La sala municipal de San Benito exhibe fotografías de Paolo Ventura (Milán, 1968), un artista que incorpora dercorados a sus imágenes para recrear estampas basadas en recuerdos infantiles y en historias de la II Guerra Mundial contadas por su abuela.
Las obras pertenecen a la Colección Cotroneo de Roma, cuyos propietarios, Giovanni Cotroneo y Anna Rosa Cotroneo, han inagurado una muestra que acerca a Valladolid el universo «de un artista soñador que es feliz y lo transmite en sus obras», señaló Giovanni Cotroneo.
Observadores de aves, soñadores, lanzadores de cuchillos, autómatas, pretidigitadores, malabaristas, soldados y payasos son algunos de los personajes a los que retrata Palolo Ventura en posados en los que aparecen él mismo, su hijo, su esposa o su hermano gemelo, así como muñecos, fondos y escenografías creados para las fotografías, buena parte de ellas series de tres, cinco o seis secuencias que remiten al mundo del cine de un artista marcado por la película ‘Amacord’, de Federico Fellini.
Sala de San Benito
Nos comunican desde la Concejalía de Cultura que hay que empezar a preparar nuestra Exposición Colectiva 2016.
Será en el C.C. J. L. Mosquera, del 18 de octubre al 2 de noviembre.
El tema RGB, te resultará muy fácil, ya que cualquier fotografía donde resalte
cualquiera de los tres colores (Rojo, verde, azul) es lo correcto.
O bien la unión de los mismos. Y siempre desde la más completa libertad de elección, en cuanto al motivo a representar.
Máximo tres fotos por socio y un tamaño libre pero máximo de 40×50.
Saludos. Esperamos tus imágenes.
RAFAEL PABLOS FERNÁNDEZ se complace en invitarle a visitar la Exposición de «FOTOGRAFÍAS» que tendrá lugar el día 21 de Septiembre al 15 de Octubre del 2016, en la Sala Cultural Caja de Burgos en Aranda de Duero ( Plaza del Trigo,8 ).
Inauguración : Miércoles 21 de Septiembre a las 19 horas.
Un saludo
Rafael Pablos.
La Sala Municipal de Exposiciones de San Benito de Valladolid, ha presentado hoy, 31 de agosto, la muestra «OLIVIERO TOSCANI. Más de 50 años de magníficos fracasos» una magnifica selección de obras del fotógrafo italiano Oliviero Toscani
(Milán, 1942), uno de los más famosos del mundo por sus campañas para Benetton, Esprit, Valentino o Fiorucci. Fotógrafo, publicista, diseñador, ideólogo…Oliverio Toscani que se denomina «situacionista» es un hombre que ve los problemas y trata de resolverlos con creatividad. Toscani es considerado un artista que usa la fotografía para expresar lo que otros no se atreven a decir o a mostrar
.
Toscani estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.
Se define a sí mismo como un fotógrafo, que no soporta cuando lo llaman publicista, aunque sus imágenes hayan sido utilizadas para la comunicación, aunque sus campañas para Benetton hayan colocado esta marca entre las más conocidas del mundo, aunque las ideas de sus instantáneas hayan sido concebidas por él y no por los «autoproclamados» creativos de las agencias de publicidad, aunque sus clientes sean grandes empresas y lo hayan buscado para dar a conocer sus productos. Pero Toscani se empeña siempre en ir más allá de lo que pide el cliente, y utilizar cada ocasión para mostrar sus convicciones.
Sala de San Benito
«Nunca he tomado ninguna imagen, buena o mala, sin pagar por ellas un precio emocional». Esa frase de Eugene Smith (1918-1978) resume como pocas el espíritu, el compromiso y la implicación con su trabajo que le convirtieron en unmaestro del fotoperiodismo gracias a sus colaboraciones con medios como ‘Life’ o ‘Newsweek’. A partir de hoy y hasta el próximo 28 de agosto, la sala de exposiciones de San Benito en Valladolid acoge la muestra ‘Capturar la esencia’, que reúne 60 fotografías de diferentes e impactantes series creadas por el norteamericano, procedentes de la colección particular de Christopher Luce, que seleccionó sus piezas entre las mejores impresiones fotográficas que el propio Smith había positivado en vida.
«No se puede hablar de fotoperiodismo sin hablar de Eugene Smith, que ha influido en múltiples generaciones que le han tenido como referente. Él pretendía transformar en imagen su verdad, y tener el proceso completo bajo su riguroso control. La persecución de sus ideales fue su suerte y su maldición, ya que afrontaba cualquier tarea de forma obsesiva, y eso complicó muchísimo su vida y la de su familia», desgranó la comisaria de la exposición, Enrica Viganò.
