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Carlos Pérez Siquier, el fotógrafo que cambió la historia de la fotografía en España

murió Carlos Pérez Siquier, el penúltimo genio de una generación de la que se acordaron tarde. Recibió todos los premios posibles, tiene un museo propio y fue capaz de ver la luz del Mediterráneo como nadie. En cualquier otro país sería un día de duelo nacional, aquí solo nos acordamos todos los que aprendimos de él.

El mundo ha cambiado mucho. Hace 90 años, cuando él nació en su querida Almería, todo era distinto. El mundo de la cultura y del arte vivía su edad de plata cuando todo se cortó de raíz. La guerra entre hermanos frenó en seco a la sociedad. Y su tierra se quedó todavía más aislada.

Él era un aficionado a la fotografía, algo que nunca debemos olvidar. Su fuente de ingresos era la banca, un horario de ocho a tres con chaqueta y corbata. Pero luego ese mundo gris cambiaba. Los números desaparecían y miraba directamente a la luz.

Hoy estamos todavía abandonados sin su mirar. Además no puedo ver sus libros para recordarle porque están guardados en el fondo de un trastero. Pero tenemos la memoria e internet para ver de nuevo sus trabajos, desde ‘La Chanca’ que le abrió las puertas hasta sus últimos disparos en el color que tanto le gustaron a Martin Parr.

El hombre que revitalizó la fotografía en España

A muchas personas, los más jóvenes del lugar, les costará entender todo lo que hicieron Carlos Pérez Siquier y José María Artero García en Almería en 1956. Solo por eso ya merecerían estar en el altar de la fotografía.

Ellos dieron forma a la revista del grupo AFAL (Asociación Fotográfica ALmeriense). La asociación se presentó en 1950, pero en el año 1955, José María Artero fue el presidente y Carlos Pérez Siquier el secretario. Él fue la parte artística y Artero la intelectual. Y todo cambió para siempre desde uno de los extremos más recónditos de la península.

Contra viento y marea, contra las modas que imperaban entonces, ellos dos buscaban, escribían y encontraban a aquellos fotógrafos que tenían algo que decir más allá del pictorialismo y el salonismo que triunfaban entonces.

Carlos Pérez Siquier

Fotograma de ‘Azul Siquier’

Como escribimos con motivo de la exposición que tuvo la historia del grupo en el Reina Sofía:

Alguien conocía a alguien, conseguían su dirección postal, y le enviaban una carta que tardaba días en llegar. Si estaba conforme les enviaba fotografías para ser publicadas en la revista de una asociación de Almería… Si había algún problema o querías hacer alguna pregunta no quedaba más remedio que escribir de nuevo una carta, ir a Correos, comprar un sello y esperar a que llegara la contestación. Hoy nos parece un milagro, pero no deja de ser el germen de una red social fotográfica. Pero con una virtud. No había tiempo para tonterías y se iba directamente al grano. A la pura fotografía.

Fueron los renovadores de la fotografía y lograron reunir a los mejores fotógrafos de la época en una revista que marcó el antes y el después… Hasta llegar a aquel anuario de 1958 en el que todo tuvo que terminar por culpa del dinero. Pero la semilla estaba plantada.

La calidad del grupo les llevó a exponer fuera de nuestras fronteras. Y nunca se les ha reconocido lo suficiente todo lo que hicieron para alcanzar el nivel que tenemos hoy en día. Cuando ellos empezaron apenas había asociaciones… Hoy son incontables.

Carlos Pérez Siquier, el fotógrafo

Su estilo era directo. No había compasión ni crítica alguna en sus disparos. No era un dios omnisciente, sino que fotografiaba lo que le gustaba. Así lo hizo desde el principio, en ese reportaje de ‘La Chanca’ en blanco y negro y en todos los trabajos posteriores ya en color.

Desconozco si será cierto o formará ya parte de la leyenda, pero nunca utilizó un trípode ni quería saber nada del flash. Y su mirada evolucionó desde el reportaje clásico de los humanistas hasta los encuadres cerrados en los que el color era el protagonista.

Su estilo era directo. No había compasión ni crítica alguna en sus disparos. No era un dios omnisciente, sino que fotografiaba lo que le gustaba.

Se le puede reconocer por los colores que sacaba con su cámara. Una tonalidad saturada y limpia que bebía de la luz más difícil que solo podemos encontrar en Almería. Sus imágenes de la playa, cuando España se abrió al turismo, llamaron la atención de Martin Parr en la exposición que organizó en Nueva York en 2007:

El propósito de la exposición actual es demostrar que una cultura de fotografía en color igualmente viva en Europa operaba antes y durante los años 70. Este trabajo se había pasado por alto en gran medida, ya que no fue organizado como un movimiento, ni fue promovido por instituciones de alto perfil. Los coloristas estadounidenses que se dieron a conocer en los años 70 ahora disfrutan de un renacimiento, mientras que los equivalentes pioneros europeos siguen siendo relativamente oscuros.

Podemos encontrar muchas cosas sobre él en las redes, como el documental ‘Azul Siquier’ que espero que programen esta noche… ‘Detrás del instante’ le dedicó un capítulo en la primera temporada (ojalá llegue la tercera temporada)… Pero lo mejor será abrir un libro suyo y aprender todos los secretos de la fotografía. O ir a su museo

Era todo un personaje. Tuve la suerte de sentarme una vez a su lado y darle las gracias por existir. Nada sería igual si él no se hubiera esforzado tanto por mirar de una forma personal y sobre todo por comunicar y unir a todos los que tenían algo que decir con la cámara al hombro. Se ha ido uno de los mejores.

La crueldad de CHEMA MADOZ llega a Madrid: una nueva forma de mirar su obra.

Chema Madoz ha abierto la temporada fotográfica del Círculo de Bellas Artes de Madrid con su exposición ‘Crueldad’, una nueva revisión de su trabajo alejado de la poética a la que nos tenía acostumbrado. Es la misma obra, pero desde una perspectiva distinta que parece volverle más interesante.

Dentro de la fotografía española actual, Chema Madoz es uno de los pesos pesados. Además su estilo es totalmente reconocible e imposible de imitar. Fue capaz de encontrar una forma de mirar única e inimitable.

Es verdad que bebe de varias fuentes que hay que buscar, desde el surrealismo hasta Ramón Gómez de la Serna, pero ha formado un universo del que nunca ha salido. Si te gusta, sígueme; si no, no hay problema alguno. Es lo que parece decir con sus fotografías que vemos una y otra vez.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Ya no hay nada nuevo en su trabajo. A muchos ya no nos sorprende, pero seguimos mirando con la boca abierta las greguerías visuales que nos propone, aunque ya formen parte del paisaje cotidiano.

Por este motivo puede resultar muy interesante la nueva exposición del Círculo de Bellas Artes de Madrid, en la que los comisarios Juan Barja y Patxi Lanceros han sido capaces de ofrecer una nueva lectura de los disparos que ya no tienen la atención del primer encuentro.

UN VISTAZO A…

La crueldad de Chema Madoz

El reto parecía difícil. Chema Madoz siempre ha estado relacionado con la poesía visual, con la insinuación y las cosas sin sentido aparente. Para él un objeto siempre tenía otra respuesta, otra utilidad distinta a la que conocemos. Un poema visual.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Pero esta vez han logrado hacer desaparecer ese aire inocente, cándido y directo de sus fotografías y lo han llevado al lado opuesto. A un punto oscuro del que el propio autor era consciente, pero que no veía que nadie se atreviera a insinuar.

