. Como complemento, una proyección explicativa detalla algunas de sus tradiciones.
En la Sala de Exposiciones de la Oficina de turismo de Ampudia (Palencia)Antiguo Hospital de la Clemencia.
De martes a domingo, de 10:30 a 13:30 y de 16:30 a 19:30
La Fundación Mapfre de Madrid ha presentado la exposición retrospectiva sobre Bill Brandt, uno de los fotógrafos británicos más influyentes del siglo XX. A través de 186 positivos originales conoceremos a fondo el estilo de un autor que se reconoció deudor de Atget y que renegó de su sangre alemana por su antipatía hacia el régimen nazi.
Bill Brandt es quizás uno de los fotógrafos que mejor han trabajado en el laboratorio para buscar un estilo personal reconocible. No buscaba la realidad en sus copias, sino su forma de ver el mundo. Y esto es algo que no podemos separar de su trabajo.
A lo largo de la exposición que podemos ver en la Fundación Mapfre de Madrid conoceremos, como cuentan las primeras líneas de su biografía, a:
un hombre que amaba los secretos y los necesitaba. La cara que presentaba al mundo era la de un caballero nacido en Inglaterra, alguien que fácilmente podía armonizar en las carreras de Ascot que tanto le gustaba fotografiar.
El recorrido está dividido en seis secciones que nos permiten conocer todos los campos que tocó en la fotografía, desde la callejera hasta el desnudo o el retrato. Y en todos y cada uno de ellos el trabajo en el laboratorio se convierte en algo esencial.
No responde al patrón de los fotógrafos humanistas de mediados del siglo XX. Ni siquiera salía a buscar la imagen, sino que muchas veces se servía de la escenificación para conseguir sus objetivos. Muchos de los disparos callejeros que vemos están protagonizados por sus familiares y amigos.
Bill Brandt Tarde en Kew Gardens, 1932 Evening in Kew Gardens 25,24 x 20,48 cm Private collection, Courtesy Bill Brandt Archive and Edwynn Houk Gallery © Bill Brandt / Bill Brandt Archive Ltd.
Es una visión teatral de la vida cercana a su forma de ver el mundo. El espectador se siente atrapado al contemplar situaciones y personajes que parecen reales (ojo, muchas veces lo son) pero te cuesta distinguir si es momento real o imaginado.Es una visión teatral de la vida cercana a su forma de ver el mundo
Esta forma de trabajar, al principio de su carrera, marcará su trayectoria y definirá su estilo cuando se enfrente a los retratos y a los desnudos. Por ejemplo, cuando publicó ‘A night in London’ (1938), con la inspiración del trabajo de Brassai en París, utilizó a su familia y su entorno para conseguir un ambiente similar.
Bill Brandt Sirvienta y sirvienta segunda preparadas para servir la cena, 1936 Parlourmaid and Under-parlourmaid ready to serve dinner 23,81 x 20,32 cm Private collection, Courtesy Bill Brandt Archive and Edwynn Houk Gallery © Bill Brandt / Bill Brandt Archive Ltd.
Sus retratos se publicaron en varias revistas. Son contrastados, extraños y perfectos. Delatan el conocimiento que tenía de la persona que posaba para él. Era un fotógrafo con una formación exquisita y un gusto único para reconocer a las grandes personalidades. Y llegó a centrarse solo en los ojos de los personajes para contarnos cómo eran.
Bill Brandt Francis Bacon en Primrose Hill, Londres, 1963 Francis Bacon on Primrose Hill, London 25,40 x 20,32 cm Private collection, Courtesy Bill Brandt Archive and Edwynn Houk Gallery © Bill Brandt / Bill Brandt Archive Ltd.
Se enfrentaba al paisaje como un pintor. Si hubiera vivido en la actualidad sería, sin duda, un virtuoso del ordenador sin caer en los tópicos de algunos neopictorialistas. El contraste siempre está presente, con negros muy profundos. Y si necesitaba una doble exposición en el laboratorio, no tenía ningún problema en hacerlo.Si hubiera vivido en la actualidad sería, sin duda, un virtuoso del ordenador sin caer en los tópicos de algunos neopictorialistas.
El desnudo era su género favorito, tal como cuenta en la entrevista que podemos ver al final de la exposición. Incluso utilizó una cámara angular extrema, una Hasselblad que podemos ver, para generar esas distorsiones tan parecidas al trabajo de uno de sus escultores más admirados.
Bill Brandt Desnudo, Londres, 1952 Nude, London 22,86 x 19,37 cm Private collection, Courtesy Bill Brandt Archive and Edwynn Houk Gallery © Bill Brandt / Bill Brandt Archive Ltd.
En definitiva, estamos ante una exposición que no nos podemos perder para aprender y entender a uno de los mejores fotógrafos británicos (nacido alemán) del siglo XX. La Fundación Mapfre ha conseguido de nuevo atraer todas las miradas de los fotógrafos que entendemos que no somos nada si no conocemos el pasado. Y Bill Brandt es uno de los autores más modernos de la historia. Murió en 1983 pero podría pasar como un fotógrafo actual.
La exposición estará abierta hasta el 29 de agosto en la Fundación Mapfre Sala Recoletos (Paseo de Recoletos 23, Madrid).