Una de las series que realizó con ‘Life’, ‘Pueblo español’, fechada en 1951 y también representada en esta exposición, llegó a suscitar un conflicto diplomático entre España y Estados Unidos, cuando el régimen franquista fue consciente de la repercusión internacional que las fotografías estaban teniendo, al reflejar la oscuridad y las condiciones de la vida rural en los primeros años de la posguerra. «Las presiones diplomáticas obligaron a ‘Life’ a encargar a otro fotógrafo y publicar poco después otro reportaje, a todo color, de la España ‘moderna’ del momento», reseña Viganò.
Sala de San Benito
Ya podéis disfrutar con la última edición de la Posición T MAYO 2016.
En el ámbito de la fotografía, el concepto de tipología fue impulsado por los fotógrafos alemanes Bernd y Hilla Becher que en la década de los sesenta fotografiaron plantas industriales, torres de agua y demás arquitectura vernacular de una manera aparentemente objetiva. No obstante, la tradición apuntaba ya casos muy conocidos como los de Eugène Atget, que fotografió las calles de París a principios del siglo XX, o el de August Sander, que en los años veinte, ya había centrado su interés en retratar a los representantes de todas las clases sociales y profesiones, razón por la cual se le considera como el padre de la sistematización y la tipología en la fotografía. Otro caso reconocidísimo y determinante en la historia del medio sería la serie Twentysix Gasoline Stations que publicó Ed Ruscha en 1962.
En 1991 se realizó en Nueva York una exposición denominada “Tipologías: Nueve Fotógrafos Contemporáneos.” En el ensayo de introducción a esta exposición, Marc Freidus da una definición del concepto que todavía se utiliza hoy en día: “La tipología se ensambla por observación, colección, nombramiento y agrupación. Estas acciones permiten comparar los diferentes componentes, generalmente en busca de patrones más amplios”.
La exposición que presentamos en la Sala San Benito se inspira en esta aproximación para constatar una manera de mirar y aproximarse al mundo por parte de los fotógrafos. Los autores representados coinciden en llevar a cabo una exploración en la que la repetición de lo mismo cobra la misma importancia que sus variaciones. Muchos de los proyectos se han transformado en conocidas series fotográficas; y es que el significado más profundo de estos trabajos no se consigue en muchos casos a partir de la imagen única, sino de su conjunto. Casos como los de Joan Colom y su serie realizada en el barrio del Raval de Barcelona sería un ejemplo de esta manera de trabajar: sus retratos de personajes del barrio adquieren nuevas interpretaciones y un mayor impacto viéndolas en su conjunto. También en Barcelona, pero de una manera muy diferente, se presentan las tipologías de fachadas de Manolo Laguillo: el uso de un mismo punto de vista, estilo y la excelencia técnica, resultan factores fundamentales para dar coherencia a su proyecto.
De alguna manera, muchos de los conceptos que definen la tipología, como la intención de sistematizar, son una constante en la fotografía, sin importar tanto si lo retratado son personas, paisajes u objetos. ¿No será el propio acto fotográfico, escondido bajo una apartente objetividad y producción técnica, un intento de captar y ordenar el mundo?
Sala de San Benito
Fotógrafo de vocación, Brodie ganó en 2008, con 23 años, el Premio Baum para Fotógrafos Emergentes de los Estados Unidos y su obra forma parte de las colecciones permanentes de varios museos de la llamada primera división, según ha informado la Fundación Municipal de Cultura a través de un comunicado remitido a Europa Press.
El «fotógrafo vagabundo» narró la vida nómada de los vagabundos juveniles estadounidenses que cruzan el país como polizones de trenes de carga. Se subió a un tren de carga a los 17 años –para huir de sus circunstancias familiares– y recorrió 50.000 kilómetros. Empezó por casualidad a esa edad a realizar fotografías con una cámara Polaroid y las publicó en las redes sociales.
‘Edward Burtynsky. Agua Shock’ en la Sala Municipal de Exposiciones de San Benito.
El fotógrafo utiliza imágenes sublimes para sacudir la opinión pública, «porque es a través de la cultura cuando se elevan las conciencias y se construyen las historias». «Y a través de la cultura podemos sensibilizar al hombre sobre las consecuencias de sus acciones».