Es verdad que han tenido que recurrir, a veces, a las palabras propias de autores conceptualistas que no tienen nada que decir con la fotografía:

La fijeza ejemplar de lo que vemos en cada una de esas pro-yecciones, construcciones, montajes objetivos –el agudo rigor de sus matices, de las sombras y luces de los cuerpos que ahí se hacen presentes, que se muestran ya ‘de cuerpo presente’ a la mirada– induce reacciones en cadena: la creación como cre-acción, en la cual se empareja lo distinto y se disuelve, en cambio, lo que era unitario y común –lo parecía…–. O lo mismo leído de otro modo: la sucesión de sus analogías –la semejanza en lo desemejante– hace explotar el núcleo de la imagen que se articula en / por las diferencias que re-velan / des-velan lo que era, aun oculto, concreto, perceptible.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Han conseguido que miremos sus fotografías desde el otro lado. Y este nuevo prisma enriquece, y mucho, la obra de Chema Madoz. Ya no es el fotógrafo sonriente y educado al que estamos acostumbrados a ver. Tiene un lado oscuro maravilloso y tentador. Su inocencia es ironía y sus poemas son golpes en el estómago.Ya no es el fotógrafo sonriente y educado al que estamos acostumbrados a ver. Tiene un lado oscuro maravilloso y tentador. Su inocencia es ironía y sus poemas son golpes en el estómago.

En total son setenta y tres fotografías en la exposición y ciento dos en el catálogo que será un éxito de ventas. Con muy pocas imágenes inéditas. Blancos y negros perfectos, impolutos, realizados con luz natural de su estudio que no parece de fotógrafo, sino de escultor.

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

© Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2021

Y han añadido, para ‘abrir posibilidades de sentidos a partir de cada obra’, textos de autores famosos a cada una de las fotografías a través de un código QR. Aquel que no sepa sacar la información se lo perderá. Y es una buena idea, pero creo que complica enormemente un trabajo tan abierto a las interpretaciones como el de Chema Madoz.

Sus fotografías no necesitan explicación, solo una interpretación personal. Meter a autores tan diversos como Dante, Cesar Vallejo, Federico García Lorca, Samuel Beckett, G. W. F. Hegel, solo intelectualiza unas imágenes que eran de todos y que lo único que necesitan es que las miremos.

Hay que ir a ver la exposición. Si queremos podemos evitar los textos contaminantes, así podremos ver todas las fotografías sin límites (buena idea al fin y al cabo el código QR) pero siempre bajo el nuevo prisma de la crueldad. Y os aseguro que se disfrutan de nuevo. Ya nos contaréis…

  • Chema Madoz ‘Crueldad’
  • Sala Picasso Círculo de Bellas Artes de Madrid
  • 16.09.2021 > 21.11.2021
  • Entrada general 5€

Estas son las ocho cámaras con las que algunos maestros hicieron varias de las fotografías más icónicas de la historia

ÓSCAR CONDÉS@hoskarxataka

Que la cámara que usemos es lo de menos es un hecho pero, reconozcámoslo, a todos nos pica la curiosidad de saber con qué se ha hecho una fotografía que nos llama la atención. Si encima hablamos de fotos icónicas, de esas que son superconocidas y que han trascendido generaciones, realizadas por algunos de los grandes maestros de este arte, no me digáis que no os gustaría saber con qué cámara hicieron aquellas fotos.

Por supuesto aquí no se trata tanto de hablar del equipo usado, en sus diferentes marcas y formatos, ya que sin duda la importancia de la cámara se desvanece viendo las fotos que realizaron y la influencia que han tenido. Se trata más bien de rendir un homenaje a los fotógrafos y a su herramienta de trabajo: la cámara de fotos.

Fotografos Miticos

‘Edward Weston’ en la galería de Ur Cameras

Resulta curioso cómo antes un fotógrafo podía utilizar el mismo equipo durante muchos años. Hoy día tenemos una gran variedad de dispositivos que se actualizan prácticamente todos los años, y resulta triste ver como la gente se preocupa más de tener lo último en tecnología en vez de hacerlo por intentar sacar el mayor partido a lo que tiene. ¿A quién le importa si las cámaras que vamos a ver eran las mejores de aquel momento cuando fueron capaces de captar fotos míticas?

‘Niña afgana’ de Steve McCurry: Nikon FM2 (1984)

Nikon Fm2

Foto de Sshjs930 compartida en Wikimedia

Comenzamos con una cámara que curiosamente está de actualidad gracias a que Nikon ha resucitado su espíritu a través de la Nikon Z fc. La Nikon FM2 original, la de carrete, fue la cámara con la que el famoso Steve McCurry capturó a una joven agfana. Una foto mítica que se publicó en 1985 en la portada de National Geographic y pasa por ser uno de los retratos más icónicos de la historia.

Sharbat Gula

Esta cámara fue utilizada por numerosos fotoperiodistas gracias a su fiabilidad en la era analógica y aún hoy día tiene muchos adeptos (y no se encuentra barata).

‘Tras la estación St. Lazare’ de Henri Cartier-Bresson: Leica II (1932)

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Foto de Kameraprojekt Graz 2015 compartida en Wikimedia Commons

Históricamente conocido como uno de los fotógrafos más influyentes de nuestro tiempo, Henri Cartier-Bresson elevó la práctica de la fotografía a la categoría de arte. Pues bien, os interesará saber que para él los aspectos técnicos de la fotografía carecían de importancia.

Tras La Estacion St Lazare

Esta icónica imagen (y muchas otras de las suyas) fueron realizadas con una «sencilla» Leica II, un modelo efectivo y muy discreto que le permitía «perderse» discretamente por las calles y pasar desapercibido mientras realizaba fotografías que hoy nos parecen asombrosas.

‘’V-J Day in Times Square’ de Alfred Eisenstaedt: Leica III (1945)

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Foto de Hustvedt compartida en Wikimedia

El fotoperiodista Alfred Eisenstaedt se encontraba deambulando por la calle con una Leica IIIa al cuello en busca de una imagen significativa de las celebraciones de la victoria sobre Japón en en la Segunda Guerra Mundial (el 14 de agosto de 1945) cuando se topó con un instante mítico.

V J Day In Times Square

Tal y como contamos, vio como un marinero agarraba a una enfermera en Times Square, la inclinaba hacia atrás y la besaba apasionadamente. Todo sucedió de forma rápida y espontánea por lo que el fotógrafo tuvo que ser muy rápido en disparar. Su pericia, y el conocimiento de la cámara que utilizaba, le valieron para capturar una de las imágenes más icónicas del siglo XX que fue portada la la revista Time.

‘La madre migrante’ de Dorothea Lange: Graflex Super D (1936)

Graflex Rb Super D Automatic

Foto de Christophe Frot compartida en Flickr

Otra imagen mítica que se convirtió en un símbolo de las dificultades que sufrió gran parte de la población estadounidense durante la Gran Depresión. Dorothea Lange, también conocida como «la fotógrafa del pueblo», fue una de las encargadas por la Farm Security Administration para documentar las migraciones que tuvieron lugar en aquellos años.

Migrant Mother

La cámara que utilizó para retratar a Florence Owens era una enorme Graflex Super Dun híbrido entre una cámara de campo y una de estudio. Precisamente, Dorothea fue una de las precursoras de que la fotografía saltara desde los estudios a la calle.

‘Gemelas idénticas’ de Diane Arbus: TLR Rolleiflex 6×6 (1967)

Rolleiflex F2 8 F

Imagen de Sputniktilt compartida en Wikimedia

Diane Arbus estaba obsesionada por fotografiar a sujetos extraños, inusuales, excéntricos y extraordinarios. Esta predilección le llevó a retratar a una amplia gama de personas y lograr fotos muy llamativas, entre las que destacó esta de dos gemelas idénticas.

Identical Twins Roselle New Jersey 1967

Para realizarla, Arbus usó una de esas míticas cámaras con doble objetivo y visor superior que permite evitar el contacto visual directo con el sujeto. En concreto esta toma se hizo con una Rolleiflex TLR con película de 120 y formato 6×6; un modelo similar al que usaban otras famosas fotógrafas como Gerda Taro y Vivian Maier.

‘John Lennon y Yoko Ono’ de Annie Leibovitz: Polaroid instantánea (1980)

Polaroid Sx 70 Land Camera Model 2 Instant Camera

Imagen de Jonathan Mauer compartida en Wikimedia

Conocida por sus numerosos imágenes de políticos, artistas, deportistas y personalidades de todo tipo, una de las fotos más conocidas de Annie Leibovitz es este retrato de un duo mítico para la cultura popular. La imagen fue portada de la revista Rolling Stone en enero de 1981 y se realizó sólo unas horas antes de que John Lennon fuera asesinado.

Leibovitz Lennon Yoko Ono Rolling Stone

Curiosamente, como prueba de que la cámara es lo de menos cuando la imagen tiene fuerza, fue realizada con una simple cámara instantánea, el tipo que solía usar la fotógrafa. No está claro cuál fue el modelo concreto pero, por la fecha, bien podría ser una Polaroid SX-70 o una Polaroid 600SE.

‘Guerrillero Heroico’ de Alberto Korda: Leica M2 (1960)

Leica M2

Imagen de Shane Lin publicada en Flickr

Otra imagen icónica de la historia, base de una silueta que hemos visto en miles de camisetas por todo el planeta. La foto del carismático revolucionario Ernesto “Che” Guevara fue tomada por Alberto Korda con una Leica M2 durante un acto conmemorativo y se convirtió en un símbolo.

Chehigh

Las Leica fueron una de las cámaras más populares entre los fotoreporteros por su calidad y portabilidad, y ésta en concreto sirvió a Korda para realizar este primer plano de la figura del popular guerrillero gracias al uso de un objetivo de 90 mm.

‘Invasión de Praga’ de Josef Koudelka: Exakta Varex (1968)

Exakta Varex Vx 135 Film Slr Camera

Foto de Chia Ying Yang compartida en Wikimedia

Al regresar de un viaje a Rumania en 1968, Josef Koudelka llegó a Praga justo un día antes de que la Unión Soviética invadiera el país para retornarlo a la disciplina comunista. Durante una semana el gran fotógrafo checo documentó sin descanso los hechos que sucedieron en la ciudad con su Exakta Varex, una réflex de 35mm que se fabricó en la Alemania del Este entre 1951 y 1956.

Invasion De Praga

El fruto de aquel trabajo son un montón de imágenes icónicas, una de las más populares ‘Hand and wristwatch‘, en la que vemos un reloj de pulsera sostenido como si el usuario estuviera mirando la hora; al fondo hay una calle tranquila y vacía, pero el reloj muestra la hora exacta en que comenzó la invasión soviética.

Uno de los ‘hombres de la viga’ de la famosísima fotografía tomada en el rascacielos Rockefeller Center de Nueva York era vasco

Con esto hemos acabado de repasar las cámaras con las que se hicieron algunas fotos icónicas de la historia. Como decíamos al principio, esto no pretende ser nada más que un homenaje a las herramientas utilizadas para crearlas y, de paso, demostrar, que hacer buenas fotografías va mucho más allá del equipo que se utiliza.

Fuente | Light Stalking

Cuando una fotografía antigua desveló el misterio de una de las pinturas negras de Goya

‘Perro semihundido’ de Francisco de Goya es uno de los cuadros más analizados del mundo. Ha marcado a muchas generaciones de artistas y espectadores del museo del Prado, donde se encuentra. La pregunta siempre está en el aire ¿Qué es lo que vemos? Las respuestas son infinitas, pero gracias a una fotografía que hizo Jean Laurent de la obra en su espacio original en 1874, la solución es muy sencilla. Hay veces que nos gusta complicarnos la vida.

Las ‘Pinturas negras’ de Goya adornaban su casa de campo conocida como la Quinta del Sordo. Estaba cerca del río Manzanares, por la zona del puente de Segovia, cerca de la sala La Riviera. Era una finca que compró y en la que residió antes de su exilio. En los muros de aquella casa pintó los famosos cuadros que ahora reciben miles de visitas en el Museo del Prado.

Estaban pintadas directamente sobre el yeso seco, sin ningún tipo de preparación. Algunos especialistas afirman que no fueron pintadas para perdurar… Los herederos del pintor vendieron la quinta y un aristócrata francés la compró. Pero antes de derribar el edificio decidió salvar las pinturas.

La técnica elegida para hacer el traslado a lienzo desde el muro se llama strappo, y resultó muy dañina para las pinturas. Algunos cuadros perdieron materia pictórica y esto originó el mito imposible del genial ‘Perro semihundido’.

Perro Semihundido (From Wikimedia Commons, the free media repository)

Fotografía original de Jean Laurent (Wikimedia Commons)

Las fotografías que hizo Jean Laurent en la casa, en 1874, han servido para descubrir cómo eran realmente. Y puede decirse que son un hito en la historia de la fotografía porque es de las primeras veces que se utilizó luz artificial para iluminar una fotografía.UN VISTAZO A…Así fue la primera memoria USB de la historia

El verdadero significado de ‘Perro semihundido’ y la innovadora técnica fotográfica

La técnica strappo es muy agresiva y siempre provoca pérdida de información. Y en el caso de ‘Perro semihundido’, el resultado hizo que los expertos teorizaran mil y una veces sobre el genial cuadro.

Que si era una metáfora sobre la situación política de entonces, que si estábamos ante la representación de la soledad del pintor o un ejemplo freudiano, kantiano… de la enfermedad mental…

Ya en 1996, José Manuel Arnaiz escribió en su libro ‘Las pinturas negras de Goya’ que la fotografía de Laurent desvelaba todo el misterio.

Perro Semihundido (De Wikimedia Commons, el repositorio multimedia libre)

Detalle (Wikimedia Commons)

Si nos fijamos en la fotografía que hizo Jean Laurent antes del levantamiento de la pintura observamos que el perro simplemente está mirando el revoloteo de dos pájaros. Es una escena campestre pintada de forma sensacional.Así que no hay que darle más vueltas. Solo vemos a un perro en el campo mirando dos pájaros.

Goya, si contemplamos sus cuadros, amaba profundamente a los perros y odiaba a los gatos. Los cánidos siempre son amables y los felinos salen siempre ariscos… Así que no hay que darle más vueltas. Solo vemos a un perro en el campo mirando dos pájaros.

La magia de la fotografía de Jean Laurent

Y todo es tan sencillo gracias a la fotografía. Por cierto, 15 fotografías (de los 14 cuadros) que supusieron un reto técnico de enormes dimensiones según podemos leer en el estudio de Raquel Esteban Vega. Las fotografías se hicieron en agosto de 1874.

En dicho estudio, descubrimos que para hacer estas fotografías Jean Laurent utilizó un complejo sistema de luz artificial para registrar las famosas pinturas.

Sistema de iluminación de arco voltaico

Ilustración del estudio de Raquel Esteban Vega ‘Las fotografías de J. Laurent de las Pinturas negras’

No sabemos si el trabajo se lo encargó Salvador Martínez Cubells, el restaurador del entonces Museo Nacional de Pintura y Escultura, o el barón d’Erlanger, dueño de la finca, que quería venderlas en Francia (afortunadamente nadie las quiso comprar y las donó al Prado).

Los negativos de cristal de 27×36 cm son de colodión húmedo, un proceso que exigía preparar la superficie sensible in situ y revelarla antes de que se secara. Y como estaban en las paredes, no podía sacarlas para iluminarlas correctamente.