Durante el desarrollo de esta investigación sobre el agua, Burtynsky ha utilizado tecnologías avanzadas, necesarias considerando la inmensidad del sujeto. Las instantáneas aéreas (desde helicópteros a drones) caracterizan de hecho el proyecto y nos desplazan por la dificultad para capturar la escala visual y la abstracción de los sujetos. El resultado es siempre sorprendente, nunca aburrido, ya que primero quedamos fascinados por la maravillosa representación de los lugares y sólo en un segundo momento nos adentramos más allá de la ilusión de los paisajes infinitos, hasta que tomamos consciencia de aquello que es realmente el sujeto.
En la sala municipal de San Benito se ha inaugurado la exposición ‘Berenice Abbott. Topografías’, un acercamiento a la sensibilidad de la fotógrafa estadounidense plasmada en blanco y negro en retratos, ambiente urbano de Nueva York y la transmisión de la ciencia a través del arte.
Berenice Abbot (1898-1991) viajó en los años veinte del siglo pasado a París y Berlín y trabajó como ayudante en el laboratorio del fotógrafo surrealista Man Ray. Frecuentó los ambientes de la vanguardia parisina y se impregnó de la concepción de la fotografía documental de Eugène Atget. De esa época son algunos de los retratos que se pueden apreciar en la exposición, como los de James Joyce, André Gide, Lewis Hine y Jean Cocteau.
A su vuelta a Nueva York en 1929 quedó sorprendida por los grandes cambios urbanísticos de la ciudad, el impacto de la revolución industrial y el capitalismo. Con su cámara captó la transformación de la ciudad horizontal que conoció en avenidas con grandes rascacielos como paradigma de los nuevos tiempos. En el proyecto ‘Changing New York’ documentó esos grandes cambios urbanísticos y arquitectónicos entre 1929 y los diez años siguientes.
Arthur Fellig nació en Austria en 1899. En 1909 emigró con su familia a Estados Unidos instalándose en el East Side de Manhattan, donde realizó muchas de sus conocidas fotografías. Obligado a dejar la escuela en 1914 para poder ayudar al mantenimiento de su familia, trabajó durante un tiempo como fotógrafo de calle. En 1935 comienza su carrera como fotógrafo independiente. Tiempo antes ya había usado el nombre de Weegee, en referencia a la tabla de Ouija y su sorprendente capacidad para llegar pronto al escenario del crimen—a veces incluso antes que la propia policía. De hecho, este talento es lo que le convirtió, desde 1937, en el único civil que tenía permiso para instalar una emisora de la policía en su coche.De 1940 a 1944 Weegee trabajó como reserva para un periódico vespertino, libre para escoger sus propias historias, periodo en el que tomó sus mejores fotografías. En 1945 se inauguró su exposición Naked City en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y de ahí salió su libro más vendido. El año siguiente se publicó Weegee´s People. Editando estas historias de Nueva York, de sus calles, sus bares, sus viviendas, sus crímenes, sus tragedias y diversiones, ayudó a dar forma a la propia conciencia de América, sus imágenes nos hablaban por igual del mito y de la realidad de la ciudad. Convertido en una celebridad nacional, se trasladó a Hollywood donde dio conferencias y realizó las fotografías de Naked Hollywood. Siguió trabajando y viajando hasta su muerte en 1968. En la actualidad Weegee es conocido como el fundador de la época de la cultura del tabloide, al mismo tiempo que es reverenciado por elevar la parte más sórdida del ser humano al nivel del arte.
04/09/2015 – 18/10/2015
Esta muestra inédita en España, presenta la obra de varias generaciones de artistas chinos que trabajan tanto en video como en fotografía, y cuyo objetivo es investigar la delgada línea entre el individuo y el mundo externo (Benoit+Bo Can Xin, LiuXiaofang, Zang Huan, Xu Pei Wu, Yang Changjing, Huang Ran), entre el yo privado y la persona pública (Tu Chun, WangFuchun, Wang Gang), así como la función del paisaje como metonimia de la condición humana contemporánea (Xu Yong, Wang Zi, Zhou Ming, Lu Guang). La idea de identidad se refiere al microcosmos del individuo pero también al macrocosmos en constante transformación. Eso último, aunque de una manera diferente respecto al pasado mantiene el significado de la metáfora de la identidad colectiva, que encarna los deseos, impulsos y visiones que sirven como enlace entre la memoria individual e histórica. «Identidad e Imaginación» alterna reflexiones sobre el «yo», que ya no es monolítico pero no por ello menos insondable, a panorámicas en las que el paisaje, no importa sea urbano o rural, se alza como una metáfora de una identidad plasmada por los eventos, inevitablemente cambiada en un tiempo cambiante. Sabrina Raffaghello. Co-comisaria.
15/07/2015 – 30/08/2015