Así que utilizó un sistema que ya había probado años atrás el mismo Nadar en Francia y que él estaba experimentando desde hace tiempo, las lámparas de arco voltaico y pila tipo Bunsen:

El funcionamiento del sistema partía de la energía generada por pilas de
Bunsen que transmitían la corriente a lámparas de arco voltaico, también llamadas de carbón, cuya intensidad lumínica era constante gracias a la acción de un regulador que mantenía invariable la distancia entre los dos bornes de la lámpara según estos se iban consumiendo.

Perro Semihundido

‘Perro semihundido’ (Wikimedia Commons)

Era evidentemente luz continua, necesaria para compensar la oscuridad de las pinturas y del espacio donde se encontraban, además de la poca sensibilidad del colodión húmedo.

Muchas veces la historia del arte toma un camino u otro por diversos motivos ajenos al arte… Todo depende de la interpretación de un autor reconocido o un hecho ajeno a la valoración artística, como el robo que convirtió a la Gioconda en el cuadro más famoso.

En este caso todas las divagaciones no hubieran sido necesarias si alguien se hubiera fijado antes en unas fotografías perfectas que tomó un autor francés que vivía en España y que registró casi todo nuestro patrimonio artístico. Gracias a él sabemos que no estamos viendo la decadencia o el horror, solo a un perro feliz.

Cuando las cosas se hacen bien en la televisión pública: ‘Detrás del instante’

Ha terminado ya la segunda temporada de ‘Detrás del instante’, la serie documental de Xavier Baig y Jordi Rovira, producida por RTVE en colaboración con REC Produccions, sobre la vida y obra de los fotógrafos españoles. A lo largo de 13 capítulos nos han descubierto qué es realmente la fotografía. Una buena noticia sería que anunciaran ya la tercera…

‘Detrás del instante’ se está convirtiendo en una de las mejores series documentales en español sobre el arte que nos apasiona a todos los que escribimos y leemos Xataka Foto.

La fotografía no consiste solo en máquinas y técnicas digitales; tampoco vive exclusivamente de imágenes virales que se olvidan al instante, en cuanto aparece otra más impactante… La fotografía es una trabajo y una pasión. Y ellos lo han dejado claro.

Detrás del instante

El capítulo de Tino Soriano

En los últimos tiempos cada vez es más frecuente encontrar en las redes grupos de fotógrafos que atacan a los demás por no pensar como ellos o por escribir en medios ajenos, simplemente por ‘crear polémica’ (como nos dijeron textualmente)… ‘Detrás del instante’ demuestra que la pura fotografía es trabajo, trabajo y más trabajo y pensar en el bien común.

Tino SorianoIsabel MuñozEstela de CastroMarisa FlórezGonzalo Azumendi… son algunos de los autores que nos han contado la historia de una de sus fotografías más representativas y luego hemos descubierto su trayectoria personal y profesional. Y como ocurre con las buenas películas, nos quedamos con ganas de más.

‘Detrás del instante’ y su papel en la historia de la fotografía

Uno de los tesoros más grandes que tengo en mi videoteca personal son algunos de los documentales de fotografía que he ido consiguiendo a lo largo de mi vida por distintos medios. Muchos los he comprado, como todos los dedicados a Henri Cartier Bresson, otros los grabé en VHS y algunos me los han pasado los propios autores.

Detrás del instante

El capítulo de Kim Manresa

Ahí tengo la maravillosa serie de Momeñe que siempre digo que hay que recuperar para todo el mundo, o cualquiera de las series de la BBC (la referencia en este campo) en las que muchos descubrimos aspectos desconocidos de la historia de la fotografía.

Dentro de mi colección tengo ya (espero que no desaparezca Rtve A la carta) las dos temporadas de ‘Detrás del instante’. Es una serie accesible para todos los públicos, no solo los aficionados a este mundo.

Detrás del instante

El capítulo de Isabel Muñoz

Cualquiera puede entender que el trabajo de los personajes entrevistados es fruto del esfuerzo, de la búsqueda y sobre todo de las ganas de trasmitir y cambiar la forma de ver las cosas. Todos tienen un estilo propio. Y no lo han conseguido después de estar tres meses en una academia televisada 24 horas ni por ser alguien en las redes sociales.

En esta serie documental cuenta que nada es gratis, que el esfuerzo y el trabajo son los mejores caminos para conseguir ser reconocido. Isabel Muñoz es incansable, Tino Soriano empezó a trabajar en otras cosas para conseguir su sueño de viajar, Victor Lax se reinventó para salir de la crisis económica que le dejó sin ingresos…

Algunos capítulos los pondría en los institutos donde algunos creen que el éxito solo depende de los seguidores que tengas. Parezco un abuelo cebolleta pero es así. Además tenemos desde autores consagrados como Fontcuberta, con todo su discurso detrás hasta Estela de Castro, una de las autoras más prometedoras del panorama.

Detrás del instante

El capítulo de Estela de Castro

rezuma por todos lados un amor infinito a la fotografía: la búsqueda de las historias, del material fotográfico, las anécdotas, la forma de grabar a pesar de todos los problemas de la pandemia… En cada uno de los documentales encontramos a los compañeros de trabajo del entrevistado que nos ayudan a comprender la forma de mirar del protagonista.

En definitiva, estamos ante una serie documental que debería tener más temporadas. Hay cientos de fotógrafos que no conocemos, escuelas y corrientes de los que se sabe poco…

A algunos de los fotógrafos que han salido esta temporada los conozco personalmente y me he quedado con ganas de conocer a Fontcuberta, a Kim Manresa y a ese torbellino que es Gonzalo Azumendi… Y a juzgar por lo que hemos leído a nuestros lectores, muchos habéis terminado con la misma sensación… La serie ha sido un éxito.

¿Os imagináis que además de las biografías de autores recientes nos cuentan de la misma forma la historia de Alfonso, de Catalá Roca, de la escuela de Madrid o

Detrás del instante

la inolvidable AFAL…? ¿O qué simplemente nos descubren a más autores y su forma de trabajar?

Ojalá podamos volver a ver nuevo material la temporada que viene.

ETERNAL MONUMENTS In The Dark

ÓSCAR CONDÉS@hoskarxataka

En los últimos nueve años he viajado por todo el mundo para capturar monumentos por la noche. Principalmente en países de la ex Yugoslavia, la ex Unión Soviética y Europa del Este. Muchos de ellos hoy en día han sido abandonados y descuidados… Así comienza Xiao Yang su descripción sobre ‘Eternal Monuments In The Dark’, un curioso proyecto que muestra lugares abandonados que cobran un nuevo aspecto en sus fotos gracias, sobre todo, al light painting.

«Mi viaje comenzó en 2012 cuando visité el monumento comunista Buzludzha en Bulgaria. Desde entonces he explorado más de 40 países del mundo, centrándome en fotografiar lugares abandonados, monumentos, arquitectura brutalista y modernista soviética […] Quiero capturar y recrear su eterna belleza. Crear surrealismo a partir de la realidad es un juego fascinante que siempre me motiva a seguir explorando«.

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Čačak (Чачак) Nombre: Mausoleo de lucha y victoria Ubicación: Čačak, Serbia Año de finalización: 1980 Diseñador: Bogdan

El monumento que menciona Xiao es el que habéis visto en la foto de portada, y que parece un platillo volante de hormigón armado que ha aterrizado en lo alto de una montaña. Un claro ejemplo de arquitectura soviética que ahora se encuentra abandonado a su suerte, como muchos otros lugares que aparecen en las fotos, y que fueron capturados en Croacia, Serbia, Bosnia y Herzegovina, Macedonia, Montenegro, Bulgaria, Rumania, Armenia, Letonia, Lituania, Albania, Ucrania y Alemania.

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Kruševo (Крушево) Nombre: Ilinden Memorial (Споменик „Илинден“) o ‘Makedonium’ (Македониум) Ubicación: Gumenja Hill en Kruševo, Macedonia Año de finalización: 1974 Diseñador s: Jordan Grabul, Iskra Grabul

«Me fascina el entorno creado por el hombre —continúa Xiao— Hay algunos temas que me interesan especialmente, como los lugares abandonados, la arquitectura brutalista, los monumentos de hormigón masivo, las torres, búnkeres, túneles subterráneos y ese tipo de estructuras urbanas. Son lugares que están vacíos y misteriosamente silenciosos por la noche y en la oscuridad […] Aunque en realidad hablan por sí mismos, esperando que descubramos y escuchemos sus historias«.

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Tjentište (Тјентиште) Nombre: Complejo de monumentos conmemorativos de la batalla de Sutjeska en el Valle de los Héroes Ubicación: Tjentište, República de Srpska, Bosnia y Herzegovina Año de construcción: 1971 Diseñadores : Miodrag Živković, Ranko Radović

La fotógrafa, que se describe a sí misma como una exploradora urbana, viajera, diseñadora y fotógrafa de arquitectura y light painting, confiesa que nunca conoció esos lugares cuando estaban habitados, ni tampoco sabe cuál será su futuro, «así que lo único que puedo hacer es apreciar el momento en que los visito y ser testigo del estado actual de su círculo vital. Documentar esos lugares sin más no es mi pretensión. Controlando la luz y el tiempo a través de la fotografía de pintura con luz, quiero recrearlos y construir una conexión entre nosotros. En mis fotos se transforman y generan escenas únicas que me pertenecen sólo a mí«.

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Buzludzha (Бузлуджа) Nombre: Buzludzha Ubicación: Stara Zagora Province, Bulgaria Año de construcción: 1971-1981 Diseñador : Georgi Vladimirov Stoilov

El proyecto, como podéis ver, es una mezcla de fotografía de lugares abandonados (conocida como Urbex) con la técnica de la pintura de luz. Y el resultado unas llamativas imágenes conseguidas a base de pintar con luz en estos lugares normalmente solitarios, sobre todo porque en su mayoría son escenas nocturnas.

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Oteševo ​​(Отешево) Nombre: Monumento a la Conferencia del Partido de Prespa (Споменик за Преспанското советување) Ubicación: Oteševo, Macedonia Año de finalización: 1973 Diseñadores: Jordan Grabul, Boro Josifovski

Dependiendo de la toma, la artista mezcla pequeñas luces con las que crea estelas de diferentes tipos, con una iluminación más general que afecta a zonas más amplias que tiñe de color. En muchos casos también se añade un cielo espectacular, con llamativas luces de colores o rastros de estrellas, incluido algún cielo con rastros circumpolares.

P4

Tjentište (Тјентиште) Nombre: Complejo de monumentos conmemorativos de la batalla de Sutjeska en el Valle de los Héroes Ubicación: Tjentište, República de Srpska, Bosnia y Herzegovina Año de construcción: 1971 Diseñadores : Miodrag Živković, Ranko Radović

Además, esa figura humana que aparece en casi todas las fotos sugiere esa conexión entre el edificio abandonado y el hombre que Xiao pretende crear de alguna forma en sus imágenes.

P8

Podgarić Nombre: Monumento a la Revolución del Pueblo de Moslavina (Spomenik Revolucije Naroda Moslavine) Ubicación: Podgarić, Croacia Año de finalización: 1967 Diseñadores : Dušan Džamonja, Vladimir Veličković

Curiosamente os interesará saber que Xiao es originaria de China pero vive en España (concretamente en Mataró) desde 2018. Nosotros sólo podemos alegrarnos de ello, felicitarle por sus fotografías y agradecerle que nos haya dejado compartirlas con todos vosotros.

P9

Nombre: Monumento a las Víctimas del Fascismo (‘Noveno Fuerte y Monumento’) Ubicación: Kaunas, Lithuania Año de finalización: 1984 Diseñador: Alfonsas Vincentas Ambraziūna s

P10

Popina (Попина) Nombre: Popina Monument Park (‘Mausoleo de los insurgentes caídos’; ‘El francotirador’) Ubicación: Štulac, Serbia Año de finalización: 1981 Diseñador : Bogdan Bogdanović

P11

Kosmaj (Космај) Nombre: Monumento a los soldados caídos del destacamento de Kosmaj (Споменик борцима Космајског одреда) Ubicación: Kosmaj Mountain Park, Serbia Año de finalización: 1971 Diseñadores : Vojin Stojić, Gradimir Medaković

P14

Gyumri Nombre: Fuente de hierro Gyumri Ubicación: Gyumri, Armenia Año de finalización: 1982 Diseñador : Artur Tarkhanyan

P17

Landmarke Lausitzer Seenland Nombre: Landmarke Lausitzer Seenland Ubicación: Senftenberg, Germany Año de construcción: 2008 Diseñador: Architektur & Landschaft Stefan Giers

P19

Petrova Gora Nombre: Monumento al levantamiento del pueblo de Kordun y Banija Ubicación: Petrova Gora National Park, Vojnić, Croatia Año de finalización: 1981 Diseñador: Vojin Bakić

P21

Barutana (Барутана) Nombre: Monumento a los caídos de la región de Lješanska Nahija Ubicación: Barutana, Montenegro Año de finalización: 1980 Diseñador: Svetlana Kana Radević

P22

Sisak Nombre: Monumento al Destacamento en el Bosque de Brezovica Ubicación: Novo Selo Palanječko, Croacia Año de finalización: 1981 Diseñador : Želimir Janeš

P25

Corazón de Jesús Nombre: Corazón de Jesús Ubicación: Gordon Hill en el condado de Harghita, Transylvania, Romania Año de finalización: 2011 Diseñador : Walter Zawaczky

P29

Gevgelija (Гевгелија) Nombre: Monumento a la Libertad o ‘La Flor de la Libertad’ (Цветот на слободата) Ubicación: Mrzenski Hill en Gevgelija, Macedonia Año de finalización: 1969 Diseñadores: Jordan Grabul , Blagoj Kolev

P36

Crematorio de Kiev Nombre: Crematorio de Kiev Ubicación: Kyiv, Ucrania Año de finalización: 1982 Diseñador: A. Miletski

P37

Parque Treptower Nombre: Soviet War Memorial (Treptower Park) Ubicación: Berlín, Alemania Año de finalización: 1949 Diseñador: Yakov Belopolsky

P38

Monumento de la estrella Nombre: Monumento a la estrella Qukës-Pishkash Ubicación: Librazhd – Përrenjas, Albania Año de finalización: 1978 Diseñador: Perikli Çuli

P39

Aparan Nombre: Monumento a la batalla de Bash-Aparan Ubicación: Aparan, Armenia Año de finalización: 1979 Diseñador : Rafael Israelyan

P5

Kruševo (Крушево) Nombre: Ilinden Memorial (Споменик „Илинден“) o ‘Makedonium’ (Македониум) Ubicación: Gumenja Hill en Kruševo, Macedonia Año de finalización: 1974 Diseñador s: Jordan Grabul, Iskra Grabul

Xiao Yang | Página web | Instagram | Facebook

Foto de portada | Buzludzha (Бузлуджа) Nombre: Buzludzha; Ubicación: Stara Zagora Province, Bulgaria; Año de construcción: 1971-1981; Diseñador : Georgi Vladimirov Stoilov.

Todas las fotografías de Xiao Yang reproducidas con permiso de la autora para este artículo

La Vía Láctea, auroras, nebulosas, cometas y otros fenómenos en las espectaculares fotos finalistas del ‘Astronomy Photo of the Year 2021’

Como cada año, el Real Observatorio de Greenwich, en colaboración con la revista BBC Sky at Night, convoca su concurso ‘Astronomy Photographer of the Year‘ en busca de las mejores fotos astronómicas, esas que nos muestran el cielo y lo que hay más allá. Pues bien, el que es probablemente el certamen más prestigioso de esta disciplina ha desvelado un adelanto de los finalistas de su decimotercera edición.

Hace unos meses que os enseñamos las fotos ganadoras de la última edición y ahora podemos ver algunas de las que aspiran a llevarse el premio de este año. Desde una puesta de sol capturada por el Rover Curiosity que la NASA llevó a Marte, hasta una instantánea del paso del cometa Neowise sobre Stonehenge, pasando por fascinantes auroras boreales o una foto de la trayectoria de la Luna sobre los tejados de París tomada durante el confinamiento.The Star Observer C Antoni CladeraThe Star Observer © Antoni Cladera Barceló. Finalista en el concurso Astronomy Photographer of the Year 2021.

También tomas en las que la Vía Láctea es protagonista, como ‘The Star Observer‘ obra del español Antoni Cladera Barceló y que es una de las finalistas que optarán al premio principal de diez mil libras esterlinas. En total, y a pesar de ser un año complicado, la organización dice haber recibido más de 4.500 entradas de fotógrafos aficionados y profesionales de 75 países de todo el mundo.

El próximo 16 de septiembre se anunciarán los ganadores definitivos, incluyendo los de las distintas categorías, los especiales y el premio principal al «Fotógrafo astronómico del año». De momento, os dejamos con los finalistas ahora desvelados:

Finalistas del concurso ‘Astronomy Photographer of the Year 2021’

The Milky Way On The Ancient Village C ZhangThe Milky Way on the Ancient Village © Zhang XiaoStar Trails Over The Lujiazui City Skyline C DaningStar trails over the Lujiazui City Skyline © Daning KaiThe Full Moon In Moscow C AnnaThe Full Moon in Moscow © Anna KaunisThe Eyes Of Clavius C Thea HutchinsonThe Eyes of Clavius © Thea HutchinsonThe Exceptionally Active Ion Tail Of Comet 2020f8 Swan C GeraldThe Exceptionally Active Ion Tail of Comet 2020F8 SWAN © Gerald RhemannGlory Of Damavand And Milky Way C MasoudGlory of Damavand and Milky Way © Masoud GhadiriThe Magnetic Field Of Our Active Sun C AndrewThe Magnetic Field of our Active Sun © Andrew McCarthyNgc 2024 Flame Nebula C StevenMoonrise over Jodrell Bank © Matt NaylorThe Rose C Josep DrudisThe Rose © Josep DrudisBicolour Veil Nebula C Peter FeltotiBicolour Veil Nebula © Péter FeltótiThe Soul Of Space Close Up Of The Soul Nebula C KushThe Soul of Space (Close-up of the Soul Nebula) © Kush ChandariaStar Fall C WangStar Fall © Wang ZhengThe Tumult Of The Sun C HassanThe Tumult of the Sun © Hassan HatamiAurora In Murmansk C VitaliyAurora in Murmansk © Vitaliy NovikovWaterfall C Anna DobrovolskayaWaterfall © Anna Dobrovolskaya-MintsSaturn At Its Best C DamianSaturn at its Best © Damian PeachA Daytime Transit C AndrewA Daytime Transit © Andrew McCarthyProximity C Peter FeltotiProximity © Péter FeltótiComet Neowise Over Stonehenge C James RushforthComet Neowise over Stonehenge © James RushforthChateau De Chambord C BenjaminChâteau de Chambord © Benjamin BarakatDolphin Head Nebula C Yovin YahathugodaDolphin Head Nebula © Yovin YahathugodaDugi Otok Variant A C IvanDugi Otok – Variant A © Ivan VuceticMilky Way Rising Over Durdle Door C Anthony SullivanMilky Way rising over Durdle Door © Anthony SullivanGlory Of Damavand And Milky Way C MasoudGlory of Damavand and Milky Way © Masoud GhadiriNgc 3981 C Bernard MillerNGC 3981 © Bernard MillerHarmony C StefanHarmony © Stefan LiebermannPath Of The Full Moon Above The Sleeping City C Remi LeblancPath of the Full Moon above the Sleeping City © Rémi Leblanc-MessagerLuna Park C Ed HurstLuna Park © Ed Hurst copiaPleiades Sisters C Jashanpreet SinghPleiades Sisters © Jashanpreet Singh DingraMartian Sunset C JohnMartian Sunset © John WhiteStar Watcher C YangStar Watcher © Yang SutieMoonrise Over Jodrell Bank C MattMoonrise over Jodrell Bank © Matt NaylorSunrise Of The Magic City C Jiajun

Más información | The Royal Observatory Greenwich

Foto de portada | ‘Iceland Vortex’ de Larryn Rae. Finalista del Astronomy Photographer of the Year 2021

PHotoEspaña 2021 dará protagonismo a las miradas femeninas, la fotografía africana y los jóvenes y combinará exposición virtual y presencial

Tras una edición de 2020 marcada por la pandemia del coronavirus, PHotoEspaña 2021 vuelve con una nueva cita que se celebrará entre el dos de junio y el 30 de septiembre, contará con 86 exposiciones con obras de 376 fotógrafos y artistas visuales y recuperará el carácter presencial, aunque combinándolo con lo virtual que, según Claude Bussac directora del Festival, «ha venido para quedarse«.

Por eso, aunque el Festival Off (que el pasado año fue virtual) vuelve a ser presencial, con la idea de apoyar a las galerías de arte madrileñas, el evento de este año cuenta con muchos proyectos virtuales, que se combinarán con variadas actividades presenciales. De hecho, el de este año será «un festival muy abierto al público, participativo, con muchas actividades y convocatorias para que el público amateur y profesional pueda enviar sus imágenes«.

Contenido del Festival

Este año PHotoEspaña ha concebido un programa que aborda cuestiones sociales actuales. Así, «reflexionará sobre la fotografía panafricana desde un punto de vista global. También dará visibilidad al trabajo de mujeres fotógrafas nacionales e internacionales y el medio ambiente y la sostenibilidad estarán presentes a través de la obra de grandes fotógrafas«.

'Detrás del instante': Isabel Muñoz y la fotografía como pasión

EN XATAKA FOTO‘Detrás del instante’: Isabel Muñoz y la fotografía como pasión

Nombres como Margaret WatkinsBarbara MorganOuka LeeleMontserrat SotoLua Ribeira o Isabel Muñoz, que presentará su último proyecto (creado exprofeso para el Festival) donde reflexiona sobre «el agotamiento de recursos en el planeta, el agua entre otros, que puede llegar a poner en peligro nuestra supervivencia como especie«.Isabel MunozIsabel Muñoz. © Isabel Muñoz

También hay que destacar el «abordaje» de la fotografía panafricana gracias a Elvira Dyangani Ose, comisaria invitada de la edición que presentará dos exposiciones colectivas, un ciclo de cine y un programa de performance y conversaciones en los que se explorará la fotografía desde una perspectiva panafricanista global.

Además, PHotoEspaña 2021 contará con clásicos de la fotografía como Bill BrandtNicholas NixonGarry Winogrand y Alfonso; representantes de la Escuela de Madrid, como Gerardo Vielba; y con las voces más jóvenes de la fotografía contemporánea, de la mano de diversas convocatorias y con propuestas de autores como Paola Bragado, Alejandro Rego, Arguiñe Escandón, Marius Scarlat, Zied Ben Romdhame, Sonia Merabet, Hakim Rezaoui o Yasmine Hatimi, entre otros.Dp 4058 Petrosdawit Prologueii StrangersnotebookDawit L. Petros. Untitled (Prologue II), 2016. Series: The Stranger’s Notebook © Dawit L. Petros. Courtesy the artist, Tiwani Contemporary, and The Walther Collection.

Otros nombres de los que también se podrá disfrutar algunos trabajos serán Sergio Belinchón, Gabriel Cualladó, Joan Fontcuberta, David Goldblatt, Paul Graham, Candida Höfer, Valérie Jouve, Sebastião Salgado, Allan Sekula o Martin Parr. Y si el año pasado despuntó la convocatoria #PHEdesdemibalcón, este 2021 la organización vuelve a invitar a todos los fotógrafos profesionales y aficionados a engrosar la lista de autores del Festival con la convocatoria #VisitSpain, en esta ocasión patrocinada por OPPO, en la que invitan a todo el mundo a dar a conocer su entorno y su cultura.Paradiso 2018María Sánchez. Paradiso, 2018 © María Sánchez

Otra novedad es PHE Gallery, la nueva sede permanente de PHotoEspaña que se convertirá en el corazón de la programación, con muestras de libros de fotografías, encuentros con fotógrafos, talleres y seminarios. Además, también acogerá el Campus PHE Gallery, donde se ofrecerá mensualmente una programación de cursos especializados, seminarios, talleres exprés y charlas para todo tipo de públicos «con el objetivo de aprender, divertirse y generar lazos de unión«.

En cuanto a las ciudades invitadas, se mantienen las de Alcalá de Henares, Alcobendas, Almería, Barcelona y Zaragoza a las que se suman Ciudad Real y Oporto. Además, en septiembre se celebrará una nueva edición de PHotoEspaña Santander. Como ha venido sucediendo hasta el pasado año, las opciones del Festival son tan amplias que no podemos hablar de todas (ni siquiera de una pequeña parte), así que os recomendamos una visita a su web para informaros de todas las posibilidades de disfrutar de la fotografía que nos ofrecerá PHotoEspaña 2021.

Más información | PHotoEspaña

Juan Jimeno. Expo. Expresiones de Naturaleza.

En cuanto al comentario, solamente decir que esto es el resumen del
trabajo realizado en los dos últimos años, espero que con esta pequeña
muestra os hagáis idea del esfuerzo realizado ( viajes ,tiempo etc )

Un abrazo

Juan Jimeno

Juan Jimeno Morales

Fechas del evento

Todos los días, del 19 de abril de 2021 al 30 de abril de 2021

Programa

Exposiciones en los centros cívicos

Espacio

Centro Municipal José Luis Mosquera (Huerta del Rey)

Organizador de actividad

Concejalía de Participación Ciudadana y Deportes

Descripción

Expresiones de naturaleza. Fotografías.

CÁMARA OSCURA by Antonio Vallano.

Nuestro compañero Antonio Vallano va a impartir un taller online sobre cámara oscura el próximo miércoles 14 de abril a las 20.00 horas. Si estás interesad@ en participar, aquí tienes el enlace:

https://meet.google.com/avy-owms-zxg

La técnica que utiliza está al alcance de todos y permite obtener unos resultados visualmente muy llamativos así que te animamos a que participes. Aprovechamos también la ocasión para agradecer a Antonio Vallano su disposición a compartir con todos nosotros sus conocimientos, en este nuevo taller que va a desarrollar.

Confiamos en que la propuesta te resulte interesante.

Os esperamos.

FESTIVAL INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA DE CASTILLA Y LEÓN 2021

Nace el Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León, que tendrá lugar del 21 de abril al 29 de mayo en distintos espacios de Palencia. Una cita con la fotografía nacional e internacional que abordará la imagen como un espacio donde convergen distintas disciplinas, estilos y épocas y reunirá a grandes nombres de la fotografía contemporánea y del siglo XX.

Once exposiciones, siete conversaciones, tres conferencias, un ciclo de cine comisariado por Isabel Coixet y casi 50 artistas conforman la programación de esta nueva cita para los amantes de la fotografía, que aspira a convertirse en una referencia a nivel nacional e internacional.

https://fifcyl.com/landing/

Palencia se convertirá así en un lugar de encuentro y de reflexión alrededor del mundo de la imagen y la fotografía.

11 exposiciones
7 conversaciones
3 conferencias
45 artistas y participantes
5 películas

VIDEOPOST: Nueve fotolibros, nueve formas de entender y ver la fotografía

por Cartier Bresson no es un reloj 

Uno de los consejos que suelo dar a la gente que me pide que le recomiende fotolibros o libros de fotografía es que no se limiten a comprar aquellos que van con su estilo o que pertenezcan a los autores que más les gustan. No es que no deban comprarlos, al contrario, pero sí conviene aventurarse en el trabajo de esos otros fotógrafos y fotógrafas que están, en principio, alejados de aquello que más nos gusta. Y la razón es muy sencilla: por mi propia experiencia, sé que mirar, curiosear y disfrutar de todo tipo de fotografía nos mantiene la mente (y el ojo) ágil, fresco y vivo, y que puede ser una muy buena forma de evitar anquilosarnos en lo que fotografiarnos y en una visión un tanto reducida de la propia fotografía y sus posibilidades.

Un ejemplo de esto que estoy diciendo son los libros que he comprado en estos tres últimos meses. La elección no ha sido deliberada, es decir, no los he comprado pensando en que sean (tan) diferentes unos de otros, sino que ha coincidido que lo son. Me di cuenta de ello cuando los junté para grabar un pequeño vídeo para @leiremiska, mi cuenta de Instagram.

Eso fue hace poco más de una semana. Tras publicar el vídeo y ver la reacción de la gente, me pareció una buena idea hacer otro con los mismos libros, mostrándolos más en profundidad, y publicarlo en el canal de Youtube de Cartier-Bresson no es un reloj (después me he dado cuenta de que me he ‘comido’ el “Afronautas” de Cristina de Middel, pero no os preocupéis, ya os hablaré de él).

Debajo del vídeo que os dejo a continuación, está la lista de libros de los nueve libros que os muestro. Si pincháis en ellos, el enlace os llevará a la página donde podéis comprarlos, en caso de que os interesen. Espero que lo disfrutéis y os resulte interesante. ¡Gracias!

Lista de libros que aparecen en el vídeo:

– ‘True Stories’, de Sophie Calle.

– ‘Home’, de Julia Borissova.

– ‘Untitled’, de Popel Coumou.

– ‘Cespedosa’, de Juan Manuel Castro Prieto.

– ‘Galerna’, de Jon Cazenave.

– ‘203 works’, de Trine Sondegaard.

– ‘On this site’, de Joel Sternfeld.

– ‘Stranger passing’, de Joel Sternfeld.

– ‘Body maps’, de Margaret Lansink.

Cuando Joel Meyerowitz conoció a Cartier-Bresson

GLORIA CRESPO MACLENNAN EL PAIS

‘Babelia’ propone a los fotógrafos que escojan una imagen de la que guardan un recuerdo especial. El gran retratista estadounidense se acuerda de cuando, al comienzo de su carrera, coincidió por casualidad con el maestro francés, en un breve encuentro que inmortalizó con su cámara

Henri Cartier-Bresson, en el Nueva York de 1963.

Corría el año 1963 y era casi primavera en Nueva York. Desde las primeras horas de la mañana, miles de personas se arremolinaban en las aceras, para ver pasar el desfile de San Patricio, que, como cada 17 de marzo, desde el cruce con la Calle 44 hasta el de la Calle 79, avanza por la avenida más famosa de Manhattan: la Quinta Avenida. Joel Meyerowitz (Nueva York, 1938) se encontraba allí, sumergido en el caos de la vida cotidiana, con la Leica colgada al cuello y a la espera de ese instante de reconocimiento que alumbra la imagen fotográfica. No estaba solo: lo acompañaba el británico Tony Ray-Jones, con quien de forma habitual salía a fotografiar. “Ninguno de los dos sabíamos de fotografía. Aprendíamos juntos. Disparábamos fundamentalmente desde el corazón, de ahí que cada disparo requiriese otro tipo de atención”, recuerda el fotógrafo estadounidense en una videollamada desde su residencia en Italia. “Acudíamos a los desfiles. Se convirtieron en un tipo de laboratorio en el cual aprendíamos cómo actuar en la calle, a aproximarnos a la gente sin delatarnos.”

El plan para ese día consistía en acudir al punto de partida y al final del desfile. “Allí donde había una gran aglomeración. No nos interesaba tanto la parada como la gente que acudía al lugar”, señala Meyerowitz, hoy una leyenda viva de la fotografía de calle, pionero en el uso de la fotografía en color como una expresión artística a través de la cual ha canalizado su propia visión de la comedía humana, del paisaje y de la naturaleza muerta. Por aquel entonces, era solo un joven desconocido que hacía un año había abandonado su trabajo como director artístico en una pequeña empresa, extasiado tras haber observado a Robert Frank ejecutar un trabajo de encargo.

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Formado como diseñador gráfico, Ray-Jones pretendía también abrazar de lleno la fotografía. Alumno del Design Lab dirigido por Alexey Brodovitch (celebrado en el estudio de Avedon), había sido fichado como subdirector creativo de la revista Sky. A contracorriente, ambos hacían uso del color. “Íbamos a mi apartamento y proyectábamos las diapositivas en la pared a un tamaño de unos 50 cm, para observarlas completamente inmersos en ellas a una distancia de 60 cm. Así, fuimos desarrollando una cierta actitud ante el medio, evolucionando técnicamente como autodidactas. Criticábamos mutuamente nuestro trabajo con honestidad y sin prejuicios”. Virtuosos en el oficio, su pericia se consolidó en el latido de la calle. Compartieron su visión de la fotografía como un acto reflejo ante la llamada de la belleza escondida en lo cotidiano, capaces de señalar lo absurdo en imágenes tan espontáneas como sutiles. La obra de Ray-Jones ha sido poco difundida fuera del Reino Unido, pero su particular enfoque de la fotografía documental ha marcado a varias generaciones de fotógrafos, entre ellos a Martin Parr. “Tomó de Tony su jocosidad para llevarla al extremo”, puntualiza Meyerowitz. “Tony y yo éramos unos veinteañeros de pinta desaliñada y pelo largo. Merodeábamos entre la gente cuando de repente llamó nuestra atención la elegante presencia de un fotógrafo. Vestía gabardina y se cubría la cabeza con un fedora. Disparaba la cámara y se movía como un bailarín”, recuerda el artista. En un momento dado un hombre borracho da tumbos entre la muchedumbre, y el sorprendente personaje arroja su cámara sobre el beodo, para rápidamente retirarse con agilidad, mientras este último se vuelve a perder entre la multitud.

Meyerowitz reconstruye la escena de la siguiente forma: “¡Debe de ser Cartier-Bresson!’, me dijo Tony, mientras impedido por su timidez me empujaba a ir hablar con el francés. Así, me acerqué al desconocido, con mi barba y mi parca de nieve de la Segunda Guerra Mundial, con el cuello forrado de piel. ‘Disculpe, ¿es usted el señor Cartier-Bresson?`, le abordé en inglés, mientras Tony se escabullía. ‘¿Es usted un policía?’, respondió”. Me identifiqué como un fotógrafo que aprendía el oficio junto a un amigo. “Cuando termine el desfile nos vemos por aquí y os invito a un café”, contestó complaciente. ¡Cartier-Bresson, uno de los dioses de la fotografía iba a invitar a dos jóvenes desconocidos a un café! ¡Imagine la locura que nos entró! Continuamos fotografiando, agarrando la cámara de la forma que le habíamos visto hacerlo a él: con la correa enrollada al brazo, siempre sujeta. Nos mantuvimos en la zona con el propósito de facilitar el reencuentro. Y ocurrió. En un café alemán cercano, en la Calle 86 Este, cerca de la Avenida Lexington, nos invitó a tarta y a café. Nos habló acerca de un joven fotógrafo que había descubierto unos años atrás en París. Se trataba de Bruce Davidson, quien ya formaba parte de Magnum. Durante los cerca de 45 minutos que duró el encuentro se mantuvo bromista, relajado y generoso”.

Tres años más tarde, Meyerowitz volvió a ver al artista francés en París. Esta vez el encuentro estuvo mediado por Robert Delpire, editor de uno de los dos libros de fotografía más influyentes del siglo XX; Los americanos, de Robert Frank, ( publicado en 1958), que junto con El instante decisivo, de Cartier-Bresson, ( publicado por Tériade en 1952),  marcaron un antes y un después en su historia del medio. Fueron los dos primeros libros de fotografía que pasaron a formar parte de la biblioteca del fotógrafo estadounidense y se constituyeron en “poderosas guías” para él. La reunión tuvo lugar en la oficina del editor. “Yo quería mostrarles una serie de fotografías de Garry Winogrand [a quien le unía una gran amistad]. Eran unas imágenes maravillosas, pero Cartier-Bresson no respondió a ellas. Delpire acabaría publicándolas en colaboración con el MoMA en el famoso monográfico The Animals. Sin embargo, esta presentación me permitió estrechar mis lazos con el fotógrafo francés y nuestras citas continuaron de forma espaciada entre Nueva York y París a lo largo de los años”, rememora Meyerowitz.

El instante decisivo me enseñó a ser invisible y a no dudar nunca ante algo que ocurre delante de mí. Aprendí a adentrarme en el asunto en vez de quedarme atrás, observando desde la distancia. Cartier-Bresson siempre consiguió acercarse a cualquier cosa que tuviera lugar y pasar a formar parte de la totalidad de la experiencia”, destaca el autor. La lección se palpa en su libro Wild Flowers, recién reeditado por Damiani en una revisión actualizada del monográfico original, publicado en 1983, que repasa su trayectoria artística y se torna en un jardín visual cultivado a lo largo de seis décadas. “Una obra de descubrimiento, humor y pathos que, como todo en la naturaleza, posee una medida de brutalidad”, escribe su mujer, la escritora Maggie Barrett, en el prólogo.

En la obra de Meyerowitz  el gesto cotidiano siempre se torna sublime.

La elegante belleza de las bailarinas de ballet en las increíbles instantáneas de Levente Szabó

by ÓSCAR CONDÉS@hoskarxataka

Todos sabemos que, por culpa del coronavirus, no es el mejor momento para las artes escénicas, pero eso no significa que nos olvidemos de ellas ni que podamos disfrutar de su belleza, aunque sea de otra manera. Por ejemplo, a través de las elegantes fotografías de bailarinas de ballet creadas por Levente Szabó.

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Levente es un fotógrafo húngaro, afincado en Moscú y especializado en fotografiar bailarinas. Comenzó en el año 2013 haciendo foto de viajeretratoproducto y alimentos pero, nos cuenta, “siempre sentí que necesitaba hacer algo más artístico. En 2015 me invitaron a tomar unas fotos de bailarinas en San Petersburgo, y fue cuando me me di cuenta de que me encantaba el tema.”

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Me mudé a Moscú —continúa— que es un gran lugar para artistas y fotógrafos. Ahora estoy trabajando con bailarines famosos en Rusia y Ucrania, y también enseño fotografía y retoque (vía online) tanto a principiantes como profesionales.”

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Tratando de “crear algo artístico y único”, el fotógrafo define sus imágenes como “un reflejo de mi mundo interior”. Sea como fuere, quizá te interese saber que sus sesiones suelen ser improvisadas “en la mayoría de los casos”, que utiliza una Sony A7R III, y que sus fotos pasan por un proceso de retoque que, para él, “es una gran aventura […] mi actividad favorita de tiempo libre.”

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Para Levente, el secreto del éxito de un fotógrafo que se dedica a esto es conseguir un estilo propio que le defina, algo que a nuestro parecer, por lo que vemos en las fotos, está consiguiendo ¿No os parece?

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